JUICEBOX

The Black Keys (Zénith, 25 Janvier 2012)

2012-01-29T17:34:00.000+01:00

Carton rock des derniers mois, The Black Keys débarquent en France fin janvier, forts de deux albums épatants en autant d'années. Leur tournée est "sold out" partout où ils passent. Leurs noms sont sur toutes les lèvres - et sur toutes les couvertures de magazines. Bref, la consécration semble en bonne voie pour le duo d'Akron. Acquis à la force du médiator après dix années passées à écumer les petites salles aux quatre coins du monde, ce succès amplement mérité fait plaisir à voir (même s'il faut bien avouer que la concurrence ne fait pas rage).

C'est donc dans les Zénith que se produisent désormais Dan Auerbach (guitare/chant) et Pat Carney (batterie). Après Lille hier, les voilà à Paris, désormais accompagnés d'un deuxième guitariste et d'un clavier. En attendant notre pression au bar nous entendons la fin du set de Portugal The Man (et notamment l'excellent single "So American"), groupe prometteur qu'il faudra revoir.

"Howlin' For You" est jouée d'entrée. Batterie militaire, riff ciselé et refrain repris en choeur : le ton est donné. De manière prévisible, les titres de Brothers et El Camino constituent l'essentiel de la setlist. En une poignée de chansons imparables ("Sister", "Gold On The Ceiling", "Strange Times", "Run Right Back", "Dead And Gone"), le duo marque son territoire et prouve qu'il a les épaules pour séduire les grandes salles. Le public n'a d'ailleurs aucun mal à se laisser convaincre, sautille allègrement et donne de la voix sur chaque refrain. Plus appliqués que déchaînés, les Black Keys déroulent.

Après une entrée en matière calibrée mais à l'efficacité indéniable, on assiste à un tout autre concert. Les deux musiciens additionnels quittent la scène, laissant Dan Auerbach et Pat Carney remonter le cours de leur histoire. La bride est lâchée, les deux comparses s'en donnent à coeur joie, Dan se fendant notamment de quelques jolis solos. Si la qualité des mélodies reste inférieure aux titres les plus récents du duo, cet intermède de quatre morceaux offre au Zénith un pur moment de rock & roll.

La suite du concert est plus convenue et inégale. Surtout, à mesure que la soirée avance, quelques faiblesses apparaissent clairement : les morceaux finissent par se ressembler un peu (ici et là, on n'est pas loin de la formule), le jeu de batterie de Pat Carney s'avère trop stéréotypé et ne soutient pas la comparaison avec l'inventivité de Dan Auerbach à la six cordes. Ce dernier, également excellent chanteur, s'impose sans conteste comme la véritable force motrice du duo. The Black Keys aurait aussi pu s'épargner le coup de la boule à facette ou du nom du groupe qui clignote en fond de scène sur le dernier titre - Coldplay ou les Hives font ça très bien.

On ressort de la salle avec un sentiment mitigé. Malgré de vrais moments enthousiasmants (ne serait-ce que pour "Lonely Boy", la soirée valait le détour), un travail bien fait, une setlist construite intelligemment (les Black Keys commencent à avoir une belle petite collection de tubes), les riffs explosifs en pagaille, ce concert nous laisse un peu sur notre faim. Le plus dur commence peut-être pour les Black Keys : parvenir à conserver leur crédibilité rock indé tout en creusant la brèche qu'ils ont fraîchement ouverte vers le succès planétaire. Jusqu'ici l'équilibre est parfait, mais on croise les doigts pour que dans le futur, les Black Keys ne fassent pas un pas de plus vers le mainstream.

Setlist The Black Keys :

01 Howlin' For You
02 Sister
03 Gold On The Ceiling
04 Strange Times
05 Run Right Back
06 Dead And Gone
07 Thickfreakness
08 Girl Is On My Mind
09 I'll Be Your Man
10 Your Touch
11 Little Black Submarines
12 Nova Baby
13 Next Girl
14 Chop And Change
15 Money Maker
16 Ten Cent Pistol
17 Same Old Thing
18 Tighten Up
19 Lonely Boy
Rappel 1
20 Everlasting Light
21 She's Long Gone
22 I Got Mine

Lire l'article sur Froggy's Delight.

Best Of 2011 (1-20) : LES INCONTOURNABLES

2011-12-27T23:03:00.004+01:00

La Playlist Deezer :

The Black Keys "El Camino"

Parce qu'on a visionné une centaine de fois le clip de "Lonely Boy" et c'est toujours aussi bon. Parce qu'El Camino devrait être remboursé par la sécurité sociale. Parce que ça faisait un moment qu'un disque ne nous avait pas autant donné envie de sauter dans tous les sens.

Miles Kane "Colour Of The Trap"

Parce que "Come Closer" et "Rearrange". Parce qu'en 2011, à part Alex Turner, on ne voit pas de songwriter anglais de cet acabit. Parce que les Last Shadow Puppets n'étaient pas un feu de paille. Parce que la tradition pop liverpuldienne a de beaux jours devant elle.

Arctic Monkeys "Suck It And See"

Parce qu'on ne donnait pas chez de leur peau à leurs débuts et qu'on s'est planté en beauté. Parce que plus on écoute Suck It And See plus on l'aime. Parce qu'à chaque album les anglais deviennent de plus en plus passionnants. Parce que même avec sa nouvelle coupe de cheveux, Alex Turner a la classe. Parce que depuis leur passage chez Josh Homme, les anglais ont pris une autre dimension.

Anna Calvi "Anna Calvi"

Parce qu'on a toujours rêvé d'entendre une torero anglaise chanter comme Patti Smith ou PJ Harvey. Parce que quelle voix ! Parce qu'on pense que c'est une future grande.

Danger Mouse & Daniele Luppi "Rome"

Parce que tout ce que touche Danger Mouse se transforme en or (Gnarls Barkley, Gorillaz, Broken Bells, Black Keys, Beck, Sparklehorse). Parce que Jack White et Norah Jones n'ont peut-être jamais aussi bien chanté. Parce que les mélodies et les arrangements de corde sont superbes. Parce qu'on s'attend à voir surgir Clint Eastwood à tout moment.

Stephen Malkmus & The Jicks "Mirror Traffic"

Parce qu'il n'y a rien à jeter sur cet album. Parce que le chant décontracté de Stephen Malkmus. Parce qu'après plus de vingt ans de carrière, Stephen Malkmus est au top de sa forme.

Wild Beasts "Smother"

Parce qu'on avait adoré Two Dancers et que Smother est tout aussi bon. Parce que si on arrive à passer outre le chant maniéré, on découvre un trésor de mélodies et d'émotions.

Wilco "The Whole Love"

Parce que Wilco, c'est comme le bon vin, ça s'améliore avec l'âge. Parce que les américains jonglent avec les styles avec une dextérité peu commune. Parce que The Whole Love est passionnant de bout en bout.

Metronomy "The English Riviera"

Parce que malgré toute l'agaçante hype qui entoure Metronomy, on aime The English Riviera. Parce que "Everything Goes My Way" est devenue notre sonnerie de portable. Parce que Metronomy a ensoleillé notre été. Parce que "The Bay" est une chanson parfaite.

WU LYF "Go Tell Fire To The Mountain"

Parce que dès les premières notes, ça saute aux oreilles : Go Tell Fire To The Mountain a été enregistré avec les tripes. Parce que WU LYF ne fait pas semblant. Parce que leur musique ne ressemble à aucune autre et rien que pour ça on les remercie. Parce qu'on attend la suite avec impatience.

The Horrors "Skying"

Parce qu'on n'aime pas les synthés mais on aime Skying : les chansons doivent vraiment être bonnes. Parce qu'après l'excellent Primary Colors, The Horrors s'impose comme un groupe-caméléon de première catégorie.

Little Dragon "Ritual Union"

Parce que le chant sensuel de Yukimi Nagano. Parce que Ritual Union est la parfaite bande son de nos plaisirs nocturnes. Parce qu'à la surenchère de production souvent de mise, Little Dragon préfère un minimalisme judicieux et efficace.

Liam Finn "Fomo"

Parce que Liam Finn prouve une nouvelle fois qu'il est capable d'envolées pop remarquables. Parce qu'avec une production plus léchée, Fomo met la barre encore plus haut qu'I'll Be Lightning. Parce que Liam Finn s'affranchit enfin de l'ombre pesante d'Elliott Smith qui planait sur son premier album.

François & The Atlas Mountain "E Volo Love"

Parce qu'on veut bien être "les plus beaux". Parce qu'E Volo Love est un voyage paisible et lumineux. Parce que même l'accent anglais à couper au couteau du chanteur ne rompt pas le charme de l'album. Parce que cocorico ! François & The Atlas Mountain signe le plus joli disque français de l'année.

Noel Gallagher "Noel Gallagher's High Flying Birds"

Parce que maintenant on sait lequel des deux frangins a un cerveau (on s'en doutait légèrement). Parce que le match par album interposé met Beady Eye au tapis. Parce que dans le rayon pop, Noel fait preuve d'un savoir-faire qui lui permet de la ramener. Contrairement à d'autres. Parce qu'on avait un peu peur de la suite après le divorce-pugilat d'Oasis, mais l'aîné Gallagher signe un des tous meilleurs albums de 2011.

Connan Mockasin "Forever Dolphin Love"

Parce que Forever Dolphin Love, trip à mi-chemin entre rêve et cauchemar, est l'OVNI de l'année. Parce que l'album est peuplé de sons bizarres, de voix étranges, de riffs hypnotiques qui forment un tout miraculeusement cohérent et magique.

Girls "Father, Son, Holy Ghost"

Parce qu'on est jaloux de leur nom. Parce que Girls parle beaucoup (surtout ?) de filles et on aime les gens logiques. Parce que Girls écrit de splendides chansons, mille-feuilles mélodiques aux sentiments exacerbés. Parce qu'ils nous rendent heureux en chantant leur désarroi.

General Elektriks "Parker Street"

Parce qu'après le succès mérité de l'excellent Good City For Dreamers, la suite est à la hauteur de nos espérances. Parce qu'Hervé Salters est passé maître dans l'art du groove tranquille. Parce qu'au lieu d'opter pour un enchaînement de singles qui lui aurait ouvert les portes des radios, Hervé Salters signe un vrai album, dense et enthousiasmant. Parce qu'on aimerait jouer du clavier comme lui.

Crocodiles "Sleep Forever"

Parce que la noirceur leur va si bien. Parce qu'en provoquant une collision entre shoegaze et pop, Crocodiles a sans doute trouvé sa formule magique. Parce que Sleep Forever est l'album que les Black Rebel Motorcycle Club n'ont pas réussi à enregistrer après Baby 81.

Black Lips "Arabia Mountain"

Parce que d'entrée, on se prend en plein poire "Family Tree", hymne survolté et euphorisant. Parce qu'a priori on ne voyait pas bien le rapport entre les américains excités du ciboulot et Mark Ronson (qui a produit l'album). Le résultat leur donne raison. Parce que même si légèrement assagis (le son lo-fi n'est plus de mise), les Black Lips demeurent de redoutables garage-rockeurs. Parce que même trop long, Arabia Mountain comporte un grand nombre de refrains débiles mais diablement efficaces.

Best Of 2011 (21-40) : LES COUPS DE COEUR

2011-12-27T23:03:00.002+01:00

La Playlist Deezer :

Beirut "The Rip Tide"

Parce qu'on n'avait pas vraiment accroché avec les précédents albums. Parce qu'on a immédiatement été séduit par The Rip Tide. Parce qu'en injectant de la pop dans sa fanfare, Zach Condon a vu juste.

Peter, Bjorn & John "Gimme Some"

Parce que les suédois n'ont jamais sonné aussi sexy. Parce que Peter, Bjorn & John ne se résument pas aux sifflotements de "Young Folks". Parce que Gimme Some est un concentré d'énergie positive.

Raphael Saadiq "Stone Rollin'"

Parce que même si Stone Rollin' n'est pas au niveau de The Way I See It, Raphael Saadiq n'a pas d'égal quand il s'agit de revisiter la soul 60's avec verve et passion.

Alice Lewis "No One Knows We're Here"

Parce que le disque est aussi beau que sa pochette est affreuse. Parce que pour une fois les meilleures chansons sont en fin d'album.

The Antlers "Burst Apart"

Parce que pas forcément convaincu au départ, on a quand même insisté. On a eu raison. Parce que si on se laisse porter par cette musique, elle peut nous emmener très loin. Parce que la pochette est vraiment très belle.

The Strokes "Angles"

Parce qu'on l'a tellement attendu. Parce que même avec le moins bon de leurs 4 albums, les Strokes restent un groupe à part. Parce qu'Angles nous a au moins appris une chose : il est possible d'enregistrer un album sans s'adresser la parole. Parce que même en pleine crise existentielle, les New-Yorkais parviennent à sortir un bon disque. Parce que Julian Casablancas.

Theophilus London "Timez Are Weird These Days"

Parce qu'il n'est pas courant d'entendre des premiers albums de cette trempe. Parce que comme son nom l'indique, Theophilus est New-Yorkais. Parce que Timez Are Weird These Days brasse les styles avec succès (hip-hop, R&B, soul, pop, électro).

The Phoenix Foundation "Buffalo"

Parce que à l'autre bout de la planète aussi on fait de la bonne musique. Parce qu'on traverse ce disque la tête dans les nuages ("Eventually", "Skeleton", "Bailey's Beach", "Wonton").

An Pierle & White Velvet "Hinterland"

Parce que depuis Helium Sunset (2002) on avait un peu perdu de vue la belge qui joue du piano assise sur un gros ballon. Parce qu'on la retrouve au sommet de sa forme.

The Kills "Blood Pressures"

Parce qu'après les sommets de Midnight Boom, Jamie Hince et Alison Mosshart avaient beaucoup à perdre. Sans atteindre l'excellence du précédent album, ils ne déçoivent pas. Parce que leur rock fiévreux et sale est toujours aussi efficace. Parce que les miaulements lascifs d'Alison font toujours autant d'effet. Parce que même un mariage avec Kate Moss n'a pas eu raison du groupe.

The Vaccines "What Did You Expect From The Vaccines ?"

Parce que "Wreckin' Bar (Ra Ra Ra)" et "Post Break-Up Sex" sont justes parfaites. Parce que What Did You Expect From The Vaccines ? (bien trouvé le titre) est l'une des meilleures livraisons rock de l'année.

The Drums "Portamento"

Parce qu'à part "Let's Go Surfing" et 2-3 autres titres, on n'avait pas vraiment compris l'engouement autour du premier album des américains. Parce que cette fois-ci, The Drums met la barre bien plus haut : Portamento est un chouette album.

Gillian Welch "The Harrow & The Harvest"

Parce que Gillian Welsh pourrait nous hypnotiser rien que par le son de sa voix. Parce que depuis les débuts d'Alela Diane on n'avait pas entendu d'album folk de cette envergure.

Nicole Atkins "Mondo Amore"

Parce que dans le rayon "chanteuse à voix qui dépote", Nicole Atkins est notre préférée. Parce que oui, ça manque parfois de retenue, oui, c'est par moment cul-cul, mais les mélodies sont tellement belles qu'on passe outre. Parce que "Hotel Plaster" n'a pas grand chose à envier à la sublime "Video Games" de Lana Del Rey.

My Morning Jacket "Circuital"

Parce que même si Z demeure insurpassable, Circuital est un très bon cru de MMJ. Parce que leur rock atmosphérique hautement inspiré continue de fasciner. Parce que le chant haut perché de Jim James, suspendu en l'air, est la marque de fabrique du groupe. Parce que le nom un poil crâneur de son projet parallèle (Monsters Of Folk) n'est peut-être pas complètement usurpé.

Selah Sue "Selah Sue"

Parce que Selah Sue parvient à insuffler un peu de fraîcheur à un courant ultra balisé ces dernières années (Nneka, Patrice, Ayo). Parce la jeune belge est très convaincante en concert. Parce qu'un featuring de Cee-Lo Green sur son album c'est la classe.

Blood Orange "Coastal Grooves"

Parce que le parti pris d'un groove rugueux et d'arrangements minimalistes s'avère au final judicieux. Parce que "Sutphin Boulevard" est peut-être la chanson la plus cool entendue en 2011.

Cass McCombs "Wit's End"

Parce que "County Line", langoureux à souhait, est LE slow de l'année. Parce que Wit's End est un disque triste qui fait se sentir mieux. Parce que si vous êtes en manque de belles mélodies, ne cherchez plus, vous avez trouvé.

Cults "Cults"

Parce que même enrobé de quelques couches de caramel, la pop bien faite c'est quand même vachement sympa. Parce que même s'il y a encore du chemin pour qu'ils soient cultes, Cults signe un des disques les plus enthousiasmants de l'année, véritable rayon de soleil à l'enthousiasme contagieux.

Timber Timbre "Creep On Creepin' On"

Parce que dans le domaine du folk crépusculaire, Timber Timbre est passé de parfait inconnu à maître incontesté en l'espace de deux ans. Parce que même une fois le choc du précédent album passé, on reste sous le charme de cette musique envoûtante. Parce que Taylor Kirk a vraiment une voix à tomber.

Best Of 2011 (41-60) : LES BELLES REUSSITES

2011-12-27T23:02:00.003+01:00

La Playlist Deezer :

Findlay Brown "Love Will Find You"

Cascadeur "The Human Octopus"

Butcher The Bar "For Each A Future Tethered"

Feist "Metals"

Camille "Ilo Veyou"

Keren Ann "101"

The Dears "Degeneration Street"

Portugal The Man "In The Mountain In The Cloud"

Fruit Bats "Tripper"

Gruff Rhys "Hotel Shampoo"

Alela Diane "Alela Diane & Wild Divine"

Art Brut "Brilliant! Tragic!"

Baxter Dury "Happy Soup"

Jenny And Johnny "I'm Having Fun Now"

The Rapture "In The Grace Of Your Love"

Real Estate "Days"

Piers Faccini "My Wilderness"

Veronica Falls "Veronica Falls"

Jonathan Wilson "Gentle Spirit"

Thurston Moore "Demolished Thoughts"

Best Of 2011 (61-80) : LES BONNES PIOCHES

2011-12-27T23:02:00.001+01:00

La Playlist Deezer :

Cat's Eyes "Cat's Eyes"

dEUS "Keep You Close"

Radiohead "The King Of Limbs"

Parce que "Separator", "Lotus Flower" et "Codex". Parce que même avec une première moitié de disque décevante et un clip risible, Radiohead se maintient au-dessus de la mêlée.

