"This Is It" : le dernier Moonwalk de Michael Jackson

Oui, bien entendu : "This Is It" n'est que le début de la longue et lucrative exploitation de la mort de MJ.

Oui, ce film, construit à partir des enregistrements des répétitions à Los Angeles, ne remplacera jamais le concert en lui-même.

Non, il ne consolera pas les fans transis (puis refroidis) qui possédaient un billet pour les shows prévus l'été dernier à l'O2 Arena de Londres. Ni ceux qui espéraient un passage du chanteur dans leur pays.

Oui, on est allé voir le film faute de mieux, pour se donner une idée de ce qu'aurait pu être ce show. Par curiosité.

Oui, on pouvait craindre le pire : du sentimentalisme à l'Américaine, des témoignages de fans inconsolables, ou encore une mise en scène larmoyante des dernières images de Michael.

Rien de tout ça. "This Is It" est avant tout un superbe et émouvant hommage au King Of Pop, d'une élégante sobriété. Il nous montre le chanteur sans fard, dans son élément. Il le révèle tel qu'il est : passionné et passionnant. On découvre un Michael Jackson touchant, en grande forme, et régulièrement impressionnant. On a du mal à l'imaginer dans un cercueil peu de temps après.

En le voyant en action, c'est l'évidence même : à 50 ans, Michael maîtrisait totalement son sujet. Il était le dernier artiste total, un touche-à-tout génial qui savait exactement ce qu'il voulait et qui maîtrisait tous les aspects de son art sur le bout des doigts. Si ses pas de danse n'ont plus tout à fait l'agilité de ses 20 ans, on continue de les regarder bouche bée, avec des yeux d'enfants. Il en est de même de ses performances vocales - quoi qu'en dise Michael (qui répète à qui veut l'entendre qu'il retient sa voix pour l'économiser). Il faut aussi le voir donner ses consignes aux musiciens, diriger ses danseurs, donner son avis sur tout, guider et motiver sa troupe avec virtuosité et une énergie communicative. Le tout avec une douceur et une gentillesse incomparables.

L'admiration que lui voue sa troupe - dévouée corps et âmes - semble sans borne. A ce titre, la scène où Michael répète "Billie Jean" devant un parterre de danseurs en extase est révélatrice de son aura. On prend encore plus conscience de l'impact qu'a eu ce gamin génial coincé dans un corps d'adulte sur plusieurs générations d'ados. Non content d'avoir signé une poignée de singles irrésistibles et deux albums intemporels (Off The Wall et Thriller), il a au passage révolutionné le rapport de la musique à l'image, propulsé les shows musicaux dans une autre dimension, pratiqué avec succès et ingéniosité le mélange des genres musicaux, et prouvé à la terre entière qu'un artiste noir pouvait aussi devenir une pop star. Mieux : la pop star ultime.

Ce besoin viscéral de repousser les limites et de viser la perfection absolue, on le ressent profondément lors de ces répétitions : Michael ne lâche pas sa troupe d'une semelle, la recadre quand il faut, la pousse toujours plus haut. Voir le spectacle prendre forme sous nos yeux est une expérience marquante. Tout transpire ici l'envie de donner et de prendre le maximum de plaisir. Michael, qui nous sert du "God" et du "Love" à la pelle (seul aspect irritant du film), ne ménage pas sa peine en ce sens.

"This Is It" est une bizarrerie cinématographique qu'on regarde avec des étoiles dans les yeux, même si le tableau est noirci par des regrets éternels que plus rien ne pourra combler. Le concert que Michael Jackson et son équipe nous concoctaient s'annonçait grandiose. Le plaisir qu'il y prenait visiblement rend l'issue de l'histoire encore plus triste.

Mettez de côté vos a priori, oubliez l'image de monstre excentrique à laquelle on a trop tendance à réduire Michael Jackson, et courrez voir ce film. "This Is It" permet de rappeler à ceux qui auraient la mémoire courte la sidérante maîtrise musicale de ce prodigieux danseur, qui frôle régulièrement ici le génie à l'état pur. "Qu'est-ce que j'aurais donné pour voir ça !" est la phrase qui nous assaille tout au long du film, à sa sortie, et qui continuera à nous hanter longtemps après encore.

Lire également la critique du film sur Froggy's Delight.