Cold War Kids "Mine Is Yours"

Fleet Foxes "Helplessness Blues"

Hushpuppies "The Bipolar Drift"

Seu Jorge "Músicas Para Churrasco Vol. 1"

The Go! Team "Rolling Blackouts"

Forster The People "Torches"

Clap Your Hands Say Yeah "Hysterical"

Sallie Ford & The Sound Outside "Dirty Radio"

Applause "Where It All Began"

Vandaveer "Dig Down Deep"

Dear Reader "Idealistic Animals"

Funeral Party "The Golden Age Of Knowhere"

Handsome Furs "Sound Kapital"

Jay-Jay Johanson "Spellbound"

Ganglians "Still Living"

Apparat "The Devil's Walk"

Other Lives "Tamer Animals"

Best Of 2011 (81-100) : LES OUTSIDERS

2011-12-27T23:01:00.001+01:00

La Playlist Deezer :

Jean-Louis Murat "Grand Lièvre"

Alex Turner "Submarine"

Mustang "Tabou"

Nneka "Soul Is Heavy"

Guillemots "Walk The River"

Kity, Daisy & Lewis "Smoking In Heaven"

Mamas Gun "The Life And Soul"

Kasabian "Velociraptor!"
Parce que même si Kasabian s'est clairement vu trop beau après le succès de West Ryder Pauper Lunatic Asylum, ce Velociraptor! comporte quelques passages excellents (en tête, "La Fée Verte"). Parce que se ramasser un peu ne peut qu'être bénéfique à la circonférence de leurs crânes. Parce que si Kasabian n'était pas obnubilé par l'idée d'écrire des chansons pour les stades, Velociraptor! pourrait être un très bon album. Las, il est juste correct.

49 Swimming Pools "The Violent Life And Death Of Tim Lester Zimbo"

June & Lula "Sixteen Times"

Jonny "Jonny"

Mademoiselle K "Jouer Dehors"

Oh La La ! "Oh La La !"

Jon Allen "Sweet Defeat"

Jill Scott "The Light Of The Sun"

M83 "Hurry Up, We're Dreaming"

Atlas Sound "Parallax"

Glen Campbell "Ghost On The Canvas"

The Dead Trees "Whatwave"

Tom Waits "Bas As Me"

Best Of 2011 : LES FLOPS

2011-12-27T17:46:00.001+01:00

La Playlist Deezer :

Björk "Biophilia"

Parce que beurk...

Beady Eye "Different Gear Still Speeding"

Parce qu'Oasis sans Noel, maintenant on sait ce que ça donne.

Coldplay "Mylo Xyloyo"

Parce que le groupe de Chris Martin est définitivement passé du côté obscur de la pop. Parce qu'avec cet album, ça devient compliqué de les défendre.

Red Hot Chili Peppers "I'm With You"

Parce que désormais leur musique n'a de hot que le nom.

The Leisure Society "Into The Murky Water"

Parce qu'après leur réjouissant premier album (The Sleeper), on n'imaginait pas la suite aussi insipide.

The Wombats "This Modern Glitch"

Parce qu'il est loin le temps où ils nous faisaient danser sur Joy Division.

Justice "Audio, Video, Disco"

Parce qu'aussi indigeste qu'une choucroute à 9h du matin un lendemain de cuite.

CSS "La Liberacion"

Parce que la pochette hideuse. Parce que ce 3ème album est beaucoup moins bien que le 2ème, qui était lui aussi largement inférieur au pétillant 1er disque des brésiliennes.

Death In Vegas "Trans-Love Energies"

Parce que sept ans d'attente pour ça ?

R.E.M. "Collapse Into Now"

Parce qu'effectivement, il était sans doute temps qu'ils arrêtent.

Blondie "Panic Of Girls"

Parce qu'il n'y a pas grand-chose d'Atomic ici…

Camille (Café De La Danse, 18 Décembre 2011)

2011-12-21T13:10:00.001+01:00

Et si, pour une fois, on commençait par la fin ? Par ce joyeux défilé dans le métro parisien jusqu'au Pont des Arts ? Pas à une surprise près, Camille nous a réservé une ultime pirouette à l'issue d'un concert de haute volée. Se rappelant que six ans plus tôt, lors d'un passage au Café de la Danse, elle avait embarqué son public dans une virée nocturne sur les trottoirs parisiens, elle propose de reconduire l'expérience ce soir. Destination : le Pont des Arts. Chant de troupe : "Na Na Na". Le public - resté quasiment au complet - prend un malin plaisir à suivre la chanteuse dans la rue puis à chanter à tue-tête dans le métro. Arrivée au Pont des Arts, la centaine de privilégiés qui a réussi à suivre la cadence jusqu'au bout réclame un ultime rappel. Camille s'exécute et interprète "La Demeure D'un Ciel" a capella, accompagnée par ses trois musiciens, dans un froid de canard et sous la bruine. En arrière fond la Seine, les lumières parisiennes et la Tour Eiffel illuminée. Cette soirée restera dans les mémoires.

On l'oublierait presque, mais avant cet inattendu épilogue, Camille donna deux heures durant un récital tour à tour touchant et brillant, souvent excellent, parfois génial, constamment original. S'il y a une chose qu'on ne peut lui enlever, c'est son incroyable maîtrise vocale. Elle livre notamment avec "Tout Dit" et "Ilo Veyou" deux performances impressionnantes. La première partie du concert voit Camille interpréter en intégralité Ilo Veyou, son nouveau et très bel opus. "A chaque titre sa mise en scène" semble être sa ligne de conduite. Celle-ci, à la fois sobre et inventive (beaux jeux de lumière, arrangements délicats - dispensés par trois musiciens polyvalents -, tableaux poétiques ou drôles selon la chanson), s'inscrit totalement dans l'esprit de l'album.

A trop rechercher la virtuosité, Music Hole - son précédent disque - nous avait laissé de marbre : Camille avait perdu le chemin des émotions. La chanteuse, jeune maman, a eu la bonne idée pour Ilo Veyou et son nouveau spectacle de revenir à plus de simplicité et de sensibilité. Sa retranscription live offre ainsi une très belle première partie de concert, toute en légèreté et douceur. L'ensemble, très orchestré, donne tout d'abord l'impression que l'interprète fait preuve de retenue. Mais Camille sort progressivement de sa coquille (sur "My Man Is Married But Not To Me" et surtout "La France" où, se transformant en chanteuse de cabaret à l'accent gouailleur, elle fait danser la valse à deux hommes pris au hasard dans le public) pour se laisser gagner à davantage de folie et d'exubérance lors des rappels.

Ceux-ci, entamés tambour battant ("Ta Douleur" suivi de "Paris"), retracent en quelques titres le parcours discographique de la chanteuse. L'album Le Fil est le plus représenté, et l'on redécouvre notamment "Baby Carni Bird" ou la superbe ballade "Pâle Septembre", interprétée au piano par Camille. "Cats And Dogs", un des meilleurs titres de Music Hole, voit la chanteuse donner libre cours à son grain de folie, entre "miaou miaou", "ouaf ouaf", chant survolté, grimaces de circonstance et jeu avec le public ("miaou miaou" à droite, "ouaf ouaf" à gauche et inversement). Le rappel se termine par une performance collective très justement intitulée "Na Na Na" : sur un air répétitif (2 couplets et un refrain) et en utilisant - presque - toutes les consonnes de l'alphabet dans l'ordre (une antisèche géante est projetée sur le rideau blanc en fond de scène), la joyeuse chorale entonne à pleins poumons cette guillerette rengaine de cour de récréation, tentant tant bien que mal de suivre un tempo qui s'accélère à mesure que la chanson avance.

S'en suit une salve d'applaudissements et un second rappel, plus court cette fois-ci où Camille revisite le "Wanna Be Startin' Somethin'" de Michael Jackson. Est-il possible de rendre hommage au King Of Pop avec un violon jouant des pizz, un piano, une contrebasse et une batterie de fortune ? La réponse est oui, et Camille fait mieux que se défendre. S’emparant de la chanson, elle la fait sienne tout en gardant son esprit originel. Une totale réussite où la chanteuse se permet même un intermède humoristique : entre autres pitreries, elle se lance dans un moonwalk pour lequel elle quémande une paire de chaussette dans le public, "parce que sinon ça ne glisse pas assez".

Après un sympathique mais anecdotique duo avec son frère suivi des salutations d'usage, nous avions déjà la tête au chemin du retour. Mais c'est alors que Camille fit une proposition qu'on ne pouvait décemment pas refuser...

Setlist Camille :

01 Aujourd'hui
02 Le Berger
03 L'Etourderie
04 Ilo Veyou
05 She Was
06 Mars Is No Fun
07 Bubble Lady
08 Shower
09 Message
10 La France
11 Allez Allez Allez
12 My Man Is Married But Not To Me
13 Pleasure
14 Wet Boy
15 Le Banquet
16 Tout Dit

Rappel 1

17 Ta Douleur
18 Paris
19 Au Port
20 Baby Carni Bird
21 Piscine
22 Cats And Dogs
23 Pâle Septembre
24 Mon Petit Vieux
25 Na Na Na

Rappel 2

26 Wanna Be Startin' Somethin'

La vidéo du trajet jusqu'au Pont des Arts

La vidéo de "La Demeure D'un Ciel" sur le Pont des Arts

Lire l'article sur Froggy's Delight.

We Love Green J2 (Dimanche 11 septembre 2011)

2011-09-25T22:37:00.001+02:00

Si la journée du samedi marquait le retour de l'été, celle du dimanche fait craindre le pire : nuages et averses sont annoncés tout au long de la journée. C'est d'ailleurs une bonne ondée qui nous cueille en début d'après-midi. Les petits hauts et sandalettes de la veille ont été troqués contre le ciré et les bottes. Au final, les cumulus menaçants défileront toute la journée au-dessus de nos têtes sans qu'une goutte de pluie ne vienne gâcher la fête.

Début des hostilités avec la jeune chanteuse française Soko. Seule à la guitare électrique, elle entonne de sa voix cristalline des mélodies aussi douces que le jus de fruit bio avec lequel on fait le plein de vitamines. Emmitouflée dans un imperméable beige foncé, chapeau de Crocodile Dundee sur la tête, Soko apparaît un poil nerveuse mais déborde d'énergie. Parle plus vite que son ombre entre deux chansons. Bientôt rejointe par un guitariste, passant tantôt derrière la batterie tantôt à la basse et accompagnée d'une boîte à rythme, elle donne dans un folk lo-fi inventif et débridé. Sympathique mais pas transcendant, d'autant plus que la fille au clavier s'applique à chanter faux sur les choeurs.

Place à Piers Faccini. Le plus francophone des anglo-italiens, venu défendre son nouveau disque (My Wilderness, sortie fin septembre), entame seul son concert, voix a capella passée dans un sampleur. Ses deux musiciens viennent ensuite l'entourer. Plusieurs chansons du futur album sont jouées (dont le très bon single "Tribe"). La musique de Piers Faccini oscille en permanence entre canons folk et sonorités africaines, comme en atteste "Your Name No More", reconnue immédiatement par les festivaliers. Après un blues longuet, le chanteur interprète une belle ballade du précédent album "A Home Away From Home". Dans la foulée, on craint que "A Storm Is Gonna Come" ne devienne prophétique. Mais le chanteur nous rassure : "Je joue cette chanson parce que j'ai vu un coin de ciel bleu". Le timbre de voix et les vocalises du chanteur, par ailleurs excellent mélodiste, régalent nos conduits auditifs. On aurait aimé un concert un peu plus long (3/4 d'heure seulement) et une setlist plus complète, mais on s'en contentera.

Qui aurait parié sur une BB Blonde (Belle Belge Blonde) de 22 ans pour susciter tant d'enthousiasme avec un premier disque abouti oscillant entre raggamuffin, soul et folk ? Pas grand monde. Mais en quelques mois, Selah Sue s'est fait un nom. Son disque cartonne et la chanteuse convainc partout où elle passe. Même les non adeptes du genre tombent sous le charme. Aperçue quelques minutes cet été à Werchter, elle nous avait laissé une bonne impression. Confirmation attendue aujourd'hui au jardin de Bagatelle.

Premier élément de réponse : Selah Sue maîtrise la scène sur le bout des ongles. En véritable pile électrique, elle tient son public comme une frontgirl chevronnée. Module son chant à sa guise (débit ultra rapide et saccadé, douceur extrême, puissance vocale digne d'une chanteuse soul, tout y passe). Parcourt la scène crânement, sans s'économiser. La miss n'a pas froid aux yeux et fait corps avec sa musique. Chanson après chanson, elle fait preuve de talent, intensité, et musicalité ("This World", "Peace Of Mind Raggamuffin", le tube sur toutes les lèvres "Raggamuffin" et le bouquet final "Crazy Sufferin Style"). En harmonie avec le public, on kiffe la vibe. Tout serait parfait si d'autres n'avaient pas défriché le terrain auparavant (on pense à Patrice, Nneka voire Duffy).

On le sent, ça se voit : beaucoup de monde est venu voir Metronomy. Le quatuor Londonien, groupe hype du moment et candidat au titre de groupe de l'été, est sur toutes les lèvres. S'ils en sont arrivés là, c'est surtout parce qu'ils ont sorti au printemps un bien bel album (The English Riviera). Rien de révolutionnaire, mais une collection de chansons bien troussées voire emballantes. Alors, Metronomy ? Brillants rats de studio ou vrai groupe live capable de rallier les foules à leur cause ?

"We Broke Free", l'intro d'English Riviera, ouvre le set, suivie de "Love Underlined" qui secoue bien le public. Deux titres de Nights Out ("Back On The Motorway" où le groupe commet l'irréparable en plaçant un solo de sax, puis "Holiday"), le premier album, font retomber la pression. La sombre "She Wants" met en exergue les talents du bassiste, au jeu chaloupé et aux déhanchements stylés. Les nouvelles chansons ajoutent à la rythmique efficace du premier disque une conscience pop bienvenue. Metronomy semble s'être trouvé sur English Riviera.

"Heartbreaker", qui surnageait sur Nights Out, reste une de leurs toutes meilleures compositions et réveille le public. Pendant "The Bay", les anglais touchent du doigt quelque chose de rare : une électro-pop intelligente capable de remuer les foules. Ils n'atteindront ce niveau à aucun autre moment du concert. S'en suit une fin de set décevante : "You Could Easily Have Me", incartade rock limite punk, est certes énergique, mais d'autres le font mieux qu'eux. "Corinne" puis "A Thing For Me" ne soulèvent pas vraiment l'enthousiasme alors que "The Look", single efficace d'English Riviera, sonne bien plate en live.

Malgré les coeurs lumineux sur la poitrine et les bonnes chansons, Metronomy laisse un sentiment mitigé. Leur prestation souffre notamment d'un manque de puissance sonore et les versions des morceaux restent un peu trop sages. Metronomy en concert, c'est comme le Schweppes : sautillant et frais mais pas renversant.

Frais, on doute qu'il le soit, Peter Doherty, lorsqu'il pénètre sur scène sans prévenir. Occupé à échanger nos derniers tickets boissons contre une pinte de cervoise teutonne, on regarde le début de sa prestation de loin. L'anglais surprend tout le monde, roadies y compris, en empoignant sa guitare en avance sur l'horaire. Il ne la lâchera plus une heure durant. Ce concert confirme que le grand échalas britannique reste un cas à part : comment se fait-il que tout seul, à l'arrache, visiblement éméché et livrant des versions parfois approximatives de ses morceaux, il signe le meilleur concert du week-end ?

Libéré de prison quelques semaines auparavant (il avait dû annuler son passage à Solidays fin juin pour cette raison), Peter Doherty livre un récital pendant lequel il passe en revue ses meilleures compositions (période Libertines et Babyshambles y comprise). Dans une setlist où le chanteur semble naviguer à vue trônent quelques perles de Grace / Wastelands, son album solo dont on ne cesse de mesurer la qualité, deux ans après ("Arcady", les sublimes "Lady Don't Fall Backwards" et "Sheepskin Tearaway" - dont l'enchaînement sera le point culminant du set -, "Last Of The English Roses").

Les Libertines ne sont pas oubliés avec "Can't Stand Me Now" où Soko (dans le rôle de Carl Barât pour l'occasion) n'en revient pas de se retrouver sur scène avec Mr. Doherty, et "Music When The Lights Go Out". Mais ce sont les chansons des Babyshambles qui recueillent la majorité des suffrages : "Delivery", "You Talk", "Fuck Forever" et "Albion" (encore avec Soko à l'harmonica). Ultime pirouette : une reprise de "Twist & Shout", puis Peter Doherty tourne les talons, salue, et s'en va.

Ce soir, l'anglais était en mode Jukebox. Pas un grand concert, donc, mais une très bonne prestation où sa voix toujours aussi touchante et ses superbes compositions font la différence. Il est temps désormais pour lui d'écrire un nouvel album, en solo ou avec ses Babyshambles. Après deux ans sans nouveauté à se mettre sous la dent, on attend avec impatience la suite.

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Crédits photos : Marie Guerre.

We Love Green J1 (Samedi 10 septembre 2011)

2011-09-18T15:38:00.000+02:00

Un festival écolo à Paris, ça donne quoi ? La question était sur toutes les lèvres dans la navette amenant les festivaliers vers le parc Bagatelle. Premier élément de réponse, le festivalier type du We Love Green semble être bio et bobo, férocement indé et bien fringué. Bref, malgré la proximité de l'Hippodrome de Longchamp, on n'est pas exactement à Solidays.

Première vue d'ensemble : on proposerait bien au festival de se renommer We Love Beige, ça serait plus raccord avec la couleur dominante du décor. Il est annoncé 6000 festivaliers ce week-end, là encore on est bien loin des mastodontes de fréquentation franciliens qui dépassent chaque année les 100 000 entrées. We Love Green se veut un festival intimiste comme en atteste la petitesse du site (une seule scène). En découle une douceur de vivre et un confort inhabituel pour le festivalier qui peut déambuler en toute décontraction. Pas besoin de jouer des coudes pour se frayer un passage ou encore marcher dix bonnes minutes pour assister au concert suivant. Pour ne rien gâcher, c'est dans un bain de soleil que nous assistons au coup d'envoi de l'aventure We Love Green.

Pas grand chose à dire sur Pilooski, qui termine son DJ Set dans l'indifférence générale. A sa décharge, l'électro au milieu de l'après-midi, ça n'a jamais fait rêver les foules. On profite de la demi-heure de battement avant Connan Mockasin pour faire un tour des stands. On s'attarde sur la bicyclette qui, moyennant quelques coups de pédale, nous permet de recharger notre portable avant de jeter un oeil aux splendides (et instructives) affiches situées juste après l'entrée. On apprend notamment qu'en France, après des siècles de déforestation humaine, la forêt reprend de la place grâce à l'exode rural. Fichtre ! On rentrera moins con ce soir. La suite des clichés fait mal à notre petit coeur écolo, mais on tient bon.