Concerts à venir... Décembre 2009

Pony Pony Run Run le 2 Décembre à la Maroquinerie et le 4 Décembre au Rack'am (Brétigny-sur-Orge - 91)

Magma du 3 au 6 Décembre à l'Alhambra
Maceo Parker le 3 Décembre au Plan (Ris-Orangis - 91)

Naomi Shelton & The Gospel Queens le 4 Décembre à l'EMB Sannois

Mando Diao le 5 Décembre au Bataclan
Hindi Zahra le 5 Décembre au Rack'am (Brétigny-sur-Orge - 91)
Devendra Banhart le 6 Décembre à La Cigale
Yann Tiersen le 7 Décembre à la Maroquinerie

-M- du 8 au 12 Décembre à la Cigale
Julian Casablancas le 8 Décembre au Bataclan
The Asteroids Galaxy Tour le 10 Décembre au Trabendo
Paul McCartney le 10 Décembre au Palais Omnisports de Paris Bercy

Sandra Nkaké le 11 Décembre au Canal 93 (Bobigny - 93)
Julian Plenti le 13 Décembre à l'Alhambra
Piers Faccini le 16 Décembre à la Cigale
Les Wriggles du 17 au 19 Décembre à la Cigale

Antony Joseph & The Spasm Band le 18 Décembre à la Ferme du Buisson (Marne-la-Vallée - )
Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra le 19 Décembre au Zénith
Soulwaxmas : 2Many DJ's (live), Soulwax & others le 23 Décembre 2009 à la Grande Halle de La Villette

Interview Pacovolume (extraits)

Retrouvez l'interview complète sur Froggy's Delight.

Quelque chose d'Edouard Baer, une bonne dose d'humour, beaucoup de simplicité et un vrai enthousiasme : de la cithare vietnamienne à Frank Sinatra, en passant par Pierre Bachelet et Abba, compte-rendu de la petite demi-heure passée en compagnie de Pacovolume.

Comment s'est réalisé l'enregistrement de Manhattan Baby ? Est-ce toi qui a tout joué de A à Z ou as-tu fait appel à d'autres musiciens ?

Alors... tous les musiques, c'est moi qui les ai composées et arrangées. Toutes les notes du disque sont mon travail. Ensuite, j'écris les paroles à deux mains avec Owen Stewart, qui est un très bon ami à moi. On écrit 50% des paroles chacun. Il y a eu également un apport très important de François Chevallier, qui a réalisé le disque. Il a mis beaucoup d'ordre dans les démos que j'avais faites chez moi sur mon home studio. C'était bien d'avoir un regard extérieur d'un professionnel qui est un roi du placement de micro, mais qui sait aussi me dire quand un passage est inutile, ou quand la structure ou le tempo doivent être modifiés. C'est vraiment un album qu'on a fait musicalement à deux avec François. Mais ensuite, il y a d'autres musiciens qui ont participé, notamment Vincent Taeger, qui est l'excellent batteur de Poni Hoax et de pas mal d'autre monde. Je joue beaucoup d'instruments sur le disque, mais si j'avais joué de la batterie, ç'aurait vraiment été une catastrophe parce que je joue comme une saucisse (rires)... Il y aussi une joueuse de cithare vietnamienne (dàn tranh) sur le dernier morceau de l'album.

C'est donc une cithare vietnamienne que l'on entend sur "Discontinued Things"... Je me demandais quel était cet instrument, c'est vrai que le rendu est superbe.
C'est super beau, et ça c'est une idée de François. Voilà l'exemple d'un titre où l'idée d'un réalisateur peut amener le morceau beaucoup plus loin.

C'est vrai que ça propulse complètement la chanson autre part. Mais c'est un sacré pari d'intégrer cet instrument dans une chanson pop...

Oui, ça sonnait même comme un gage. Je t'avoue d'ailleurs que j'y croyais moyennement avant d'avoir essayé. La cithare vietnamienne, c'est un instrument immense et qui n'est pas très connu. Il fait presque 3 mètres de long, il y a des cordes partout... Evidemment, comme à chaque fois que j'ai un instrument nouveau devant moi, j'ai essayé de voir comment ça fonctionne. Mais là je ne comprends pas, j'ai l'impression qu'il faut 1000 ans pour savoir jouer de ce truc. Ou surtout être vietnamien, je pense que c'est aussi une question de culture. Et c'est vrai que je trouve le rendu sur le titre assez magique. C'est d'ailleurs mon morceau préféré sur l'album.

Manhattan Baby laisse percer chez toi un côté perfectionniste et minutieux, soucieux du moindre détail. C'est notamment assez perceptible dans les arrangements.

Je suis en fait un peu tiraillé entre un naturel nonchalant et un besoin de précision. Je peux me satisfaire de certains trucs qui sonnent comme des démos. Par exemple, sur un morceau comme "Judas", qui est une chanson un peu débile avec du charango - la guitare sud-américaine -, il y a ces espèces de synthés chinois qui ne sont même pas dans le temps et qui font des trucs un peu cons, mais moi ça me plaît. D'un autre côté j'ai une vision assez précise de là où je veux aller et comment le morceau doit sonner. Du coup il y a des trucs sur lesquels je n'arrive pas à négocier car ça demande énormément de minutie. Donc il y a à la fois un perfectionnisme et un côté branleur qui me rattrape. Mais c'est vrai que c'est effectivement assez travaillé et précis au niveau des arrangements.

Tu sembles accorder une attention toute particulière à l'image et aux visuels qui t'entourent : les pochettes de l'EP Cookiemachine et de l'album Manhattan Baby sont superbes et très travaillées. Le clip de "Cookiemachine" dégage lui aussi un univers tout particulier.

C'est très important. Quand j'étais gamin, il n'y avait pas internet, donc la seule idée que j'avais de l'artiste c'était en regardant les disques. C'était un espèce de fantasme, essayer de rentrer dans un univers un peu particulier. Je trouve que mes pochettes donnent assez peu d'informations sur moi, alors que bizarrement je suis en photo un peu partout dans le disque. Il y a des choses assez contrastées, beaucoup de couleur, notamment dans le clip où il y a des oppositions entre un Paris très très gris limite chiant et des couleurs qui me suivent partout. Tout ça a été fait avec Romain Chassaing, c'est lui qui m'a pris par la main, et c'est lui qui s'occupe de tous les visuels sur cet album. Il y a eu de très longues conversations au café sur ce que l'on voulait faire, mais au final c'est lui qui a donné cette interprétation du disque. C'est très dur de trouver une image qui colle avec 12 morceaux qui n'ont pas forcément tant de rapports que ça entre eux, même s'il y a de la cohésion et de l'unité dans le disque.

Sur l'album, on sent un goût prononcé pour les sonorités acoustiques, notamment la guitare, qui occupe beaucoup de place. C'était un choix évident pour toi ?
C'est une volonté, oui, même si je pense que je ne le ferai pas à chaque disque. J'aime beaucoup la guitare, mais juste pour son rôle rythmique. Sur le disque, on n'a pas du tout recherché le meilleur son de guitare, ce sont des guitares acoutiques qui sonnent très "sec". On recherchait un truc assez énervant et qui fait tracer le morceau. Au final, tu entends un truc comme "tchikitchikitchi..." (il mime) qui peut être assez énervant, et moi la pop j'aime bien quand il y a un côté presque irritant. Il ne faut pas dépasser la limite, mais cette guitare qui fait "tchakatchakatcha" (il re-mime), ça a presque une fonction de maracas. Ce n'est plus vraiment un rôle de guitare, il n'y a pas de riff à proprement parler. J'aime beaucoup les guitares acoustiques pour l'énergie que ça déploie et le balancement que ça créé. Sur ce disque-là, ça relève davantage de la recette, j'ai mis volontairement beaucoup de guitares acoustiques qui vont très vite.

Sur le Cookiemachine EP, on sent pointer un univers musical plus diversifié que le laisse suggérer l'album, avec des harmonies vocales et quelques influences soul sur "Watching Las Vegas". Il y a également des touches électro et funk sur la version alternative de "Manhattan Baby" et sur "Dance The Night Away", où l'on sent que Prince, entre autres, t'a marqué. Est-ce une direction musicale que tu aimerais creuser dans le futur ou penses-tu rester fidèle à la pop acoustique de ce Manhattan Baby ?