Suite du programme : confection de colliers de fleurs personnalisés, un attractif espace lounge avec coussins moelleux et coin à l'ombre, un bar pas comme les autres (bières hollandaises exceptées, tout est bio), un stand de bouffe pas comme les autres (maîtres mots : bio et végétarien, ça change des kebabs et sandwiches américains), deux mini-géodes en bois dont une abrite une expo photo, des toilettes sèches avec sciure de bois, un stand de crêpes bio,...

L'esprit du festival est bien présent (tout est pensé pour être écolo), mais pas pour tout le monde. Chaque festival a son lot de crétins, on s'attardera ici sur une frange agaçante des festivaliers (pas très green pour le coup) qui jette par terre papiers, emballages et mégots. Un comble. D'autres semblent être venus surtout pour exhiber leurs dernières acquisitions shopping en cet ultime week-end estival.

Pour nous, We Love Green, c'est avant tout une programmation musicale croustillante mais bizarrement répartie : si dimanche offre un consistant plat de résistance (Peter Doherty, Metronomy, Selah Sue, Piers Faccini), le samedi fait plutôt pâle figure. En dehors de Connan Mockasin et des excellents Of Montreal, pas grand chose à se mettre sous la dent pour rassasier notre appétit musical.

En ce week-end d'ouverture de la coupe du monde de rugby, on ne s'étonnera pas de voir les néo-zélandais Connan Mockasin livrer le premier vrai concert de la journée. Leur second disque (Forever Dolphin Love) est dors et déjà une des belles surprises de l'année et on est curieux d'entendre ses perles de pop atmosphérique live. Le chanteur avoue être content d'être en France et remercie chaudement le public de s'être déplacé car "chez nous, personne ne vient nous voir".

L'album est joué en entier, à commencer par l'excellente "Faking Jazz Together" et son riff hypnotique, "Megumi The Milkyway Above", "It's Choade My Dear", ou encore "Forever Dolphin Love", longue et envoûtante plage progressive d'une douceur extrême. Les chansons sont là, le son aussi, mais ça ne fonctionne pas vraiment. La musique de Connan, mystérieuse, sensible, est un oiseau de nuit. En plein jour, la magie du disque tombe un peu à plat. Concert agréable malgré une pointe de déception.

S'en suit un interminable changement de plateau. On se dit d'abord que Superpitcher, prévu à 18h20, est gonflé de prendre autant de temps et va mettre tout le monde à la bourre. Puis on se rend compte que c'est Of Montreal qui effectue ses balances et qu'on ne verra pas le DJ allemand. Le combo funko-psychédélique américain (pas canadien pour un sou) débarque un peu après 19h, bariolés comme à leur habitude, visiblement ready to party. Ça tombe bien, nous aussi.

En trois disques de haute volée (Hissing Fauna, Are You The Destroyer ? (2007), Skeletal Lamping (2008), False Priest (2010)) et après une décennie passée dans l'anonymat, Of Montreal s'est forgé un style immédiatement reconnaissable et une solide réputation : morceaux disco-funk-psyché-rock, chanteur dépressif à la voix de fausset, performances scéniques hautes en couleur.

Les concerts des américains colorés convoquent en général un bestiaire et un cortège de personnages improbables. Le show d'aujourd'hui ne déroge pas à la règle : slam de superheros en collants rouge et noir, combat de catcheurs, jet de dollars dans le public, apparition de cochons sur scène, longue saucisse de ballons de baudruche dépliée dans le public,... Le chanteur Kevin Barnes (très seyant en collants mauves, mocassins rouges et short blanc) et son guitariste en mode Woodstock s'en amusent. On en oublierait presque la musique. Avec une setlist centrée sur Hissing Fauna..., Of Montreal régale et livre une performance enthousiasmante.

Capable d'envolées rock ("Suffer For Fashion", "Coquet Coquette"), les américains excellent lorsqu'ils versent dans une funk sous LSD ("For Our Elegant Caste", "Gronlandic Edit"). Basse souple et ondulante, gimmicks de guitare sautillants, voix haute perchée, claviers psyché : la formule fait mouche presque à chaque coup ("A Sentence Of Sorts In Kongsvinger", "St.Exquisite's Confessions" - qui finit dans une longue jam prog -, "Heimdalsgate Like A Promethean Curse").

Le concert se termine avec un coucher de soleil de toute beauté à gauche de la scène. Et c'est à peu près tout pour ce samedi, puisqu'après quelques minutes (assez pénibles) de DJ Koze, on se résout à rentrer chez nous et faire l'impasse sur Kruder & Dorfmeister. Au final, la première journée aura été fort agréable (soleil, cadre bucolique, rosé bio) mais peu consistante au niveau musical (deux concerts ? C'est un peu court, jeune homme...).

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Crédits photos : Pierre Baubeau.

We Love Green (Samedi 10 & Dimanche 11 Septembre 2011 au Parc de Bagatelle)

2011-09-04T23:13:00.000+02:00

Nouveau-né dans le monde des festivals rock parisiens, We Love Green pointe pour la première fois le bout de son nez à côté des incontournables Solidays, Rock en Seine et la Fête de l'Huma. Si certaines similitudes avec l’événement organisé par Solidarité Sida peuvent être notées (festival militant, défense d'une cause noble (respect de l'environnement) et site du parc de Bagatelle tout proche de celui de Longchamp), We Love Green passe à la vitesse supérieure en matière d'éco-responsabilité.

Comme son nom l'indique, We Love Green se pare de vert et s'engage à réduire l'empreinte écologique du festival, sensibiliser les festivaliers (et les artistes) au respect de l'environnement et innover en matière de développement durable. Vaste programme. Le site du festival nous donne quelques indications quant à la philosophie et la genèse du festival : "We Love Green choisit de promouvoir l'idée du beau, du bon, du bien, du green. Pourquoi se priver d'être plus responsable tout en se faisant plaisir aux yeux et aux oreilles ?". "We Love Green se positionne comme un laboratoire d'innovations en terme environnemental, social et sociétal, met en oeuvre des solutions nouvelles et teste de nouvelles pratiques". "L'éco-conception est LA direction artistique de notre festival."

Côté programmation musicale, du très beau monde va se succéder tout au long du week-end prochain dans le splendide Parc de Bagatelle : le label Because, partenaire de l'événement, se taille la part du lion avec Connan Mockasin, Metronomy, Selah Sue et Soko. Pour le reste, Of Montreal, Piers Faccini et Peter Doherty complètent l'affiche de cette alléchante première édition du We Love Green.

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Solidays J3 (Dimanche 26 Juin 2011)

2011-07-04T20:22:00.053+02:00

Festival couvert pour Froggy's Delight

Après une journée en demi-teinte samedi, nous entamons ce dernier jour de festival par le set enjoué de Fool's Gold. Le collectif distille son afro-pop aux courageux venus braver la canicule. Le concert est à l'image du disque : un concentré de bon humeur, une invitation à la fête et à la danse. Une réussite, donc (en tête "Surprise Hotel", joué en fin de set) même si une programmation en soirée aurait davantage servi leurs intentions.

Changement de style avec Puggy, qui joue sous un Dôme archi-comble. Les petits belges (en vrai un trio anglo-franco-suédois basé en Belgique) ont fait du chemin depuis la sortie de leur second album il y a un an (Something You Might Like). Portés par un très bon bouche-à-oreille, une poignée de singles imparables et des passages radios qui aident bien à mettre du beurre dans les épinards, Puggy semble être à deux doigts du succès. S'ils n'ont pas encore signé d'album intemporel, on doit reconnaître à Something You Might Like de nombreuses qualités.

Loin d'être déstabilisés par l'engouement qu'ils suscitent, les Puggy s'imposent comme des patrons sur la scène de Solidays. Affichant une réelle maîtrise de la scène, le trio offre un show très pro et efficace (même si une deuxième guitare leur serait sûrement bénéfique en live). Si on regrette quelques titres trop lisses et des refrains faciles sans doute adorés par les auditeurs de RTL2, il est évident que Puggy dispose de chansons destinées à emballer les foules : "When You Know", "We Have It Made", "I Do", "You Call Me Up", "Something You Might Like", "Teaser".

Place ensuite à Aloe Blacc, la révélation soul de l'an dernier avec l'irrésistible single "I Need A Dollar" et surtout un album bluffant (Good Things). Mr Blacc sera-t-il un performer à la hauteur de son talent de songwriter ? Si la voix ainsi que le backing band sont parfaits, l'ensemble manque de châleur et Aloe ne parvient pas à emballer l'assistance. Du coup le chanteur en fait même un peu trop et exagère les vocalises avec sa voix. Résultat : Aloe Blacc ne soutient pas la comparaison avec, au hasard, Raphael Saadiq.

Après cette petite déception, IAM se présente sur la scène Paris. Nous sommes en terrain connu, et les marseillais semblent surtout là pour faire plaisir à leur public. Avec leur brio habituel et des titres aussi bons que "L'École Du Micro d'Argent", "Chez Le Mac", "L'Empire Du Côté Obscur" ou "Je Danse Le Mia", IAM atteint aisément son objectif. Bien, et après ? Leur dernier bon album date de 1997...

Sur la scène Bagatelle, Gaëtan Roussel vient présenter son album solo sorti l'an dernier (Ginger) et écoulé à plus de 100 000 exemplaires (le single "Help Myself" est passé par là). La formation est imposante, le son très rock, les riffs efficaces et les chansons plutôt bonnes (comme prévu, "Help Myself" rend le public hystérique). Il manque encore un soupçon de je ne sais quoi pour faire décoller le navire, mais le spectacle est solide et plaisant.

Après Manu Chao en 2009 et -M- l'an dernier, c'est à Moby que revient la charge de clore cette 13ème édition de Solidays. Malgré notre scepticisme, nous lui accordons le bénéfice du doute et espérons qu'ils sera à la hauteur de ses prédécesseurs, maîtres ès-électrification des foules. L'intro suivie du tube "In My Heart" laissent optimiste, mais tout s'écroule progressivement. Malgré une setlist estampillée disques d'or ("In My Heart", "Go", "Why Does My Heart Feel So Bad", "We Are All Made Of Stars", "Bodyrock", "Porcelain", "Natural Blues", "Honey"), le DJ américain peine à convaincre. Appuyé par un groupe robuste (batteur, guitariste, violoniste, clavier et chanteuse/braillarde), le show de Moby dégage pourtant beaucoup d'énergie.

Mais manquent la finesse des arrangements et l'originalité des compositions, c'est-à-dire l'essentiel. Ajouté à cela des prises de parole d'une inanité sans nom entre les morceaux, vous aurez compris que Solidays se boucle en eau de boudin cette année. Nous restons malgré tout jusqu'au bout, sans participer à l'enthousiasme des plus irréductibles (il est d'ailleurs peu surprenant de constater que beaucoup moins de monde est resté pour le dernier concert comparé aux masses impressionnantes des concerts de Manu Chao et -M-). 1h20 de show et puis s'en va. Luc Barruet (président de Solidarité Sida) prend le micro, le public fait semblant de demander un rappel par quelques applaudissements peu appuyés (quiconque a assisté aux concerts de clôture des deux dernières années saisira la différence), puis la sono lance "I Will Survive" de Gloria Gaynor, signal de clôture du festival chaque année.

C'est par cette triste fin que se termine cette 13ème édition de Solidays, qui nous laisse sur notre faim musicalement. Quelques bons concerts mais rien d'ébouriffant, c'est trop peu. A côté de ça, Solidays progresse petit à petit sur l'organisation, notamment au niveau du camping et des WC, où de vrais efforts ont été faits pour le confort des festivaliers. Après Manu Chao, -M- et Moby, quel sera le prochain "M" à clore Solidays 2012 ? Les jeux sont faits, réponse dans 10 mois.

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Solidays J2 (Samedi 25 Juin 2011)

2011-06-29T19:32:00.072+02:00

Festival couvert pour Froggy's Delight

Pour cette deuxième journée ensoleillée à Solidays, nous rentrons tout de suite dans le vif du sujet avec Zone Libre vs Casey & B. James, soit le groupe de l'ex-Noir Désir Serge Teyssot-Gay (guitare). Sympathique, mais rien de très nouveau chez ces Rage Against Machine à la française. Tout l'intérêt réside dans les riffs volcaniques de Mr Serge, qui maltraite les conduits auditifs de festivaliers à peine réveillés. Bonne idée de mélanger les genres, mais les phrasés agressifs et les textes véhéments de Casey & B. James ne sont pas notre tasse de thé, d'où une petite déception à la sortie.

La petite Madjo donne, dans un tout autre style, un très bon concert. On pense entre autres à Yael Naim et Asa. Ses chansons folk-soul et sa belle voix rocailleuse séduisent en ce début d'après-midi. Tantôt feutrées tantôt entraînantes, la franco-sénégalaise possède plusieurs rengaines alléchantes ("Leaving My Heart", "Je Claque Des Doigts", la reprise de "Where Did You Sleep Last Night", "Trapdoor In The Wall") et fait preuve d'aplomb sur scène. Belle découverte.

Nous enchaînons avec les p'tits français qui montent : Quadricolor. Ces jeunes niçois proposent une pop légère et fraîche, teintée d'électro, jouée avec entrain. Très agréable à écouter même si, au stade du premier album, ils ne vont pas révolutionner la planète rock. Il leur manque encore la mélodie qui fait la différence.

Délaissant contre notre gré Shakaponk, nous nous rendons sous le chapiteau César Circus. où le vétéran Charles Bradley donne un superbe récital soul. Un vrai show à l'ancienne, avec un groupe à la hauteur du patron. Même s'il donne parfois dans l'imitation de James Brown, le soulman sexagénaire fait revivre avec ferveur et talent une époque révolue.

Pas le temps de chômer, Moriarty chante ses comptines boisées sous le Dôme. Découverts il y a près de 4 ans avec l'album Gee Whiz But This Is A Lonesome Town et le single fédérateur "Jimmy", le groupe franco-américain s'est un peu fait oublier depuis. Revenus au printemps avec un nouveau disque dans le même esprit mais, il faut dire ce qui est, un peu moins bon (The Missing Room), c'est avec un vrai plaisir que l'on retrouve Moriarty sur scène. Rien n'a changé, ou presque : en rangs serrés derrière une Rosemary tout de rouge vêtue, le groupe joue un folk rugueux et étrange aux mélodies mélancoliques et aériennes. Même si le nouvel album a sa chanson phare (la superbe "Isabella"), "Private Lily" recueille plus de suffrages, sans parler de "Jimmy" sur laquelle le public retient son souffle, offrant au groupe une quiétude toute religieuse.

Déjà programmés l'an dernier sous le même chapiteau, revoilà les français de Syd Matters, lestés d'un cinquième album en demi-teinte (Brotherocean). On affectionne toujours autant ce groupe en live, où il est capable d'envolées planantes d'une douceur absolue autant que de passages fiévreux et puissants. Le set, entamé par "Obstacles" - peut-être leur plus belle chanson -, confirme ce que les albums laissent penser : les chansons récentes ne soutiennent pas la comparaison avec les deux premiers albums. Même si "Hi Life" ou "Wolfmother" font mieux que tenir la route, on ne retrouve pas la même intensité que sur les chansons de A Whisper And A Sigh ou Someday We Will Foresee Obstacles ("Watcher", "Bones", "Stone Man" et, donc, "Obstacles"). Malgré ces quelques passages à vide, le concert reste très bon et Syd Matters prouve qu'ils restent loin devant la meute des poursuivants.

S'en suit un parcours du combattant pour accéder à la scène Paris où se produit Morcheeba. 10 minutes de marche pour traverser le festival et nous retrouvons les anglais en plein "The Sea". Récemment rabibochée avec les frères Godfrey, la chanteuse Skye Edwards éclabousse la scène de sa classe. Il suffit qu'elle chante pour que nous tombions sous le charme. Mais, malgré Skye et des compositions retranscrites à la perfection, le problème reste le même avec Morcheeba : passé quelques titres, on s'ennuie poliment. Les chansons du nouvel album ("Even Though", "Blood Like Lemonade", "Crimson") ne font pas oublier leurs glorieux ancêtres. L'excitation revient sur les standards du groupe ("Otherwise", "Slow Down", "Blindfold", "Rome Wasn't Built In A Day"), qui nous font passer un moment douillet au coin du feu. Nous repartons satisfaits, ayant reçu eu ce que nous attendions. Mais pour le grand frisson, nous repasserons.

Pas grand chose à signaler ensuite. En quête de substances solides puis en goguette au Nova Club, nous ne verrons de la nuit électro que The Shoes (sympa mais pas complètement convaincant), manquant notamment Goose.

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Solidays J1 (Vendredi 24 Juin 2011)

2011-06-29T10:31:00.040+02:00

Festival couvert pour Froggy's Delight

Soleil à tous les étages, jeunes festivaliers bien décidés à festoyer, artistes en tous genres annoncés ce week-end à Longchamp : pas de doute, l'été est bel et bien là.

Solidays investit pour la 13ème année d'affilée l'Hippodrome, avec pour ambition de récolter un maximum de fonds pour la lutte contre le SIDA. Après des éditions 2009 et 2010 très réussies, Solidays sera-t-il à la hauteur cette année ?

Le temps de monter la tente, c'est avec Klaxons que nous démarrons le festival. Les britons ne font pas dans la demi-mesure et déballent unes à unes leurs chansons amphétaminées : "Atlantis To Interzone" en entame, "As Above So Below", "Gravity's Rainbow", "Two Recievers". Les titres de l'excellent Myths Of The Near Future (4 ans déjà !) font mouche dès la première note. Ceux du décevant Surfing The Void (2010) restent plus poussifs, à l'exception de "Venusia" et "Echoes" qui reçoivent les faveurs du public. Mais c'est sans commune mesure avec l'accueil réservé à "Golden Skanks" et "It's Not Over Yet" (qui clôt le set), les deux tubes inclassables des anglais. Rien de nouveau, un son bancal, une setlist inégale, mais beaucoup d'énergie et un concert très rock porté par une poignée de chansons ultra efficaces.