C'est délicat. Le style musical, je le vois de façon assez pragmatique. Pour moi, c'est une façon d'habiller les chansons. N'importe quel morceau peut être jouer en reggae ou en club. A un moment "T", je l'entends comme ça. A la guitare acoustique, "Dance The Night Away" est un morceau qui ressemble beaucoup aux autres. J'aurais vraiment voulu l'intégrer au disque, mais pour des histoires de cohérence dans l'album, ça ne collait pas. Avec François on a fait un paquet de tracklist, elle ne rentrait pas. C'était une surprise de voir qu'elle ne finirait pas sur le disque final. Mais c'est vrai que ça m'a montré que j'étais capable de faire aussi un morceau dans ce style. Après, Prince, évidemment, je l'ai écouté toute ma vie. Mais les gens que j'ai vraiment écouté, ce ne sont pas eux qui ressortent dans ma musique. C'est assez particulier, mais ce n'est pas plus mal. Par contre, je me rends compte de plus en plus qu'il y a des influences hyper craignos qui interviennent dans mon travail (rires). Par exemple, Pierre Bachelet, cet espèce de truc qui remonte à la fin de chaque phrase (il chante). Bon, le texte ce n'est pas ça, mais par exemple dans "Ordinary Life", il y a un refrain qui fait "You're climbing up the wall about the telephone " (il chante en glissant vers le haut à la fin de "telephone"). Cette note qui ne veut rien dire et que tu ne peux même pas mettre sur partition, je suis sûr que c'est Pierre Bachelet (rires) ! J'ai dû entendre ça gosse, et voilà. Donc c'est marrant : il y a les influences choisies - j'aime beaucoup Prince par exemple, j'ai pratiquement tout et je me fais encore avoir chaque année, je rachète des disques et c'est nul (rires). Et je continue parce que je suis un peu maso -, et il y a ces influences subies, que je ne maîtrise absolument pas et qui sont prégnantes dans ma musique.

Je décrirais Manhattan Baby comme un album à la mélancolie ensoleillée : ce côté un peu triste avec plein d'accords mineurs et des arrangements qui apportent plein de couleurs.

C'est pile poil ce que je voulais faire, donc je suis ravi de te l'entendre dire ! En plus, c'est bien parce que tu me donnes des phrases que je pourrai réutiliser dans les promos (rires). Oui, c'est ça. C'est ce que j'ai essayé de faire en tout cas et c'est souvent ça que j'aime dans la musique. Il y a un morceau de Cure qui dit "Tu danses avec les larmes dans tes yeux". Je ne suis pas du tout fan de disco, je dois avoir un best of de Chic quelque part, ce qui est déprimant d'ailleurs. Je n'ai rien en disco et je m'en fous un peu. Mais il n'empêche que la disco, c'était des accords mineurs et ça fait vraiment danser. Il y a une sorte de profondeur là-dedans, même dans les chansons d'Abba, tu te dis "tout va bien, je danse, mais en même temps je ne sais pas trop pourquoi je danse parce que ça ne va pas trop trop"... C'est un truc qui me fascine et je crois, sans vouloir faire mon musicologue à deux balles ni sortir de grandes théories, parce que c'est quand même une interview - si on était au bar je partirais dans de grands discours... Mais en gros, je pense qu'il faut de la mélancolie et de la tristesse pour faire un morceau qui te fait sentir bien. Par exemple "Chihuahua", ça ne me fait rien. Michael Jackson était très bon pour ça. Je ne suis pas super fan, mais il y a pas mal de ses morceaux où il y a une part d'ombre.

On remarque des ressemblances avec Pulp, surtout sur "Ordinary Life". Ce groupe et toute la pop anglaise des années 90 (Blur, Supergrass,...), c'est une influence importante pour toi ?

Pulp, je connais très peu. Mais oui, j'écoutais tous ces groupes anglais à bloc quand j'étais au lycée. Pulp, je connais surtout les textes. Il y a plein d'albums que je ne connais pas vraiment. Mais dans l'écriture, c'est magistral, ça fait partie des plus grands textes.

Y a-t-il un artiste ou un groupe essentiel dans ta vie qui t'a donné envie de devenir chanteur ?