Changement d'ambiance radical avec Katerine sur la grande scène (Paris). Le trublion coupeur de son, passé maître dans l'art du chanteur-énervant-négligé-décalé-gratte-poil-incompris ne convaincra pas ses détracteurs, mais propose un spectacle agréable en cette fin d'après-midi. Passées les inévitables "100% V.I.P" et "Au Louxor" reprises en chœur, Katerine oscille entre rengaines quelconques et bonnes surprises. Au premier rang desquelles trône "La Banane", irrésistible hymne au glandage estival.

Cruel dilemne au soleil couchant : Cold War Kids, Yael Naim et Cascadeur sont programmés en même temps. Tant pis pour les deux dernier cités : priorité au rock. Cold War Kids, revenus au beau milieu de l'hiver avec un album ambitieux mais pas complètement réussi (Mine Is Yours), semblent s'orienter doucement mais sûrement vers la musique pour stade. Pour preuve cet album très léché, aux mélodies grosses comme ça, aux guitares inspirées de The Edge et à l'état d'esprit très Kings Of Leon dernière période. Le tableau semble guère réjouissant, mais quelques pépites émaillant l'album relèvent l'ensemble.

Sur scène, les américains restent fidèles à leurs prestations passées : guitares aiguisées, clavier martelé, voix haute perchée, puissante et séduisante. Le groupe privilégie les morceaux du premier et du dernier album. "We Used To Vacation" et surtout "Hang Me Up To Dry", par qui tout à commencé, sont les temps forts d'un concert solide à défaut d'être enthousiasmant. Cerise sur le gâteau : "Bulldozer", superbe ballade et meilleur titre du groupe depuis belle lurette, interprété en fin de set.

AaRON joue ensuite sur la scène Paris. Juste récompense pour les français, auteurs l'an dernier d'un Birds In The Storm très réussi. Si certains anciens titres sonnent un peu creux ou donnent carrément des boutons ("U-Turn (Lili)"), la plupart se révèlent enthousiasmants ("Ludlow", "Rise", "Inner Streets", "Arm Your Eyes"). Sincèrement heureux de voir autant de monde devant eux, le groupe bichonne son public. Preuve qu'AaRON est sur la bonne voie : il parvient à convaincre malgré ses défauts. Et puis avec "Seeds Of Gold", ils tiennent leur chanson parfaite.

La température monte de quelques degrés sous le Dôme : le public, présent l'an dernier ou averti par le bouche-à-oreilles, attend avec impatience Skip The Use. Les Lillois, précédés par une réputation scénique à faire pâlir de jalousie les Hives (toutes proportions gardées), déboulent sur scène devant un parterre chaud bouillant. Le groupe montre rapidement qu'il est à l'unisson avec son public : frénésie funk, énergie rock bouillonnante, frontman survolté, jeu pied au plancher, rythmiques à faire danser les morts. Les nordistes déploient une énergie incroyable. Ça groove à fond sous le Dôme et les spectateurs font corps, finissant le concert dans un état de liquéfaction avancé. Très touché, le chanteur rend un hommage extrêmement émouvant à un de ses amis décédé du SIDA. Sans conteste LE concert de ce vendredi, voire du week-end.

Le collectif mixte The Go ! Team poursuit dans la même atmosphère avec leur musique fun et enthousiasmante. Au menu : 6 musiciens dont 3 filles, beaucoup d'énergie, une musique débridée et dynamique, des refrains accrocheurs et une bonne humeur communicative. Seul défaut : les chansons sont trop répétitives. Visuellement détonnants, portés par une chanteuse sur ressorts, The Go ! Team ne déçoit pas.

Tout le contraire de Mark Ronson qui, accompagné par son groupe (The Business Intl.) dans un décor à mi-chemin entre les White Stripes et Star Trek, nous fait subir un horrible premier quart d'heure. Sons synthés 80's abhorrés et compositions vides : c'est un bide total. On attend mieux du producteur vedette (Amy Winehouse, Robbie Williams, Kaiser Chiefs et Lily Allen entre autres). La machine se remet doucement en marche et la seconde partie du concert permet de ne pas partir sur une note trop négative ("Valerie", "Oh My God", "Bang Bang Bang"). Hercules & Love Affair ponctue la soirée par un set correct mais décevant. Sympa à voir visuellement (garçons déguisés en filles), mais répétitif et un peu mou.

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Solidays 2011 : petit guide du festivalier indécis

2011-06-10T20:05:00.054+02:00

Solidays, c'est dans deux semaines ! Et cette année, c'est un Festival In Love qui vous attend. Alors que l'ouverture de la période des grands raouts d'été est sur le point d'être décrétée, il est temps pour le festivalier de planifier sa tactique d'approche. Comme chaque année, le festival organisé par Solidarité Sida prend un malin plaisir à ménager le suspense : pas de programmation détaillée avec les horaires avant l'arrivée des festivaliers à l'Hippodrome de Longchamp. Et comme chaque année, les choix vont être cornéliens et les interrogations multiples : Mark Ronson ou Cold War Kids ? Mais il est passé où, Peter Doherty ? Morcheeba ou Moriarty ? C'est laquelle, déjà, ma tente Quechua ? Bumcello ou Fool's Gold ? Acras au restaurant antillais ou feijoada au stand brésilien ? Nuit électro ou dodo ? Quand et-ce qu'il arrête de se toucher avec sa gratte, John Butler ? Une heure d'attente pour la douche du camping ou mode cracra toute la journée ? Et oui, Solidays ça ne s'improvise pas ! Pour vous aider, voici un petit guide du festivalier indécis.

Vendredi 24 Juin :

A ne rater sous aucun prétexte : Cold War Kids, Yael Naim

Allez faire un tour, vous ne serez pas déçus : Hercules And Love Affair, Hocus Pocus, Katerine, Klaxons, Mark Ronson & The Business Intl, Skip The Use, The Go! Team, The Bewitched Hands

Pourquoi pas, en sirotant une bière : AaRON, Discodeine, Irma, Raggasonic, Stupeflip

Peut-être l'an prochain, comme Amy Winehouse à Rock en Seine : Peter Doherty

Samedi 25 Juin :

A ne rater sous aucun prétexte : Charles Bradley, Syd Matters, Morcheeba

Allez faire un tour, vous ne serez pas déçus : Ebony Bones, Israel Vibration, Moriarty, Patrice, Seun Kuti & Egypt 80, Shaka Ponk, The Shoes, Zone Libre vs. Casey & B James

Pourquoi pas, en sirotant une bière : Madjo, Quadricolor

Là, c'est le moment d'aller un chercher un tiboudienne au stand sénégalais des restaurants du monde : John Butler Trio, Keny Arkana

Dimanche 26 Juin :

A ne rater sous aucun prétexte : Aloe Blacc

Allez faire un tour, vous ne serez pas déçus : Bumcello, Fool's Gold, IAM

Pourquoi pas, en sirotant une bière : Cocoon, Gaëtan Roussel, Bernard Lavilliers, Puggy

Il va électriser Solidays en clôture du festival : Moby (OK, elle était facile...)

A dans deux semaines !

Anna Calvi (Le Trianon, 22 Avril 2011)

2011-04-23T17:52:00.124+02:00

Après des prestations remarquées à la Boule Noire en Novembre puis au Nouveau Casino en février, et avant un passage à Rock en Seine fin août, la nouvelle coqueluche pop en provenance d'Albion revient à Paris défendre son orageux premier album au Trianon. Anna Calvi, puisque c'est d'elle dont il s'agit, s'impose chaque jour un peu plus comme le phénomène de ce début d'année 2011. Embarquée dans une tournée marathon qui la conduira jusqu'aux Etats-Unis en mai/juin, elle ne se ménage pas et séduit partout où elle passe. Confirmation attendue ce soir dans une des plus belles salles de la capitale.

C'est dans un silence religieux et les regards entièrement tournés vers elle que la plus italienne des chanteuses anglaises entame "Rider To The Sea". La telecaster gorgée de réverb résonne de toutes parts, les notes s'étirent, restent suspendues en l'air avant de se lancer dans une périlleuse cavalcade. La guitariste affiche une concentration extrême. La salle retient son souffle.

Le public est suspendu au moindre faits et gestes de la chanteuse et marque un calme respectueux pendant les morceaux. Tenue stricte et sombre, regard noir de tueuse, lèvres rouges éclatantes, talons aiguilles vertigineux, cheveux tirés en chignon : Anna Calvi réconcilie le rock et la tauromachie.

Acclimatation du début de concert, attentes trop élevées ou arrangements un peu légers ? Quoi qu'il en soit, les titres suivants, bien que très beau, ne s'avèrent pas complètement satisfaisants : sur "No More Words", malgré la contribution du batteur au chant, on ne retrouve pas le charme des vocalises à la fin du morceau, alors que "Blackout", si puissante sur disque, se révèle un tantinet décevante. Passées ces légères critiques, difficile de reprocher quoi que ce soit à la jeune anglaise tant la suite du concert s'avère musicalement irréprochable et chargée d'émotions.

"I'll Be Your Man", "First We Kiss", "Surrender" (la courte reprise d'Elvis) - toutes en délicatesse et sensualité mais traversées par des tempêtes soudaines - et plus encore l'immense "Suzanne & I" font vibrer intensément un public totalement acquis à la cause de la chanteuse. Laquelle reçoit, visiblement gênée, une standing ovation après "Desire". L'enthousiasme et l'attente énorme autour de sa tournée semble être encore tout nouveau pour elle.

Sur scène, Anna Calvi se révèle extrêmement expressive, faisant corps avec son chant et sa guitare. Cette fille a du chien et fait preuve de caractère. Il est curieux de noter le contraste saisissant entre la maîtrise qu'elle dégage, le cran dont elle fait preuve durant ses morceaux et la douceur, la timidité de ses prises de parole et remerciements.

Autre moment fort du set, "Love Won't Be Leaving" voit la chanteuse, déconcentrée par un public bienveillant, se détendre un peu et rigoler avant d'entamer le morceau. Cris, solo ravageur, coups de médiator rageurs, chant à gorge déployée (l'anatomie buccale de Melle Calvi n'a plus de secret pour les spectateurs à la sortie de la salle) : frissons garantis et, contrairement à "Blackout" ou "Desire", la version live surpasse celle, déjà excellente, du disque.

C'est un finish haletant que nous réserve Anna Calvi à partir de ce "Love Won't Be Leaving" épique. En rappel, l'envoûtante "The Devil" permet d'admirer le jeu de guitare de l'anglaise, qui multiplie les bend et arpèges vallonnés inspirés de la harpe. Après un "Jezebel" incroyable de puissance, le groupe se retire en coulisses sous les applaudissements appuyés et sincères de la salle.

La chanteuse revient seule interpréter "Joan Of Arc" (reprise de Leonard Cohen) dans une version instrumentale magnifique, d'une grande tendresse et ponctuée de quelques "La la la" au chant. Le concert finit comme il a commencé, dans un silence de cathédrale emprunt d'un profond respect. Dix minutes d'applauses appuyées font espérer un retour de la lady sur scène, mais les roadies coupent court au suspense : c'était tout pour ce soir. Une heure seulement certes, mais d'une intensité telle qu'on ne peut faire la fine bouche.

Ceci dit, une orchestration un peu plus conséquente (ajout d'une basse, davantage de choeurs) aurait sans doute encore mieux retranscrit le souffle épique du disque et la puissance des morceaux. Seulement accompagnée d'un batteur et d'une multi-instrumentiste (percussions, harmonium, guitare, choeurs), la musique d'Anna Calvi a manqué de coffre à quelques moments. Du coup les chansons les plus évidentes du disque ne sont pas forcément les plus palpitantes du show : "Blackout" ou "Desire" par exemple laissent un peu sur notre faim.

D'une irréprochable élégance, totalement investie dans son art, on ne pourra toutefois pas reprocher à Anna Clavi de ne pas chanter avec ses tripes. Sa musique tout en contraste, à mi-chemin entre un rock incandescent et le chant lyrique, son jeu de guitare particulier et sa voix tonitruante font de son univers musical un havre de fraîcheur salutaire et captivant.

Vous pouvez voir le concert en intégralité sur le site internet d'Arte :

Setlist Anna Calvi : 01 Rider To The Sea, 02 No More Words, 03 Blackout, 04 I'll Be Your Man, 05 First We Kiss, 06 Surrender (Elvis Presley Cover), 07 Suzanne & I, 08 Morning Light, 09 Desire, 10 Love Won't Be Leaving / Rappel / 11 The Devil, 12 Jezebel (Edith Piaf Cover) / Rappel 2 /13 Joan Of Arc (Leonard Cohen Cover)

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Villagers + The Rodeo (La Maroquinerie, 11 Avril 2011)

2011-04-17T20:05:00.021+02:00

Disque tourmenté, Becoming A Jackal (premier album de Villagers sorti au printemps 2010) cache sous des aspects peu commodes un puits mélodique et un songwriting d'une précision absolue. On le supputait, mais nous avons eu la confirmation en live : le groupe irlandais possède en Conor J. O'Brien un leader fascinant.

Dorothée, la chanteuse de The Rodeo, se charge de la première partie, guitare acoustique en bandoulière. Compositions soyeuses, chant classieux aux intonations proches d'Alela Diane(cette façon d'arrondir les fins de phrase...) : la chanteuse a des arguments à faire valoir. Elle parvient d'ailleurs sans trop de problèmes à charmer l'assemblée. Détendue (en apparence du moins) et toute contente d'être là, elle avoue elle-même qu'elle comptait être spectatrice ce soir avant d'apprendre qu'elle assurerait la première partie. En apercevant Renan Luce dans la salle à la fin du concert, on se félicite que les rôles n'aient pas été échangés.

Est-ce le cadre plus confidentiel de La Maroquinerie ? Une pression moindre ? Les bénéfices d'un an de tournée ? Toujours est-il que déjà vu sur scène et en duo l'an dernier (avant le pénible concert de Stereophonics à l'Olympia), The Rodeo séduit davantage en solo. Outre les chansons phares de son album Music Maelström ("Little Soldier", "On The Rodeo", "Love Is Not On The Corner", "My Ode To You"), la chanteuse offre une insolite reprise du tube 80's deCulture Club "Do You Really Want To Hurt Me". D'un titre kitsch à souhait, Dorothée parvient à tirer une séduisante complainte. Sans être révolutionnaire, la musique de The Rodeo s'écoute avec un réel plaisir.

Sans ses comparses, Conor J. O'Brien entame le concert de Villagers par un chant a capella qui se mue en splendide ballade ("Cecilia & Her Selfhood", aux airs de chanson traditionnelle irlandaise). Le chanteur à la tête de hibou mal réveillé est rejoint par ses musiciens pour l'émouvante "The Meaning Of The Ritual". Alors que le morceau finit quelque peu en queue de poisson sur le disque, la version live propose un final musclé : cris, guitares saturées, cymbales retentissantes.

Même si Conor J. O'Brien est omniprésent, Villagers est plus qu'une collection de musiciens au service d'un songwriter : c'est un vrai groupe. L'alchimie semble parfaite et tout le monde se fond dans les chansons, chacun ajoutant sa petite touche. Le bassiste - et son jeu de tête singeant le paon sous antalgiques - semble littéralement absorbé par la musique. L'ambiance oscille entre une concentration et application extrême, une douce mélancolie, et des libérations d'énergie soudaines. La prestation est plus rock que ce que laisse imaginer le disque, plusieurs chansons étant de longues montées en intensité jusqu'à un impétueux final.

On devine chez Conor J. O'Brien une personnalité forte. A première vue, caché derrière sa petite guitare acoustique, le petit irlandais ne paie pas de mine. Mais transparaissent surtout ses talents de chanteur et de compositeur, ainsi que ses sympathiques tentatives de dialogue en français, sa simplicité et l'ostensible complicité qui le lie avec ses musiciens. Alternant titres en formation complète (cinq musiciens) et en solo, Villagers fait merveille avec son folk rock bucolique, conçu intelligemment et interprété avec ferveur. Parmi une setlist irréprochable, citons l'intense "Pieces" et son déchirant refrain, "I Saw The Dead" (au piano), "Ship Of Promises" toute en tension avec sa rythmique millimétrée et "The Meaning Of The Ritual" comme les cerises sur le délicieux gâteau servi ce soir à La Maroquinerie.

Setlist Villagers : 01 Cecilia & Her Selfhood, 02 The Meaning Of The Ritual, 03 Home, 04The Bell, 05 Becoming A Jackal, 06 Pieces, 07 I Saw The Dead, 08 Set The Tigers Free, 09 To Be Counted Among Men, 10 27 Strangers, 11 The Pact ("I'll Be Your Fever"), 12 Down, Under The Sea, 13 Ship Of Promises / Rappel / 14 Memoir, 15 In A New Found Land, You Are Free, 16 On A Sunlit Stage

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Crédits photos : Claude Brun.

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The Jim Jones Revue + The BellRays + The Legendary Tigerman (Festival Cool Soul Night, Bataclan, 8 Avril 2011)

2011-04-09T09:40:00.142+02:00

Saluons l'excellente initiative du Cool Soul Festival de regrouper dans un même lieu trois des fers de lance du rock actuel, adeptes d'une musique binaire, bruyante, sale et musclée : The Legendray Tigerman, The BellRays et The Jim Jones Revue. Autre très bonne idée : deux petites scènes ont été installées de part et d'autre du bar, sur lesquelles se produiront avant chaque tête d'affiche des groupes parfaitement dans le ton de la soirée. La soirée jongle ainsi sans temps morts entre hommes-orchestres, formations réduites à la ferveur contagieuse et machines de guerre.

Le groupe Cool Kleps se charge d'ouvrir la soirée de bonne heure (18H30) et devant un public parsemé. Le trio (guitare/chant, clavier, batterie), à l'étroit sur la petite scène, sert un rock bien troussé et entraînant. Entre compositions et reprises, nous retiendrons particulièrement le medley "I Wanna Be Your Dog / Gloria". L'esprit rock est là, l'envie aussi : la soirée débute sous les meilleures auspices.

Pas le temps de souffler : dès la fin de leur prestation, la foule se dirige vers la scène principale où The Legendary Tigerman (a.k.a. Paulo Furtado, leader du groupe portugais Wraygunn) fait son entrée. La soirée se poursuivra sur ce rythme effréné jusqu'à son terme (concerts frénétiques, aucune trêve). Comment le chanteur compte-t-il retranscrire sur scène Femina, son très recommandable disque de duos au casting féminin ? Très simple : films projetés en fond de scène, présence par intermittence de la chanteuse Rita Redshoes et titres inédits.

"Life Ain't Enough For You" entame les hostilités. Le titre d'ouverture de l'album, enregistré avec Asia Argento, condense tous les ingrédients qui font le charme du disque, à commencer par la tension sexuelle. Projetée en noir et blanc sur l'écran géant, Asia minaude, se mord les lèvres, se passe la main dans les cheveux, sourit. Nous sommes à deux doigts de le prendre personnellement. "Fever", avec Rita Redshoes présente physiquement aux côtés de Paulo Furtado, confirme les accointances du projet avec l'univers des Kills. La musique du légendaire homme tigre oscille habilement entre saleté et sensualité.

Converti pour les besoins de son projet en homme-orchestre, Paulo Furtado squatte la batterie où il tambourine sur la grosse caisse à droite et la caisse claire à gauche, tout en ciselant consciencieusement ses riffs écorchés. Vêtu d'un costard noir et de lunettes fumées, il alterne le chaud et le froid dans les 3 micros fixés devant lui (dont un qu'il prend un malin plaisir à aspirer à pleine bouche).

"Light Me Up Twice", "& Then Came The Pain" et "Radio & TV Blues", chansons sacrément efficaces, secouent le public qui n'attend que ça. Au contraire de "Hey, Sister Ray", dont le principal attrait est de revoir la combinaison bleue de la chanteuse Rita Redshoes. "The Saddest Thing To Say", un des meilleurs titres du disque voit en toute logique Lisa Kekaula, chanteuse des Bellrays, se placer derrière le micro (elle chante également le morceau sur le disque). En deux secondes, elle dynamite tout. Cette femme a de l'or dans la voix. "Naked Blues" et son clip bien allumé puis "Big Black Boat" ponctuent un très bon set. Seul regret : pas de "These Boots Are Made For Walking", excellente reprise du titre de Nancy Sinatra.

Les lumières à peine rallumées, Restavrant entame son show à la gauche du bar. Regardant distraitement leur prestation au début, nous finissons au premier rang, plus que concernés. Batterie en récup' composée de caisses en bois et d'une cymbale en plaques immatriculation, guitare acoustique rafistolée de scotch : le curieux duo américain étonne et ne tarde pas à emballer le public. Leur blues joué pied au plancher (c'est peu de le dire) et avec un réel sens du spectacle provoque une agglutination du public autour de la minuscule scène.

Dans des conditions pas évidentes, le duo produit un excellent show tout en sueur et en énergie contagieuse. Le public est à bloc, le groupe joue tout à fond. On doute qu'ils puissent tenir 1h30 à ce rythme-là, mais cette 1/2 heure à haute teneur rock et particulièrement réjouissante s'avère être une belle surprise.

Les choses sérieuses se précisent avec la montée des BellRays sur scène. Ambassadeurs d'un rock robuste aux influences aussi punk que soul, les américains à l'excellente réputation scénique construite une décennie durant ne tardent pas à combler nos attentes. Proposant une entame de concert dévastatrice (cinq morceaux à fond les manettes), les Bellrays mettent tout de suite les choses au point. Les pogos se forment instantanément dans la fosse.

Lisa Kekaula rayonne en Tina Turner du troisième millénaire. Sa voix incroyable élève les compositions du groupe et transcende les spectateurs. Bob Vennum enfile avec une insolente aisance le costume de machine à riffs, distillant pendant près d'une heure des rafales punk bien senties.

"Anymore", très belle ballade soul, propose un moment de quiétude bienvenu. D'autant que le groupe repart de plus belle juste après. La jubilatoire "Everybody Get Up", pendant laquelle la chanteuse atterrit dans la fosse, est un des moments forts du set. Le titre rend le public dingue. La similitude avec AC/DC n'y est sans doute pas pour rien. Autre moment de douceur, "It's All Over Now" rappelle que le groupe excelle dans ce style (on se souvient notamment de "Footprints On Water" et "Wedding Bells", moments de grâce sur le précédent album de 2008, Hard, Sweet & Sticky). La mastodonte chanson titre, "Black Lightning", provoque logiquement moult remous dans la fosse : la puissance du groupe est fascinante.

Proposant une setlist centrée sur les deux derniers (et très bons) albums, The Bellrays impressionne par la maîtrise totale de son sujet. Chapeau.

On prête ensuite moins d'attention à Scott H. Biram qui occupe seul une des petites scènes. Le chanteur se défend bien mais son set plus convenu (et plus country) ne nous emballe pas outre mesure. Tout le contraire des Jim Jones Revue qui, avec leurs gueules de petites frappes et leur rock originel gonflé aux hormones, ponctuent de la plus belle des manières une soirée en tous points réussie.

Carburant à l'énergie brute, les cinq londoniens mènent à bien leur entreprise de démolition. La musique des Jim Jones Revue ressemble à une jam endiablée entre Jerry Lee Lewis et les MC5. Bref, ça sent l'alcool, le souffre et la sueur. Le public se régale et les fous furieux s'en donnent à coeur joie dans la fosse. Cerise sur le gâteau, le Bataclan a droit à un final ébouriffant qui voit tous les acteurs de la soirée (Bellrays et Paulo Furtado en tête) se joindre au gang anglais pour une dernière chanson enfiévrée. Jim Jones savoure, prête sa guitare à Bob Vennum et laisse Lisa Kekaula tenir le devant de la scène. Bien aidé par des musiciens solides et charismatiques, le leader régale le public de sa présence et son énergie.

Après The Bellrays, les Jim Jones Revue montrent eux aussi tout leur talent et leur savoir-faire pour électriser les foules. Deux machines de guerre et une vraie soirée rock sans chichis : que demande le peuple ?

Festival ni cool ni soul mais sacrément rock, six super groupes, des pointures qui justifient leur réputation : c'était rock à tous les étages ce soir au Bataclan. Bilan : quatre heures de musique non stop et d'excellents concerts. On en redemande.

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Crédits photos : Nicolas Demarty

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Anna Calvi "Anna Calvi"

2011-03-28T18:58:00.011+02:00

Calvi, Calvi... Ne tentons pas de jeu de mots. Trop risqué. C'est du sérieux, Anna Calvi. Au moment où vous lisez ces lignes, vous frôlez sûrement l'overdose de superlatifs concernant la demoiselle. Faîtes-vous une raison, cette affaire est bien partie pour durer...

Calvi par-ci, Calvi par-là, la miss est encensée partout, a fait la couverture de presque tous les magasines musicaux et est adoubée telle une future reine. On la compare déjà à Jeff Buckley, Patti Smith, PJ Harvey. Le tout à seulement 22 ans. Nous avouons donc avoir un peu la pression à la première écoute (et si nous n'aimions pas ?). D'un naturel méfiant, nous avons bien tenté de résister à cette énième vague hype. Mais nous avons été emportés par la tornade lyrique qu'est le premier album de l'anglaise.

Nous entrons dans le disque comme dans un songe ("Rider To The Sea", splendide instrumental inaugural aux envolées guitaristiques qui ne sont pas sans rappeler un certain Jeff Buckley) pour n'en ressortir que dix chansons plus tard. Après cette vaporeuse mise en bouche, place à la trilogie enchanteresse ("No More Words", "Desire" et "Suzanne & I"). "No More Words", toute en retenue, distille une ambiance feutrée et exhale le romantisme (le vrai, qui prend aux tripes, pas celui en toc vomi à longueur de journée sur les ondes). "Desire", exaltée et épique, fait irrémédiablement penser aux glorieuses aînées Patti Smith, Siouxsie et Chrissie Hynde. "Suzanne & I", parcourue par une rythmique rebondissante où le batteur maltraite sa caisse claire, convoque à la fois le feu et la glace.

En quatre titres éblouissants, l'affaire est pliée, la magie opère. La barre est placée très haut, mais la suite n'est pas en reste. A commencer par "Blackout", chanson absolument parfaite. Florence & The Machine et Nicole Atkins ne sont pas bien loin. Les titres oscillent entre beauté pure et traversées de démons ("First We Kiss", "I'll Be Your Man", "The Devil"). "Love Won't Be Leaving" conclut le disque sur une note optimiste.

Lyrisme échevelé, chant fiévreux, sens de l'interprétation rare, superbe pochette, joli minois et regard de braise : Anna Calvi dispose d'une puissance de séduction peu commune. La chanteuse fait des merveilles avec trois fois rien, les arrangements étant cantonnés au strict minimum. Elle frappe un grand coup avec ce premier effort qui, bien que contemplatif, n'accuse paradoxalement presque aucun temps mort : tension à chaque recoin, captivant du début à la fin. Pour Anna Calvi, future grande, le plus dur reste à venir : confirmer. Mais quoi qu'il advienne, on n'oubliera pas ces débuts grandioses.

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Oh La La ! (Nouveau Casino, 23 Mars 2011)

2011-03-26T09:52:00.083+01:00

Après plusieurs années de disette post-A.S. Dragon, Natasha remonte ce soir sur scène avec son nouveau combo, Oh La La ! pour un premier concert parisien au Nouveau Casino.

Ce sont les petits jeunes d'Air Bag One qui sont chargés de lancer la soirée. Dans un style qui rappelle en vrac Adam Kesher, Phoenix et Two Door Cinema Club, ils s’acquittent brillamment de leur mission. Très belle voix, musique dynamique et efficace, beaucoup de bonnes idées, de l'entrain, un côté hédoniste plaisant. Mais leurs titres, un peu trop touffus, gagneraient à être plus concis. Surtout, il manque encore la mélodie qui met tout le monde d'accord. Reste que ce concert bien maîtrisé (on sait combien les premières parties peuvent être casse-gueule) gagne en qualité au fur et à mesure des morceaux. Le trio aux cheveux parfaitement décoiffés (guitare / synthé / batterie, aidé de bandes pré-enregistrées de basse et synthé) nous offre même une antépénultième chanson aux airs de tube.

Lors de l'entracte, quelques minutes après Clément (son guitariste) on voit Natasha surgir des coulisses, fendre la foule setlist en main, visiblement nerveuse. Plutôt bon signe. C'est un Monsieur Loyal adepte du mauvais goût assumé (chaque phrase est entrecoupée par un "bande de fils de putes" ou un rôt, au choix) qui introduit Oh La La ! par une tirade Bukowskienne truculente à défaut d'être tordante.

Le groupe entame par "Nu Dans Ton Jean" et son refrain aussi étrange qu'efficace ("Qui est-il ? C'est elle. Qui est-elle ? C'est il."). "Goodbye Superman" et "Relax" (à des années lumières de Mika), deux des meilleurs titres de l'album, posent les bases du concert : tendus et énergiques. On sent pourtant le groupe (contrairement à ce qui était annoncé, le trio est accompagné d'une bassiste sur la majorité des titres) pas encore libéré, pas complètement à l'aise. Natasha râle contre son micro cassé, il y a peu d'interaction avec un public bien mollasson, les titres sont fidèles et interprétés avec enthousiasme, mais le groupe reste un poil sage.

Et puis sur "Carmen" et "Really Nothing" - pourtant loin d'être nos extraits préférés -, ça y est : la bête est lâchée. Profitant d'un instrumental électro, Natasha se lance dans une danse lascive et le public se retrouve captivé. La reprise sauvage du "It's Like That" de Run DMC (curieuse mais réussie) enfonce le clou. Ces trois décharges électriques successives ont remis le concert sur de bons rails.

"Tomorrow" et "Not In The Mood" font retomber la tension et explorent le versant pop d'Oh La La !. Natasha, posant telle une féline sur l'enceinte de retour, s'invente en Catwoman. On adhère. "Un Poing C'est Tout" donne à voir un étrange happening : tenu en laisse par la chanteuse et vêtu d'une combinaison sado maso, le Monsieur Loyal du début fait son show à quatre pattes sur la scène, maltraité par sa maîtresse qui poursuit son couplet l'air de rien.

"Oser" reste le meilleur moment du set : avec ce morceau, Oh La La ! a sans doute trouvé la bonne formule. Natasha se lance dans un bref slam vite écourté devant le peu de réaction des spectateurs. Le public n'est clairement pas à la hauteur du show. Comme un signe, le "O" de l'écriteau Oh La La ! se casse la gueule en fond de scène. Le guitariste essaie tant bien que mal de réveiller un public amorphe en le piquant au vif, mais rien n'y fait.

Un "Paris Ne T'Aime Pas" tonitruant conclut le set. La chanteuse tente un deuxième slam plus réussi et enchaîne sur le refrain sans transition. Le groupe revient après un rapide rappel (on a connu fosse plus bruyante) pour interpréter "Rendez-Vous Avec Un Salop", pièce maîtresse du disque. "Est-ce que c'est mieux avec une salope ?" lance Natasha, sûre de son effet.

Ce concert était manifestement important pour le groupe, qui l'a, on le sent, un peu mauvaise. La faute à une assistance bizarrement apathique (peut-être l'album est-il sorti trop récemment ?). Le groupe, pas encore totalement rôdé, a tout de même livré une prestation solide et prouvé qu'il avait les épaules et les chansons pour enfiévrer une fosse. Confirmation attendue devant un parterre plus remuant.

Setlist Oh La La ! : 01 Nu Dans Ton Jean, 02 Goodbye Superman, 03 Relax, 04 Carmen, 05 Really Nothing, 06 It's Like That (Run DMC), 07 Tomorrow, 08 Not In The Mood, 09 Un Poing C'est Tout, 10 Oser, 11 Paris Ne T'Aime Pas / Rappel / 12 Rendez-Vous Avec Un Salop

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Crédits photos : Nicolas Demarty.

Interview Oh La La ! - extraits - (Hotel Amour, Paris, 16 Mars 2011)

2011-03-17T11:21:00.056+01:00

Interview réalisée pour Froggy's Delight.

C'est à l'hotel Amour, situé à deux pas de la place Pigalle qu'Oh La La ! se prête au jeu de l'interview pour Froggy's Delight. Leur premier album plutôt bien reçu dans la presse spécialisée, le moment est maintenant venu d'aller le défendre sur la route.

Natasha (chant), Antoine (batterie) et Clément (guitare) répondent à nos question. Natasha se met tout d'abord en retrait. Elle laisse la parole à Clément et surtout Antoine, appuyant ou précisant régulièrement les réponses de ses acolytes. Le message est passé : Oh La La ! est un vrai groupe et non le nouveau projet solo de l'ex-chanteuse d'A.S. Dragon.

Le trio fonctionne de manière démocratique, sans se prendre la tête, et on sent que c'est important pour les trois musiciens. On essaie bien de titiller Natasha sur le contraste avec son précédent combo, mais on la sent un peu réticente à l'idée d'évoquer A.S. Dragon, donc on n'insiste pas.

Tout d'abord, comment en êtes-vous venus à travailler avec Benjamin Lebeau, qui a réalisé l'album ?

Antoine : Benjamin a effectivement réalisé l'album mais a aussi composé des titres.

Natasha : On se connaît depuis un petit moment. Antoine était batteur du groupe The Film, dans lequel Benjamin jouait aussi

Antoine : On s'est rencontrés sur une date en tournée où on jouait avec A.S. Dragon. Le contact s'est fait comme ça et c'est parti tout de suite derrière.

Du coup au moment de passer à Oh La La !, vous avez pensé à lui ?

Natasha : En fait, Oh La La ! ça s'est fait comme ça, entre nous.

Antoine : Ça s'est fait naturellement.

Clément : Natasha avait des idées, des ébauches de morceaux, Benjamin a retravaillé dessus, a mis son nez dedans. Ça s'est fait rapidement et c'est venu très naturellement.

C'est Natasha et Benjamin qui ont écrit tout l'album ou tout le monde a participé ?

Antoine : Clément et moi avons participé aux arrangements, on a aussi composé des titres ensemble. Comme on est une bande de potes, il s'est trouvé qu'on était là en même temps à faire les morceaux. Encore une fois ça s'est fait très naturellement. Il se trouve qu'on était là le soir où ils bossaient, et puis on s'est rajoutés, on a pris nos instruments, chacun de notre côté on cherchait aussi des idées.

Clément : On a fait notre truc entre potes...

Natasha : Voilà, c'était un vrai travail collectif.

Antoine : C'était vraiment agréable du coup.

Du coup c'est le jour et la nuit comparé avec la façon dont s'est formé A.S. Dragon ? Et j'imagine que ce n'est pas du tout la même façon de travailler ?

Natasha : Non, pour le coup c'est carrément différent. Mais je ne vais pas parler de la façon de travailler d'A.S. Dragon maintenant...

Le fait d'être un trio c'est quelque chose que vous vouliez ou ça s'est imposé de lui-même ?

Natasha : Ça s'est imposé de soi. On a fait plusieurs essais pas complètement concluants.

Antoine : On avait auparavant des formations où on était vraiment en groupe.

Natasha : On était cinq...

Antoine : On avait guitare, clavier, basse, batterie, chant. Du coup on est revenus sur une formule un peu plus étroite en rajoutant des machines et des séquences sur scène pour retranscrire le côté un peu électro du disque.

Natasha : En studio, chacun jouant de plusieurs instruments, tout le monde a un peu tout fait. Par exemple il n'y avait pas un bassiste attitré : Antoine, Clément ou moi avons à un moment joué des parties de basse. C'était la personne présente au moment où on enregistrait la partie qui jouait.

Antoine : C'est exactement la même façon de travailler que pour la composition des morceaux.

Natasha : C'est du bidouillage, c'est comme des chaises musicales.

Pas de place attirée et tout le monde participe à tous les niveaux.

Natasha : Voilà, c'est ça.

Et donc pas de musicien supplémentaire en live.

Natasha : Non, on reste en trio.

Antoine : On retranscrit les morceaux à trois avec des séquences que moi j'envoie à la batterie. On se pose par-dessus, Clément à la guitare, Natasha au chant et à la basse sur quelques titres. On essaie de faire quelque chose d'assez électro sur plusieurs morceaux, d'où les séquences avec des claviers et des basses dessus. Mais on essaie de les faire oublier le plus possible.

Avec The Film vous étiez quatre...

Antoine : Quatre la plupart du temps, parfois trois.

Et cinq avec A.S. Dragon. Le fait de passer à un trio rend les choses différentes sur scène, non ? Ça vous amène à occuper davantage de place ?

Antoine : Non, pas forcément, ça ne change pas vraiment grand chose.

Clément : Notre musique s'y prête, elle est très directe et épurée..

Natasha : Il y a une énergie assez brute.

Clément : On n'a pas besoin de faire des nappes de cordes ou des trucs de ce genre, c'est vraiment dans l'énergie.

Les morceaux plus pop de l'album, vous les durcissez un peu en live ?

Antoine : C'est possible qu'ils soient un peu plus durs, oui.

Natasha : Sans doute. C'est plus rock sur scène que sur disque.

Clément : On a de l'énergie à revendre, et puis en arrivant sur scène on a envie de s'amuser. Comme on s'amuse plus quand c'est fort...