Oui : Frank Sinatra. C'est lui qui m'a donné envie de devenir chanteur. La musique, j'en faisais depuis que j'étais tout petit. C'est assez marrant d'ailleurs, parce que je suis le petit dernier dans ma famille. Ma grande soeur a voulu faire du piano, mes parents ont trouvé un piano et l'ont inscrite à des cours. Tout allait bien sauf qu'elle était nulle et qu'elle se foutait du piano. Donc elle a arrêté et s'est mise au tennis. Ensuite, mon grand frère, qui a 4 ans de plus que moi, a voulu absolument faire du saxophone. On lui a trouvé un saxophone, il a pris des cours, et très vite il a arrêté et a joué au tennis. Et moi j'arrive le dernier, en disant "oui, attention, moi je veux vraiment faire de la musique", et on me passe un raquette (rires)... C'est véridique. Donc du coup je me suis quand même retrouvé dans une maison avec des instruments, et je suis venu assez rapidement à la musique. Le chant, je m'en foutais complètement jusqu'à l'âge de 15-16 ans, où j'ai vu Frank Sinatra à la télé. Je me suis dit "putain, ça a l'air pas mal sa vie, on a l'air de bien lui foutre la paix à Frank". Il avait un timbre de voix mortel, une espèce de facilité qui faisait rêver. C'était un de mes fantasme un peu débile d'ado : bien habillé, chanter ses trucs, tout a l'air de baigner, le rat pack, tous ces trucs,... J'imaginais les grandes bouffes, le verre de whisky sur le piano,... C'est idiot mais je me suis dit que je ferais bien ça. J'étais déjà content de faire de la musique, mais le fait de chanter, c'est Frank Sinatra. Alors maintenant, ma vie est très loin de la sienne, et je n'aurai pas le même truc que lui. Je n'aspire pas à être comme Dany Brillant. Mais c'était la première fois où je me suis dit "tiens, ça c'est une vraie proposition de vie". Merci Franky.

Interview réalisée pour Froggy's Delight.

Concerts à venir... Novembre 2009

Wax Taylor les 2 et 3 Novembre au Bataclan
Motörhead le 4 Novembre au Zénith
Gong le 4 Novembre au Bataclan
Pacovolume le 5 Novembre au Café de la Danse
Jerry Lee Lewis & Family le 5 Novembre au Grand Rex
Fredo Viola le 5 Novembre à La Cigale
Arctic Monkeys et Eagles Of Death Metal les 5 et 6 Novembre au Zénith
Ebony Bones le 6 Novembre à La Cigale
Diving With Andy les 6 et 7 Novembre à l'Européen
Montgomery (ciné concert "Mad Max") le 7 Novembre à La Maroquinerie
Amanda Blank le 7 Novembre à La Boule Noire
Massive Attack les 10 et 11 Novembre au Zénith
Pacovolume, Jil Is Lucky et You & You le 10 Novembre à La Clef (St Germain en Laye -78)

Kings Of Convenience le 11 Novembre au Bataclan
Rodrigo Y Gabriela le 12 Novembre au Casino de Paris
Calvin Harris le 12 Novembre à l'Elysée-Montmartre
Andrew Bird le 13 Novembre au Casino de Paris

General Elektriks le 13 Novembre à l'EMB Sannois (95)
Herman Düne & Friends le 15 Novembre à La Cigale
Gossip du 15 au 17 Novembre 2009 au Bataclan
Eiffel le 17 Novembre à La Cigale et le 18 Novembre au Bataclan
Patrick Watson & The Wooden Arms le 18 Novembre à La Cigale
Monsters Of Folk (M.Ward, Conor Oberst et Jim James) le 18 Novembre à l'Elysée-Montmartre Concert Annulé
Grizzly Bear le 21 Novembre à La Cigale
Chinese Man le 21 Novembre à l'Elysée-Montmartre
Rickie Lee Jones le 24 Novembre à Bambino
Franz Ferdinand le 26 Novembre au Zénith
Wild Beasts le 27 Novembre au Point Ephémère
Hindi Zahra le 27 Novembre au Rack'am (Brétigny-sur-Orge - 91)
Sammy Decoster et Revolver le 28 Novembre au Sax (Achères - 78)
Hugh Coltman le 28 Novembre à La Cigale
Yodelice les 30 Novembre et 1er Décembre à La Cigale
The Horrors le 30 Novembre au Trabendo

Pacovolume "Manhattan Baby"

Quelques mois après le EP CookieMachine, Pacovolume sort son premier album, Manhattan Baby. Lequel est à coup sûr l'un des tous meilleurs disques français de cette rentrée. C'est frais, c'est léger, c'est pop, et le tout dégage beaucoup de charme. Pacovolume, songwriter oenologue au parcours atypique, n'est pas pour ainsi dire un inconnu puisqu'il était déjà présent sur la compilation CQFD 2007 des Inrocks (pour la chanson "CookieMachine").