Sur le disque il y a un duo avec Katerine ("Un Poing C'est Tout"), comment est venue l'idée du morceau ?

Antoine : C'est Katerine qui l'a apporté...

Natasha : Il a apporté le texte, et nous avons fait la musique. Je lui avais laissé carte blanche... Et c'est du pur Katerine.

Antoine : Il est assez fun à jouer.

Natasha : Sur la démo, Benjamin avait marqué "tube" pour ce morceau, il devait penser au côlon...

Antoine : Ou l'intestin grêle... Mais ça s'arrête avant normalement...

Avez-vous eu des difficultés pour trouver une maison de disque ? C'est le problème de pas mal de groupes en ce moment...

Natasha : Non, ça n'a pas été facile.
Antoine : C'est le problème de beaucoup de groupes effectivement.

Natasha : De toute façon maintenant les maisons de disques ne veulent plus de projet en chantier, ils veulent un produit quasi fini. Nous on y est peut-être allés un peu tôt donc on a perdu du temps. On aurait dû y aller à la toute fin du processus.

Clément : Maintenant ça se passe comme ça, tu arrives avec un projet fini...

Natasha : En gros il faut que tu te présentes avec ton disque et ton clip. Puis ils te signent et ils prennent 80%...

Eux s'occupent de la diffusion, la pub, la communication ?

Antoine : Voilà, la promo, tout ça...

Donc l'album est complètement auto-produit ?

Natasha : C'est un petit peu auto-produit, mais la maison de disque a quand même mis de l'argent pour qu'on retourne en studio. Mais on a gardé beaucoup des pistes qu'on avait déjà. Au niveau du son, tout était déjà plus ou moins fixé. La direction de la réalisation était là.

En même temps ça vous laisse une grande marge de liberté, j'imagine qu'ils ne sont pas forcément intervenus sur le processus ?

Natasha : Oui, de toute façon ils avaient validé la direction qu'on avait prise, donc c'était assez clair en fait.

Antoine : La direction était déjà prise sur la plupart des morceaux avant d'aller en studio, puisque Benjamin bossait avec nous dès le départ.

Natasha : Oui, on n'est pas arrivé avec des versions guitare-voix qu'on a transformées en quelque chose d'électronique. Le truc était déjà là.

Les démos étaient déjà bien abouties ?

Natasha : Carrément.

Antoine : Benjamin, c'est quelqu'un qui fait beaucoup de productions, il maîtrise les sons donc quand on arrive en studio il y a déjà la qualité de son...

Natasha : La couleur...

Antoine : L'ambiance est là, il n'y a pas besoin de tout retravailler après. Benjamin a travaillé en binôme avec Julien Delfaud, qui a réalisé l'album, et tous les deux ont super bien bossé ensemble.

Natasha : Julien était aussi là depuis le début, c'est un copain. Il a suivi tout le processus de fabrication.

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Interview HushPuppies - extraits (21 Février 2011)

2011-03-05T22:56:00.009+01:00

Interview réalisée pour Froggy's Delight.

A l'occasion de la sortie de leur dernier album The Bipolar Drift, HushPuppies nous reçoit pour une interview chez GroundZero, le magasin de disques indépendant du batteur.

Il s'est écoulé quatre ans depuis la sortie de Silence Is Golden (2007). Que s'est-il passé pour vous entre les deux albums, mis à part la tournée ?

Cyrille (guitare) : Quatre ans ? ça fait si longtemps que ça ?

Olivier (chant) : Eh ouais, ça ne nous rajeunit pas. Pour nous, le temps de gestation est à peu près de quatre ans puisqu'on est cinq.

Le temps de se mettre tous d'accord ?

Cyrille (guitare) : C'est à peu près une année par musicien en fait.

Olivier (chant) : En fait depuis la sortie de Silence Is Golden, on a fait la deuxième tournée, ce qui nous a quand même pris un an et demi. On n'a commencé à composer le troisième album qu'après. Du coup ça ne fait plus quatre ans, mais déjà deux ans et demi. On a aussi dû chercher un autre label parce que celui où on était s'est cassé la gueule. Ça nous a pris du temps et au final on s'est rendu compte qu'on n'était jamais mieux servis que par soi-même. On a donc auto-produit l'album.

Ça n'a pas été trop compliqué de trouver une nouvelle maison de disque ?

Olivier (chant) : En fait on a trouvé une licence, pas une maison de disque.

Cyrille (guitare) : Elle fait la distribution, la promo, le développement de l'album, ce genre de choses.

L'album s'ouvre sur une longue plage presque progressive qui est en fait trois morceaux en un. Je trouve qu'elle résume bien les différentes facettes de Hushpuppies.

Cyrille (guitare) : C'est assez représentatif, effectivement, je pense que tu as raison. La première partie aurait même pu devenir une chanson.

Olivier (chant) : Voire même un single.

Cyrille (guitare) : A un moment, on a pensé à développer du chant dessus et faire partir la chanson dans une autre direction. Mais on avait envie de ce côté progressif. On n'aime pas trop le terme parce que c'est souvent assimilé à une scène dans laquelle on ne se reconnait absolument pas. Mais j'entends progressif dans le premier sens du terme : un morceau qui peut, à partir de quelque chose assez basique, évoluer dans des directions complètement différentes.

Olivier (chant) : Ce morceau, on l'a voulu comme ça et en ouverture de l'album parce qu'il y a ce côté progressif qui ouvre sur une plage complètement pop à la Beatles, et ça nous correspond bien. Le côté rock, le côté un peu plus électro/expérimental au milieu et le côté pop à la fin, c'est vrai que ça nous résume bien.

Cyrille (guitare) : Le titre de l'album (ndA : "The Bipolar Drift", soit "la dérive bipolaire" en français) nous rappelle ça : on a essayé de faire cohabiter sur ce disque à la fois notre amour pour la pop et ses formules efficaces avec des plages plus expérimentales et des recherches dans le son. Pour nous c'était évident d'ouvrir avec cette chanson car ça posait les bases de l'album.

Ce nouvel album sonne plus contrasté que les deux précédents. Mis à part "Stop", "A Dog Bay", " Twin Sisters" ou "Frozen Battle", c'est un disque plus calme que les deux premiers. On est moins dans l'urgence, il y a plus d'espace, c'est plus contemplatif.

Olivier (chant) : C'est vrai que de fait on était moins dans l'urgence parce qu'on a pris plus de temps pour écrire et enregistrer les morceaux. On a pris le temps pour y réfléchir et le fignoler.

Les compositions vous ont-elles entraînés dans cette voie ou aviez-vous d'emblée la volonté de faire quelque chose de plus doux ?

Cyrille (guitare) : On ne voulait pas forcément faire quelque chose de plus doux, mais on voulait vraiment apporter une nouvelle couleur à cet album par rapport aux précédents. Certes, de par le temps que l'on a mis à enregistrer ce disque, certaines chansons ont mis plus de temps à arriver à maturité. Mais contrairement aux autres albums, on a écrit beaucoup de chansons, dont une bonne partie a été mise de côté alors qu'elles étaient quasi abouties. Mais elles ne correspondaient pas à ce vers quoi on voulait tendre, elles sortaient de la couleur de l'album. On ne voulait pas de toute façon rester dans le rock assez facile et efficace des deux premiers albums.

The Bipolar Drift donne l'impression que vous avez cherché à élargir votre palette sonore. C'est particulièrement flagrant au niveau du clavier.

Wilfried (clavier) : A chaque album on essaie de se remettre en question. Sur le troisième on voulait proposer quelque chose de plus abouti et qu'on n'avait pas encore fait.

Franck (batterie) : Et puis surtout, c'est le premier disque qu'on a fait avec un réalisateur. Il a apporté sa touche à cet album. Sur les deux premiers, on a enregistré juste avec un ingénieur du son. Il avait très bien bossé d'ailleurs, mais là le producteur est vraiment rentré dans la structure et la texture des morceaux. Il a apporté des sons de guitare et de clavier qu'on n'utilisait pas auparavant.

Wilfried (clavier) : Il a introduit le chorus, le delay à foison...

Franck (batterie) : Des claviers qu'on n'aurait jamais pensé utiliser... Le fait de choisir un réalisateur, c'était vraiment dans ce but là. On s'est dit que sans cette oreille extérieure, nos compos sonneraient trop "Hushpuppies" alors qu'on voulait faire quelque chose de différent.

Cyrille (guitare) : On voulait s'éloigner des étiquettes qu'on nous collait, du coup on a pris le contre-pied de certaines de nos habitudes sonores. Le simple fait d'utiliser un nouveau synthé, ça amène à une nouvelle façon de composer.

Wilfried (clavier) : Même dans le traitement des guitares et des claviers, on a introduit un delay qu'on n'utilisait pas avant. Donc même avec les mêmes instruments qu'avant mais traités différemment, ça apporte une couleur complètement différente. Sur le premier album, il n'y avait pas de réverb, rien. Deuxième un peu de réverb. Troisième réverb et delay.

Olivier (chant) : Il y a quand même toujours eu du delay sur ma voix...

Wilfried (clavier) : On s'est permis des choses auxquelles on n'aurait pas pensé il y a 6 ans.

Cyrille (guitare) : Le simple fait d'aller chercher un réalisateur, c'était une façon de se mettre en danger par rapport au son qu'on avait l'habitude d'utiliser. On savait en choisissant ce réalisateur qu'il allait nous tirer vers des sonorités nouvelles.

Franck (batterie) : C'est sûr que ce n'est pas drôle de faire le même disque à chaque fois.

Du coup c'est vrai qu'on trouve des morceaux étonnants sur l'album : "Zero One" et "Twin Sister" font très new wave, alors que "Every Night I Fight Some Giant" fait beaucoup penser à Zero 7.

Wilfried (clavier) : En fait, le premier album de Zero 7 a été très présent pour nous quand il est sorti, bizarrement.

Franck (batterie) : On est quand même des grands fans de Air. Si tu écoutes le début de "Down, Down, Down" sur le deuxième album, ça fait très Air. Il y a quand même des prémices sur nos précédents albums, sur des intros ou des fins de morceaux. Mais effectivement on n'avait jamais osé pousser l'idée jusqu'au bout, on a essayé cette caisse claire à la Virgin Suicides...

Wilfried (clavier) : De même sur "Frozen Battle", on assume ce côté dansant.

Franck (batterie) : "Zero One", tu dis que ça fait new wave, mais c'est le premier mroceau où on utilise une boîte à rythme.

Wilfried (clavier) : Et puis les synthés sont très années 80, avec un son bien caractéristique.

Cyrille (guitare) : Pour revenir à "Twin Sister", on ne l'a pas du tout écrit comme un morceau new wave, on ne l'a pas fait consciemment. On a d'ailleurs hésité à l'insclure dans l'album, on se demandait si ça collerait avec les autres titres.

Franck (batterie) : En fait, on ne s'est rien interdit. Par exemple un son de clavier 80's qu'on aurait refusé d'emblée il y a quelques temps, là on l'utilise si ça sert le morceau.

Cyrille (guitare) : On n'a pas eu non plus la logique de se demander si ça serait faisable en live ou si les gens allaient aimer. Le but était de pousser nos idées le plus loin possible.

Wilfried (clavier) : Quitte même à revenir parfois en arrière, voire carrément zapper certaines chansons.

Olivier (chant) : Il y a aussi deux morceaux où les refrains fonctionnaient bien, on en a fait des couplets et on a retrouvé d'autres refrains. C'est le genre de choses qu'on ne faisait pas avant.

Parlons de "You're Gonna Say Yeah !". Le titre a été utilisé dans Guitar Hero. Vous vivez ça come une reconnaissance ?

Franck (batterie) : Oui, on est super contents.

Wilfried (clavier) : C'est une belle visibilité.

Olivier (chant) : Et puis savoir qu'un mec au fin fond du Texas joue "You're Gonna Say Yeah !", c'est incroyable. Sans ce jeu vidéo, on n'aurait pas pu toucher certaines personnes. Même si ça ne nous a pas fait vendre des milliers d'albums, c'est génial de savoir qu'on est dans le salon d'un gamin quelque part dans le monde.

Cyrille (guitare) : Soyons honnêtes, la manière de diffuser la musique est aujourd'hui de plus en plus réduite. On a assez peu d'accès aux médias habituels, donc toucher d'un coup des gens qu'on n'aurait jamais touchés autrement, ce n'est que du bonheur.

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Interview Elista - extraits (La Flèche d'Or, 28 Février 2011)

2011-03-04T22:17:00.039+01:00

Interview réalisée pour Froggy's Delight

C'est dans une Flèche d'Or complètement vide qu'Elista nous reçoit pour nous parler de leur troisième album, L'Amour, La Guerre et L'Imbécile. Les français y délaissent l'électricité de La Folie Douce pour pondre un album bucolique et acoustique, porté par un accrocheur premier single, "La St Valentin". Thomas (guitare /chant) et Benjamin (auteur du groupe et homme de l'ombre) répondent à nos questions. Puis Thomas est rejoint par François (guitare /chant) et Marc (batterie) pour une très belle session acoustique. La soirée se finit par une session photo très décontractée. On sent une ambiance fraternelle chez Elista. Deux chanteurs, un auteur qui fait partie intégrante du groupe mais ne joue pas avec eux : Elista est un groupe atypique et entend bien le rester.

Cinq ans se sont écoulés depuis La Folie Douce. Il a dû se passer pas mal de choses depuis ?

Thomas : Oui, 5 ans, c'est vrai, mais le temps passe vite en musique. On a fini la tournée, on s'est mis un petit peu à composer, on a eu des activités parallèles : Benjamin a écrit des bouquins, François et Benjamin ont aussi joué dans un court-métrage qui a été primé en festival. On voulait également sortir l'album au moment de la St Valentin à cause du single. Même si le disque était déjà prêt, on trouvait ça marrant de coller à l'actualité.

Et si je comprends bien, la St Valentin, ce n'est pas trop votre truc ?
Thomas : Non, pas vraiment. Mais je ne crois pas que ce soit le truc de grand monde, la St Valentin...
Benjamin : La St Valentin, on l'a surtout utilisée pour la métaphore. C'est tellement symbolique. "La St Valentin ce n'est pas dans mes bras que tu la passeras", c'est une façon de dire qu'on n'a pas envie de s'engager, que ce sera très bref entre nous.

Vous avez changé votre fusil d'épaule depuis La Folie Douce. L'Amour, La Guerre et L'Imbécile est un disque de facture beaucoup plus pop. Les fondements restent les mêmes, mais la forme a pas mal évolué ?
Thomas : C'est vrai qu'on avait fait une tournée assez électrique et noisy et on avait envie de calme. On a enregistré à la campagne alors que le deuxième avait été enregistré dans les studios à Paris et Bruxelles, il avait donc quelque chose de très urbain, très électrique. Celui-là est beaucoup plus apaisé. Après, c'est aussi une question de moment. On était calmes et sereins au moment de l'enregistrer. Mais quand on les joue en live, les morceaux sont plus rock. Même si les morceaux sont calmes, on aime bien amener un peu de tempête.
Benjamin : Le premier et le deuxième album étaient déjà très différents. On aime bien le changement. Et puis ça correspond aux chansons.

Comme vous l'avez dit, cet album est plus léger, et on y retrouve des touches de piano, beaucoup de guitares acoustiques, des chansons down tempo. Est-ce que ça vous a posé de nouveaux problèmes en terme d'enregistrement ou d'arrangements ?
Thomas : On n'a pas vraiment eu de problèmes, les arrangements sont venus un peu d'eux mêmes. Le son est venu naturellement aussi. On a enregistré l'album avec Antoine Gaillet, qui a aussi produit le dernier Mademoiselle K et qui avait mixé La Folie Douce. On s'entend super bien avec lui, c'est un copain, la collaboration s'est passée très naturellement. Quand on enregistrait on avait un peu l'impression de faire de la cuisine à la maison entre potes.
Benjamin : Il fallait une grosse entente parce qu'on n'enregistrait pas dans un studio mais dans une maison. On vit dedans, on enregistre dedans, on dort entre trois guitares... On ne pouvait pas le faire avec n'importe qui. Et puis on était déjà convaincu parce qu'il avait fait sur La Folie Douce. Après il fallait d'autres choses, des qualités humaines, et il avait tout ça.
Thomas : Bon, par contre il ne se lave pas, c'est son seul défaut...
Benjamin : Mais nous non plus, donc ça allait ! (rires)

C'est vrai que les textes sont très personnels. Il y a une bonne habitude chez Elista : les paroles sont très bien écrites. Ils sont ici encore plus que par le passé emprunts de désenchantement. Ils portent un regard désabusé sur le monde, et notamment les relations amoureuses...
Benjamin : L'axe c'est l'attachement, et c'est quelque chose de difficile, j'ai l'impression qu'il y a de moins en moins de couples qui durent. Pour les jeunes générations l'investissement c'est quelque chose de compliqué, le rapport a changé, on est très loin de la génération de nos parents et grands-parents pour qui c'était une ligne directe. Il y a aussi une chanson dans le disque qui s'appelle "Le Royaume Des Cieux" qui fait écho à la difficulté de se situer dans le monde. Elle aussi est de plus en plus compliquée, et ça rend plus difficile la façon de se situer par rapport aux autres.

Elista a toujours eu une facilité pour trouver des mélodies et des refrains accrocheurs. Est-ce le point de départ des chansons ou pas forcément ?
Thomas : Non, c'est des trucs qu'on achète sur internet en fait (rires).
Benjamin : On aime bien les trucs efficaces, je pense que même si on ne le dit forcément, tout le monde aime ce qui est efficace. Après, c'est la définition de l'efficacité qui varie d'une personne à une autre. Nous on aime bien qu'il y ait une grosse cohésion entre les textes et la musique, on n'a pas envie qu'ils soient jugés indépendamment l'un de l'autre. C'est vrai qu'on recherche l'efficacité, on a envie que ça marche.

C'est efficace sans qu'il y ait non plus de grosses ficelles...
Benjamin : Non, il n'y a pas de réflexion en tant que single. L'idée c'est que quelle que soit le morceau, qu'il passe en radio ou pas, on aime que ce soit efficace. Je pense aux groupes que j'écoutais plus jeunes, Pixies, Cure, Dominique A, ou le premier Miossec, ils ne passaient pas forcément en radio, mais il y a une vraie efficacité dans leurs chansons. C'est quelque chose qui nous a marqué et qui nous plaît, c'est ce qui fait qu'on réécoute encore ces chansons.

L'Amour, La Guerre et L'Imbécile se rapproche pas mal de ce que faisaient Les Innocents. C'est une influence revendiquée ?
Benjamin : On nous l'a déjà dit. Non, ça ne nous surprend pas. L'image des Innocents était assez champêtre, très pop. J'aime bien les Innocents, Nataf a un sacré talent qui n'est plus à démontrer. Mais ce n'est pas spécialement ce qu'on écoutait, ce n'est pas volontaire. Mais ce n'est pas non plus déshonorant.

Actuellement, comment vous situeriez-vous sur la scène rock française ?
Benjamin : C'est très dur... Je sais de qui on est à peu près les héritiers, mais c'était il y a déjà longtemps. Au premier album, on était plutôt l'héritage de Miossec, Dominique A, etc... toute la scène "nouvelle chansons française". Quand les gens démarrent avec du rock, on les met dans la case Noir Désir. Après, je suis incapable de te dire où on se situe actuellement. Quand on a commencé, on ne savait pas qu'on faisait partie de la "scène rock". Plus on avance et plus on essaie de creuser un sillon qui nous ressemble. Mais les gens dont tu t'inspires ne sont pas forcément ceux dont on va te rapprocher, comme avec les Innocents par exemple. Sur La Folie Douce, je n'ai pas arrêté de bouffer Gainsbourg et du rap, personne ne nous a mis dans la famille "NTM et Serge Gainsbourg".
Thomas : Oui, c'est pour ça que j'allais dire qu'on est entre Stupeflip et Florent Pagny... (rires)
Benjamin : Donc en fait, on ne sait pas trop... Bashung aussi a vachement compté, mais est-ce que ce sont les gens qui comptent qui permettent de te situer ? Je ne sais pas... Et puis c'est de plus en plus difficile parce que les influences sont de plus en plus éclatées. Et puis surtout quand on parle d'influences en musique, ça ne concerne pas tant que ça la scène française. Pour La Folie Douce, on a écouté Kasabian en boucle, là c'était The Coral et Supergrass. On essaie de mélanger tout ce qu'on aime, et ça concerne beaucoup de groupes anglo-saxons. Il y a une petite injustice sur la scène française : à partir du moment où les paroles sont en français, on les rapproche automatiquement de groupes français style Noir Désir. On n'est pas trop concernés par ça parce qu'on n'est pas trop bloqués sur le rock, mais je trouve ça un peu dur. Je ne pense pas que tous les groupes de rock français écoutent Noir Désir en boucle et cherchent à s'en rapprocher.

Il y a aussi le problème de groupes à qui on impose le français pour pouvoir passer à la radio ?
Benjamin : Je crois que ce n'est plus valable. Le truc c'est retourné de manière hallucinante parce que les groupes français qui marchent le mieux chantent en anglais. Et plus ça va moins tu as de groupes français qui chantent en français. Donc la maison de disque qui va demander à un mec de chanter en français, ce n'est plus le cas, c'est fini. On a des exemples dans notre entourage, les mecs de Soma par exemple : la maison de disque se foutait royalement qu'ils chantent en français ou pas. Il y a 5 ou 10 ans ça se serait sûrement passé autrement, mais aujourd'hui le tabou est tombé. Il n'y a qu'à regarder Phoenix qui raffle tout chez les Américains, c'est hallucinant, tout est dit. Cocoon, The Do,... La scène française est maintenant très anglophone.

C'est vrai que l'influence anglo-saxone se ressent plus qu'au début des années 2000.
Benjamin : Oui, mais c'est le paradoxe dont je te parlais tout à l'heure : elle se ressent plus mais je ne pense pas qu'elle soit plus présente. Les mecs chantent plus en anglais aujourd'hui, mais ça ne veut pas dire que quand ils chantaient en français ils voulaient faire un truc franchouillard. Ils voulaient juste faire dans le francophone, mais avec des influences anglaises. C'est un mystère. Il y a un mystère musicalement autour de la langue française.

On dit souvent que c'est plus difficile de chanter du rock en français.
Benjamin : Je ne sais pas. Chacun fait naturellement, avec ce qui vient. Après on a déjà entendu des conneries, des groupes qui disaient "le français ce n'est pas la langue du rock", là ça devient complètement dingue de dire un truc aussi con.

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Oh La La ! "Oh La La !"

2011-03-02T22:21:00.010+01:00

"Oh La la !" : c'était à peu de choses près notre réaction lorsque, arpentant la scène dans son short de boxer, torse nu et tétons étoilés de noir, Natasha Lejeune singeait habilement Iggy Pop au beau milieu des années 00. Furie sensuelle, elle éclipsait ses comparses - pourtant tout sauf des manches. Pour beaucoup de gens, A.S. Dragon, c'était elle. La réalité est bien sûr beaucoup plus complexe, mais son franc parler, sa prestance et son appétit rock & roll ont fait d'elle un cas à part. Si bien que c'est avec un vrai plaisir qu'on la retrouve sous ses nouveaux oripeaux de Oh La La !

Une demi-écoute suffit pour se convaincre de la qualité du disque. Natasha a réussi son coup. Le sinueux chemin parcouru depuis son départ d'A.S.Dragon, avec son lot de doutes et de difficultés, a donc abouti à cet album fougueux et revanchard. Un modèle en son genre à placer de ce pas en haut du panier pop.

D'entrée "Paris Ne T'aime Pas", sauvage et claquante, donne le ton. "Relax", dans un style pas si éloigné, enfonce le clou. Ces deux hits en puissance sont pourtant détrônés par les superbes envolées pop de "Goddbye Superman", "Rendez-Vous Avec Un Salaud", "Oser" ou "Not In The Mood" (dont le refrain feutré rappelle Air). Seules vraies ombres au tableau, "Carmen" flirte avec les précédents méfaits de Yelle alors que "Really Nothing", pastiche punk, s'oublie assez vite.

Concoctés par son brillant acolyte Benjamin Lebeau (The Film, The Shoes), les arrangements sophistiqués de ce conquérant album éponyme optent pour le grand écart : on peut passer sans transition de basses grondantes, rythmique lourde et guitares saturées à des nappes de synthés, une basse sautillante, un chant sacchariné et des lignes de guitare claire. Et ça fonctionne.

Les textes, acérés, rythmés et à haute teneur sexuelle (en tête, "Un Poing C'est Tout", ode à la gloire du fist fucking en duo avec le trublion Philippe Katerine), montrent une Natasha qui se livre davantage. Le chant trouve le bon équilibre entre douceur pop et attitude punk, les refrains restent collés à l'oreille, les pieds battent sans relâche la mesure. Résultat : cet album sexy en diable tourne en boucle dans le mp3 depuis quelques semaines. A consommer sans modération.

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Timber Timbre, CW Stoneking & Puta Madre Brothers (La Maroquinerie, Les Nuits De l'Alligator, 21 Février 2011)

2011-02-23T11:08:00.071+01:00

L'association entre La Maroquinerie - salle à la programmation irréprochable - et le Festival Les Nuits de l'Alligator a pris la bonne habitude de proposer de jeunes talents en devenir, des artistes confirmés et des rencontres improbables. Rebelote pour cette sixième édition, avec une belle sélection sillonnant la France deux semaines durant en février. Ce soir, on prenait peu de risque sachant que Timber Timbre était de la partie. Mais CW Stoneking et, plus encore, les Puta Madre Brothers ont contribué à faire de cette soirée une belle réussite.

Comme leur nom ne l'indique pas, les Puta Madre Brothers viennent d'Australie. Avec un nom pareil, on se doute qu'ils ne sont pas du genre à se prendre au sérieux. Dès l'arrivée sur scène des trois brothers (deux guitaristes et un bassiste, chacun planqué derrière une grosse caisse), vêtus de jaquettes militaires et le visage barbouillé comme des bagnards, on se retrouve parachuté dans une scène du cultissime O'Brother.

Le concert part dans tous les sens : leur musique évoque un blues des îles, du surf rock coloré, un délire rock & roll 50's, Compay Segundo chanté par Elvis, les Shadows, Jerry Lee Lewis, Morricone,... Bref, c'est du grand n'importe quoi jubilatoire.

Ces hispanophiles - qui parlent espagnol comme Brad Pitt parle italien dans Inglourious Basterds - proposent un show décapant fait d'onomatopées sans queue ni tête, de voix gorgées de réverb et de guitares saturées de delay. Ils s'amusent des codes du genre avec un enthousiasme contagieux. A voir les gens battre du pied et sourire pendant leur numéro, ils ont réussi leur coup. On conseille de déguster ces Puta Madre Brothers sur scène car Queso Y Cojones, leur récent album au titre métaphysique, ne parvient malheureusement pas à retranscrire la ferveur et la folie de leur live.

C'est ensuite CW Stoneking qui foule les planches de la Maroquinerie. Première impression : se tient devant nous Hannibal Lecter, la muselière en moins. Tout vêtu de blanc, cheveux gominés plaqués en arrière sur le crâne, mutique, yeux perçants... On cherche dans la salle mais pas l'ombre de Jodie Foster. Nous voilà rassurés. Accompagné d'un batteur, d'un contrebassiste et de deux cuivres, le set de l'australien (décidément) propose une musique sympathiquement rétro (les années 20 et 30 ne sont pas loin), aux accents tantôt jazz tantôt country, chantée par une voix de black à l'accent à couper au couteau. La formule, séduisante, s'avère tout de même répétitive sur la durée. Ayant la délicate tâche de passer après les Puta Madre Brothers, la musique de CW Stoneking - malgré toutes ses qualités - manque de sueur et d'entrain. Bilan mitigé donc.

Inconnus au bataillon il y a encore six mois de ce côté de l'Atlantique, les canadiens de Timber Timbre ont depuis marqué bien des esprits avec leur somptueux troisième album (éponyme). Leur folk intimiste en apesanteur s'est imposé comme une des plus belles étrangeté attrapée au vol ces derniers mois.

"No Bold Villain", qui clôt le disque, est jouée ce soir en ouverture. Taylor Kirk au centre, tiré à quatre épingles, caresse ses cordes avec une telle douceur que sa guitare est parfois à peine audible. Pika Posen (Violon / Clavier) et Simon Trottier (Lap steel guitar / Autoharp) tissent autour du chanteur une toile sonore envoûtante. Le groupe enchaîne avec "Trouble Comes Knocking", dévoilant sa face sombre, puis propose un excellent nouveau titre, "Black Water" (le nouvel album Creep On Creepin' On sort au printemps) dont le refrain s'implante durablement dans le cerveau ("all i need is some sunshiiine"). Superbe entrée en matière.

La suite est à l'avenant : la setlist alterne entre titres du dernier album et morceaux inconnus, Timbre Timbre proposant des versions réarrangées de ses chansons (avec notamment de longues intros planantes). La voix au timbre magique de Taylor Kirk occupe une place centrale, accompagnée par son jeu de guitare tout en contrastes (d'une douceur extrême entrecoupée de fulgurantes incartades), son articulation exagérée et très théâtrale, ses tics vocaux (cris à la fin des phrases). Tout ceci fait de Timber Timbre un cas vraiment à part.

Mis à part l'absence de "We'll Find Out", c'est un concert en tous points réussi que nous ont livré les canadiens. Parmi d'autres splendeurs ("No Bold Villain", "Trouble Comes Knocking", "Black Water", "Demon Host", "Until The Night Is Over", "I Get Low"), on retiendra particulièrement la version profonde et intense de "Lay Down In The Tall Grass".

Crédits photos : Nicolas Demarty

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Fyfe Dangerfield (La Boule Noire, 2 Février 2011)

2011-02-03T10:37:00.091+01:00

Il existe des disques tortueux, qui jouent à cache-cache avec l'auditeur pour mieux se révéler quand on ne s'y attend plus. Et puis il y a des albums, tels Fly Yellow Moon, qui ne nécessitent pas plus de deux écoutes pour s'imposer comme l'un des plus beaux disques de l'année passée. Libéré du carcan de son groupe (les sympathiques mais inégaux Guillemots), Fyfe Dangerfield prend son envol de songwriter.

Qu'en est-t-il de la retranscription live ? Livré à lui-même (seules une violoniste et une altiste sont à ses côtés) et pourvu d'un sampler, le chevelu anglais et ses pop-songs ciselées séduisent. La Boule Noire est ce soir complète et le public très concerné. L'ambiance est détendue et Fyfe Dangerfield à son aise : l'intimité de la salle sied parfaitement à la finesse de ses compositions.

Sans livrer une performance renversante - on aurait aimé entendre les chansons dans des conditions optimales : avec un vrai groupe accompagnant le chanteur -, le talent de l'anglais pour jongler entre piano et guitares, son magnifique organe vocal et son humour so british rendent ce tour de chant extrêmement plaisant.

Et puis la force des morceaux est telle que, même dans des versions parfois un peu cheap, on est conquis. Sur certains titres, même réduits à l'essentiel, la magie opère ("Firebird", d'une extrême douceur en ouverture, "Live Wire", qu'on croirait sortie d'un disque d'Eels, "Barricades", somptueuse ballade Lennonienne à faire pâlir de jalousie Chris Martin, la délicate "Don't Be Shy"). Le leader des Guillemots semble surtout avoir un don pour les envolées lyriques - que Rufus Wainwright ne renieraient pas -. Sans verser dans l'emphase, ses mélodies dorées et ses refrains virevoltants captivent ("So Brand New", "Faster Than The Setting Sun", "She Needs Me").

Fyfe Dangerfield se permet même deux reprises, aussi surprenantes l'une que l'autre - chacune à sa manière - : il revisite tout d'abord le "Fool On The Hill" des Beatles. Osé, mais le chanteur enfile la combinaison de McCartney avec une insolente réussite et livre une version toute personnelle et intense. Et puis, beaucoup plus surprenant, il reprend un titre du girl band Girls Aloud, sorte de Spice Girls des années 2000. Un succès, contre toute attente.

Après une cocasse intervention évoquant les charmes des interviews en France pour un chanteur Anglais et deux faux-départs parfaitement gérés sur "Let's Start Again"(la faute à un accordeur laissé outre-Manche) - ne parvenant pas à accorder convenablement ses guitares, il se rabat brillamment sur le piano -, le chanteur conclut par une version d'"Any Direction" aux airs de démo. Il revient pour deux chansons en rappel : "She's Always A Woman" à la guitare acoustique (chanson de Billy Joel présente sur l'album) puis "If The World Ends" des... Guillemots. Une façon de rappeler que cette escapade solo couronnée de succès n'était qu'une parenthèse avant le prochain album de son groupe. Qui sera, on l'espère, du même niveau que Fly Yellow Moon.

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Découvrez la playlist Fyfe Dangerfield

Keren Ann "101" (écoute de l'album, chambre 101 de l'hôtel Intercontinental)

2011-01-21T10:54:00.126+01:00

Un matin, cette semaine, au volant. Le poste branché sur Radio Nova. Une rengaine obsédante au clavier, une basse ronde et agile, une batterie discrète et efficace, une voix aérienne et cristalline (on pense un instant à Brisa Roché), une chanson à haute teneur mélodique. Sans sucre ajouté. L'oreille est immédiatement attirée. Qui donc est cette chanteuse au timbre éthéré et à la voix légèrement fêlée ?

Paris, Jeudi 20 Janvier, Avenue Marceau. Journée promo pour l'équipe d'EMI, qui fait écouter en avant-première le nouvel album de Keren Ann dans la chambre 101 de l'Hôtel Intercontinental. 101, comme le nom du nouvel album de la dame, qui sortira le 28 février prochain. Une fois confortablement installé, verre de vin rempli et paroles placées sous nos yeux, le préposé à la chaîne hi-fi appuie sur "play". Et là, surprise : sort des enceintes la chanson entendue sur Radio Nova. C'était donc Keren Ann.

On comprend notre étonnement à l'écoute de l'album : oublié le folk rêche du précédent disque éponyme (2007), et encore plus les sympathiques chansons en français des débuts. 101 est un album tout en rondeurs, où un consistant travail d'arrangements perce dès la première écoute (Julien Delfaud, le producteur, et Albin De La Simone, l'homme de l'ombre, ont fait un sacré boulot). Le noyau dur reste identique (mélancolie de tous les instants, mélodies raffinées, chant délicat, textes touchants), mais les titres se parent d'atours résolument pop. Comme si Keren Ann concrétisait enfin ce qu'elle avait entamé avec "Sailor & Widow" en 2004.

D'emblée, deux ritournelles font pétiller les synapses : "My Name Is Trouble", titre d'ouverture précédemment évoqué et "Sugar Mama". Une certitude : on reparlera de ces chansons. Mieux, on s'en souviendra. Ces deux titres sont d'une évidence pop imparable.

L'atmosphère se fait brumeuse sur "Run With You", chanson crépusculaire où planent des voix d'anges. C'est splendide. Spleen chevillé au corps, Keren Ann ne fait pas défaut à sa réputation de mélodiste hors pair. "All The Beautiful Girls", dont les textes se laissent aller au name droping, est plus convenue.

Tout l'inverse de "Sugar Mama" qui, portée par un brillant riff de basse et des accents surf pop, est le rayon de soleil du disque. Un tube instantané. She & Him, April March ou encore The Birds & The Bees sont ici convoqués. Sur "Blood On My Hands", on croirait même entendre Zooey Deschanel entonner le refrain.

"She Won't Trade It For Nothing" - aux arpèges de guitare plus conventionnels -, la lancinante "You Were On Fire" - qui décolle sur le refrain (arrangements une nouvelle fois remarquables) - et la sombre "Strange Weather" - jolie mais un tantinet monotone - ne renversent pas des montagnes mais montrent tout le savoir-faire de la dame.

"Song From A Tour Bus", nébuleuse complainte où Keren Ann se retrouve en manque d'amour ("heart is empty", se désespère-t-elle), fait irrémédiablement penser au "Asleep From Day" des Chemical Brothers. Enfin, la chanson "101" clôt le disque par un déroutant compte à rebours métaphysique égrené d'une voix impassible. Le tout sur un instrumental qu'Air période 10 000 Hz n'aurait pas renié.

Bilan : le Keren Ann 2011 est un très bon cru. Un signe qui ne trompe pas : en ressortant de l’hôtel, on chantonne en boucle l'air de "My Name Is Trouble". On n'arrivera pas à se la sortir de la tête les trois jours suivants.

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Family Of The Year "Our Songbook"

2011-01-02T10:35:00.090+01:00

Sacrée bande que les autoproclamés Family Of The Year, famille d'adoption pour 60% des membres (trois garçons, deux filles), et vrai fratrie pour Sebastian et Joseph Keefe. Après plusieurs EP ces dernières années, le groupe a publié fin 2010 un radieux premier album d'une douceur pop fort appréciable.

Cette tribu californienne est une bénédiction pour les amateurs d'arbres généalogiques musicaux : au détour d'une chanson, on croise Band Of Horses ("Let's Go Down" et "Intervention (staple jeans)" ), CSS et Death In Vegas ("Castoff"), Broken Bells ("Psyche Or Like Scope"), I Am From Barcelona ("Chugjug"), Bee Gees et Beach Boys ("Summer Girls"), Belle & Sebastian ("Feel Goodtrack Of Rosemead"), The Coral ("Surprise"). Même les Wings et Fanfarlo se paient un bœuf sur "Stupidland".

C'est souvent très beau, mais Our Songbook donne parfois l'impression d'évoluer dans un tribute album. La qualité et la sincérité des chansons font cependant rapidement la différence. On est frappé et séduit d'emblée par l'élégance des harmonies vocales, qui semblent être une seconde nature chez les californiens (elles sont présentes sur quasiment tous les titres).

Pas de pathos à signaler ici : la musique de Family Of The Year est gorgée de lumière, de mélodies pétillantes et d'ondes positives. Ce qui fait d'Our Songbook un écrin harmonique splendide, à la naïveté pop hautement attachante.

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Boxon "Baptême Du Feu"

2011-01-01T14:27:00.007+01:00

Quatre jeunes et beaux franciliens à peine majeurs débarquant sans prévenir avec un album insolent et incisif, ça ne vous rappelle rien ? On peut comprendre que ça les agace, mais beaucoup de choses ramènent aux BB Brunes lorsque l'on évoque Boxon. Et on ne serait pas surpris que le succès les attende au tournant.

Car il n'y a pas grand chose à redire à ce Baptême Du Feu : sens de la formule, mélodies accrocheuses, maîtrise des codes rock, chansons bien ficelées, paroles plutôt futées, production efficace. Bardé d'influences 60's, ce premier disque est bien plus qu'un Blonde Comme Moi bis.

"Tambourin Tape" pourrait être un inédit de Dutronc jeune tout juste ressorti des caves. Cela aurait pu n'être qu'une sympathique anomalie s'il n'y avait eu cette reprise de "Et Moi Et Moi Et Moi" (qui ne fera pas oublier l'original). "Gangster" a tout pour devenir un hit avec ses riffs efficaces et son slogan "vivre vite et mourir jeune". Urgence, spontanéité, gueuler sa jeunesse à la face du monde : les gamins ont tout compris. "Baptême Du Feu", "Bien Pire Que Toi", "Tombeur De Gitanes", "Balle Perdue" : les refrains accrocheurs se succèdent et les a priori tombent un par un.

Malgré des titres en-dessous du lot en fin de disque (dont "Just A Toy" et "Under Fire" - version engliche de "Bapteme Du Feu" - qui, toutes deux chantées dans un yaourt parfait, ont au moins le mérite de montrer que chanter dans la langue de Molière n'est pas un mauvais choix) et quelques redondances, à aucun moment Boxon ne se prend les pieds dans le tapis.

Voix juvénile sans être maniérée, influences certes évidentes mais racées, indéniable talent d'écriture, jeunesse insolente : le cocktail de Boxon est réussi. Baptême Du Feu est un disque futé et dans l'air du temps malgré son fort ancrage 60's. Les premiers albums de rock français de ce calibre ne courent pas les rues.

L'avenir, moins indulgent avec les jeunes premiers, nous dira si Boxon est capable d'explorer d'autres territoires, de se renouveler, d'enrichir sa formule. En attendant, les BB Brunes cherchaient un rival, ils l'ont peut-être trouvé.

Lire également la critique du disque sur Froggy's Delight.

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Best Of 2010 (1-10)

2010-12-31T10:45:00.050+01:00

Retour en arrière sur les sensations musicales 2010 avec mes 100 disques préférés de l'année. En commençant par le début : le rock fougueux et brillant d'Arcade Fire, fidèle compagnon de route pendant toute la deuxième partie de l'année, la pop californienne ensoleillée de She & Him, le blues écorché et mélodique de The Black Keys, l'étrange et envoûtant folk minimaliste de Timber Timbre, le rock vénéneux de The Black Angels, l'électro débridée de LCD Soundsystem, les orfèvres pop de The Coral, la magie du folk-soul d'Hindi Zahra, le rock acidulé et malin de MGMT et le cocktail R&B/Pop/Soul/Funk déjanté de Janelle Monáe.

Ecoutez la sélection sur la playlist Deezer :

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1 - ARCADE FIRE "The Suburbs"

2 - SHE & HIM "Volume Two"

3 - THE BLACK KEYS "Brothers"

4 - TIMBER TIMBRE "Timber Timbre"

5 - THE BLACK ANGELS "Phosphene Dream"

6 - LCD SOUNDSYSTEM "This Is Happening"

7 - THE CORAL "Butterfly House"

8 - HINDI ZAHRA "Handmade"

9 - MGMT "Congratulations"

10 - JANELLE MONAE "The ArchAndroid"

Best Of 2010 (11-20)

2010-12-30T10:08:00.018+01:00

De 11 à 20

Playlist Deezer :

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11 - THE TALLEST MAN ON EARTH "The Wild Hunt"

12 - THE GHOST OF A SABER TOOTH TIGER "Acoustic Sessions"

13 - HOT CHIP "One Life Stand"

14 - TWO DOOR CINEMA CLUB "Tourist History"

15 - ANGUS & JULIA STONE "Down The Way"

16 - BEACH HOUSE "Teen Dream"

17 - JOHN GRANT "Queen Of Denmark"

18 - DEERHUNTER " Halcyon Digest"

19 - FAMILY OF THE YEAR "Our Songbook"

20 - RACE HORSES "Goodbye Falkenberg"

Best Of 2010 (21-30)

2010-12-29T10:56:00.017+01:00

De 21 à 30

La Playlist Deezer :

Découvrez la playlist Best OF 2010 (01) avec The Bewitched Hands

21 - LOCAL NATIVES "Gorilla Manor"

22 - MAVIS STAPLES "You Are Not Alone"

23 - KAREN ELSON "The Ghost Who Walks"

24 - THE BEWITCHED HANDS "Birds & Drums"

25 - BROKEN BELLS "Broken Bells"

26 TINDERSTICKS "Falling Down A Mountain"

27 - FYFE DANGERFIELD "Fly Yellow Moon"

28 - ALOE BLACC "Good Things"

29 - BIG BOI "Sir Lucious Left Foot The Son Of Chico Dusty"

30 - CEE LO GREEN "The Lady Killer"

Best Of 2010 (31-40)

2010-12-28T20:02:00.016+01:00

De 31 à 40

La Playlist Deezer :

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31 - GUSH "Everybody's God"

32 - HARLEM "Hippies"

33 - HELLO=FIRE "Hello=Fire"

34 - BEST COAST "Crazy For You"

35 - JEREMY JAY "Splash"

36 - KULA SHAKER "Pilgrim's Progress"

37 - YAEL NAIM "She Was A Boy"

38 - SHARON JONES & THE DAP-KINGS "I Learned The hard Way"

39 - OF MONTREAL "False Priest"

40 - OWEN PALLETT "Heartland"

Best Of 2010 (41-50)

2010-12-27T12:23:00.016+01:00

De 41 à 50

La Playlist Deezer :

Découvrez la playlist Best OF 2010 (01) avec The Bewitched Hands

41 - VILLAGERS "Becoming A Jackal"

42 - GONJASUFI "A Sufi And A Killer"

43 - RAY LAMONTAGNE & THE PARIAH DOGS "God Willin´ & The Creek Don´t Rise"

44 - I AM KLOOT "Sky At Night"

45 - SARAH BLASKO "As Day Follows Night"

46 - JAMIE LIDELL "Compass"

47 - N.E.R.D."Nothing"

48 - LAURA VEIRS "July Flame"

49 - DIANE BIRCH "Bible Belt"

50 - THE LEISURE SOCIETY "The Sleeper"

Best Of 2010 (51-60)

2010-12-26T18:59:00.014+01:00

De 51 à 60

La Playlist Deezer :

Découvrez la playlist Best Of 2010 (02)

51 - THE NATIONAL "High Violet"

52 - PLAN B "The Defamation Of Strickland Banks"

53 - MAYER HAWTHORNE "A Strange Arrangement"

54 - THE LEGENDARY TIGERMAN "Femina"

55 - BAND OF HORSES "Infinite Arms"

56 - CORINNE BAILEY RAE "The Sea"

57 - JACQUES HIGELIN "Coup De Foudre"

58 - FANFARLO "Reservoir"

59 - TAME IMPALA "Innerspeaker"

60 - THE JIM JONES REVUE "Burning Your House Down"

Best Of 2010 (61-70)

2010-12-24T11:14:00.015+01:00

De 61 à 70

La Playlist Deezer :

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61 - THE BELLRAYS "Black Lightning"

62 - BORN RUFFIANS "Say It"

63 - FOALS "Total Life Forever"

64 - BRISA ROCHE "All Right Now"

65 - CHILLY GONZALES "Ivory Tower"

66 - DELTA SPIRIT "History From Below"

67 - MASSIVE ATTACK "Heligoland"

68 - VAMPIRE WEEKEND "Contra"

69 - BLOOD RED SHOES "Fire Like This"

70 - CARL BARÂT "Carl Barât"

Best Of 2010 (71-80)

2010-12-23T10:51:00.013+01:00

De 71 à 80

La Playlist Deezer :

Découvrez la playlist Best Of 2010 (02)

71 - THE ROOTS "How I Got Over"

72 - LAURA MARLING "I Speak Because I Can"

73 - V.V. Brown "Travelling Like The Light"

74 - SHOUT OUT LOUDS "Work"

75 - TROY VON BALTHAZAR "How To Live On Nothing"

76 - ASA "Beautiful Imperfection"

77 - GORILLAZ "Plastic Beach"

78 - ELI 'PAPERBOY' REED "Come And Get It"

79 - AVI BUFFALO "Avi Buffalo"

80 - THE WALKMEN "Lisbon"

Best Of 2010 (81-90)

2010-12-22T12:27:00.015+01:00

De 81 à 90

La Playlist Deezer :

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81 - ARNAUD FLEURENT-DIDIER "La Reproduction"

82 - GRINDERMAN "Grinderman 2"

83 - LOUIS-RONAN CHOISY "Rivière De Plumes"

84 - ALINA ORLOVA "Laukinis Suo Dingo"

85 - CAMELIA JORDANA "Camelia Jordana"

86 - BEN L'ONCLE SOUL "Ben L'Oncle Soul"

87 - HEY HEY MY MY "A Sudden Change Of Mood"

88 - PAUL WELLER "Wake Up The Nation"

89 - JIL IS LUCKY "Jil Is Lucky"

90 - TIKEN JAH FAKOLY "African Revolution"

Best Of 2010 (91-100)

2010-12-21T13:06:00.005+01:00

De 91 à 100

La Playlist Deezer :

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91 - THE MORNING BENDERS "Big Echo"

92 - FOOL'S GOLD "Fool's Gold"

93 - TOM PETTY & THE HEARTBREAKERS "Mojo"

94 - TEENAGE FANCLUB "Shadows"

95 - ELDIA "Yayaya"

96 - FEFE "Jeune A La Retraite"

97 - JEANNE CHERHAL "Charade"

98 - MARTINA TOPLEY-BIRD "Some Simple Place"

99 - SLEIGH BELLS "Treats"

100 - MALE BONDING "Nothing Hurts"

M.I.A. (Le Trianon, 11 Décembre 2010)

2010-12-12T17:17:00.082+01:00

C'est dans un état assez confus que l'on ressort du Trianon, ne sachant trop à quoi on vient d'assister. Vaste plaisanterie ? Communion altermondialiste ? Prise en otage par un lobby pro-sonotone ? Show futuriste annonciateur d'une troisième guerre mondiale ? Apocalypse musicale ? Concert séduisant par son côté radical ? Un peu de tout ça. Et la musique, au fait ?

Eh bien, pas grand chose à se mettre sous la dent si ce n'est un show d'une brutalité rarement vue et une proximité charnelle dégoulinante de sueur dans la fosse. On connaissait l'étiquette "sans concession" de M.I.A., mais son récent album Maya et ce concert virulent viennent durcir encore son image.

La soirée débute avec un DJ-Set creux et lassant pendant lequel on constate que c'est une assemblée cosmopolite qui s'est déplacée au Trianon ce soir. La suite ? M.I.A. entre en scène pour une heure d'agression permanente, sur tous les plans : visuel (des lumières blanches épileptiques, des flash balancés de façon métronomique dans nos tronches), sensoriel (premiers rangs bombardés de fumée, sueur de tous les côtés, nanas en talons aiguilles dans la fosse) et surtout auditive. On est ici dans le registre du passage à tabac sonore. Le public se retrouve pris dans les cordes, bastonné de toutes parts par des sons stridents et des basses malfaisantes servies sans répit, les boutons de volume poussés à fond.

La voix de M.I.A. est inintelligible, et quand on l'entend c'est pour se rendre compte que la miss chante particulièrement faux (le "Paper Planes" final est un massacre). Les basses explosent tout sur leur passage. Bien que davantage concentré sur la ferveur populaire qui règne dans la fosse que sur ce qui se passe sur scène (M.I.A. se trimbale une bouteille à la main, invite à deux reprises les premiers rangs à venir s'afficher sur scène - certains jouant un peu trop le jeu -, déhanche son corps élancé tout en scandant ses paroles), on reconnaît "Born Free", "Boyz" ou "Paper Planes".

Au moins aura-t-on apprécié ce bain de foule musclé. On ressort en sueur de cette expérience plus particulière qu'agréable. L'appréciable calme qui règne sur le chemin du retour ne nous fait pas complètement oublier nos tympans criant au viol...

Lire également la chronique du concert sur Froggy's Delight.

Ben l'Oncle Soul (Le Plan, Ris-Orangis, 10 Décembre 2010)

2010-12-11T11:15:00.121+01:00

Le Plan accueille ce soir Ben l'Oncle Soul, lequel conclut en trombe une année 2010 qui lui a particulièrement souri : sympathique espoir il y a encore quelques mois, il s'impose désormais comme une révélation incontestable et un artiste avec lequel il va falloir compter. Pour preuve, un Zénith de Paris d'ores et déjà complet le 8 avril prochain et des récompenses qui se profilent (NRJ Music Awards, Victoires de la musique,..).

En première partie, la charmante Irma fait mieux que tirer son épingle du jeu : accompagnée d'une simple guitare acoustique et de sa voix délicate, elle envoûte complètement l'assemblée. Dans un style rappelant Asa ou Corinne Bailey Rae, ses compositions entraînantes et malignes font la part belle au chant. Celui-ci, mis en relief par l'habile utilisation d'un sampler, est épatant. Irma se risque également avec succès au difficile exercice de la reprise, qui plus est des Jackson 5 ("I Want You Back" et "ABC"). A en juger par cette excellente prestation, on risque d'entendre parler d'elle en 2011.

L'obscurité se fait dans la salle. Une trompette, un saxophone, une guitare électrique, une basse, une batterie, un clavier puis deux choristes montés sur ressorts viennent s'installer face au public. On se pourlèche les babines avant même la première note : c'est une formation à l'ancienne que nous propose Ben l'Oncle Soul, dans la plus pure tradition soul. Ben fait irruption, danse, chauffe la foule puis lance "Crazy", la très bonne reprise de Gnarls Barkley. La choré du chanteur et ses choristes est chiadée, le groupe parfaitement en place. Ben réussit le tour de force de faire sonner ce tube de 2006 comme un titre Motown des années 60.

On l'aura compris : pas de publicité mensongère chez Ben l'Oncle Soul. Le spectacle sera soul jusqu'au bout des ongles. Les fans de shows pétillants et de soul vintage en auront pour leur argent. Car entre un "Soulman" endiablé, un "Seven Nation Army" qu'il a pris la peine de réarranger pour le live (le catalogue Motown, une fois encore, n'est pas bien loin), la fin intense et touchante de "L'Ombre d'Un Homme", les hommages sincères et passionnés à ses idoles ("Georgia" de Ray Charles, "What's Going On" de Marvin Gaye, "I Feel Good" de James Brown), on s'avoue vaincu devant la performance galvanisante de Ben l'Oncle Soul.

Si sur disque, toute plaisante qu'elle est, la formule s’essouffle un peu, le cocktail du Tourangeaux s'avère explosif en live, où le chanteur se révèle en showman aguerri. On pourra certes pointer du doigt un spectacle très rodé, mais comment résister à tant de fougue ? Surtout que l'on rit beaucoup à la performance parfois très théâtrale du chanteur (l'ostensible complicité avec ses choristes n'y est sans doute pas pour rien).

Ben - bien épaulé par ses danseurs survoltés - ne ménage pas sa peine pour nous séduire : il danse et chante dans la fosse, harangue le public, joue à "1-2-3 Soleil" avec lui, aligne les mimiques en tous genres, imite un golfeur à la fin de "I Feel Good", s'amuse aux claviers pour mieux mettre en valeur son impassible mais impeccable bassiste, fait mine de se transformer en boxeur quand le choriste lui chipe le micro sur "What's Going On", transforme son groupe en statue au beau milieu d'une chanson (classique, mais ça marche à chaque fois),... "Est-ce que vous pouvez faire ça ?" demande Ben en claquant des doigts. Réponse (féminine) dans la salle : "Fais-moi ce que tu veux !". Ce qui résume bien l'état d'esprit du public : l'opération séduction fonctionne à la perfection.

Après "Come Home", le groupe sort de scène. Il revient pour un "Petite Soeur" enflammé en rappel. Dernière facétie du chanteur : faire participer le public à une jubilatoire chorégraphie collective. Ben fait durer le plaisir, sort de scène plusieurs fois pour mieux revenir en courant vers son micro. Après de longs remerciements (dont un sympathique petit mot pour les élèves du Collège Camus), le chanteur tire sa révérence, suivi par ses excellents musiciens.

Une chose est sûre : on va se coucher un peu plus soul qu'hier. Affichant une générosité de tous les instants, Ben l'Oncle Soul nous a offert un show exaltant. Le chanteur embrasse la soul avec passion pour mieux la dynamiser, assume à fond son délire rétro et son style vestimentaire complètement décalé, s'amuse des codes du genre avec beaucoup d'humour et ne se prend à aucun moment au sérieux. Mieux : il va chercher le public avec ses tripes, lequel se laisse prendre avec plaisir dans les filets du chanteur.

Lire également la chronique du concert sur Froggy's Delight.