On découvre un univers bouillonnant aux influences anglo-saxonnes parfaitement assumées, avec beaucoup de guitare acoustique, un accent anglais sans tache, des ritournelles mélancoliques mais sans lourdeur et un vrai sens de la mélodie. Chaque titre impose un univers particulier, les arrangements sont recherchés et colorés (des cuivres, quelques claquements de doigt et un peu d'électro sur "4th Street Approximately", un ukulele, quelques touches de xylophone et des choeurs qu'Elliott Smith n'aurait pas reniés sur la magnifique "Judas", de splendides cordes indiennes sur l'ultime "Discontinued Things", ici et là des claps de main, des carillons, des claviers, des cordes,...). On sent percer le perfectionnisme de Pacovolume : rien n'est laissé au hasard sur ce disque. Même la très belle pochette attire l'oeil et éveille la curiosité.

Au petit jeu des influences, il apparaît que le multi-instrumentiste français a beaucoup de goût : il y a du David Bowie ("CookieMachine"), du Jarvis Cocker ("Ordinary Man") et du Win Butler ("Wolves") dans sa voix. On songe aussi à la B.O. de Once ("Tony Orlando and the Fantastic Five"). Son chant, gorgé de ferveur, développe un phrasé entraînant, ses refrains donnent des ailes : Pacovolume dispose indéniablement d'un vrai talent pour tisser des pièces pop.

A l'écoute de la très belle "Girl In The Choir" on manque de s'étrangler, mais non, on ne se méprend pas : il y a bien quelque chose en elle de Tennessee. Comme tout premier disque, Manhattan Baby charrie son lot de défauts : il manque notamment un ou deux singles évidents qui tireraient l'album vers le haut. On peut aussi déplorer quelques passages moins intéressants ("A Minor Peace", "Tony Orlando and the Fantastic Five") et un jeu de guitare parfois prévisible. Pacovolume flirte par moments avec la grandiloquence mais sans jamais franchir la limite. Il évite avec habileté bien des écueils et démontre une vraie maturité dès son premier essai.

Ainsi, ce premier album dégage plein de charme malgré ses légers défauts. Manhattan Baby, à la pop raffinée de bout en bout, est un disque rond et chaud, à la mélancolie ensoleillée. A l'image du clip chamarré de "Cookie Machine", la musique colorée de Pacovolume s'avère être le parfait remède à la grisaille et aux premiers froids de l'automne. Les bons albums pop français ne sont pas légion, réjouissons-nous d'avoir trouvé là un candidat sérieux et doué.

Lire également la critique de l'album sur Froggy's Delight.

Wax Tailor "In The Mood For Life"

En l'espace de deux albums malins et rafraîchissants (Tales Of The Forgotten Melodies en 2005, Hope & Sorrow en 2007) et une participation à la B.O. de Paris ("Seize The Day", véritable bijou), Wax Tailor a imposé un style, au croisement des chemins du hip-hop, de l'électro, du down tempo, du trip-hop et de la pop. Son succès au-delà de nos frontières a ouvert une brèche, et ce brassage des genres a trouvé écho en France chez Sporto Kantès et General Elektriks, qui ont fait évoluer la formule vers d'autres directions.

Wax Tailor a trouvé sa voie avec son splendide premier album Tales Of The Forgotten Melodies (qui comportait les magnifiques "Que Sera", "Our Dance", "How I Feel" et "Walk The Line") puis étoffé son style sur le second (Hope & Sorrow), qui pointait déjà quelques limites malgré des titres excellents ("The Games You Play", "Positively Inclined", "The Man With No Soul" et "To Dry Up"). Il confirme avec son nouvel opus tout le bien que l'on pense de lui, sans toutefois parvenir à gommer les faiblesses déjà entrevues par le passé.

Sur ce In The Mood For Life au titre clin d'oeil à Wong Kar Wai, il n'y a pas vraiment de surprise ni de nouveauté : Wax Tailor fait du Wax Tailor. Le résultat est très bon, et il prouve une fois de plus qu'il n'a pas son pareil pour mixer habilement les genres. Mais les disques du DJ français se suivent et se ressemblent, et c'est bien là le problème. Mêmes fulgurences géniales, mêmes sonorités, même défauts : l'effet de surprise est retombé et on aimerait le voir prendre un peu plus de risques.

On retrouve une nouvelle fois ici une ribambelle de collaborateurs venus poser leur flow sur la bande, qu'ils soient de nouveaux venus (le suédois Speech Defect sur l'entraînante "B Boy On Wax", la chanteuse soul anglaise Dionne Charles sur "Leave It", d'inspiration Motown, Charlie Winston, qui s'en sort avec les honneurs sur "I Own You") ou des fidèles de la première heure (l'envoûtante Charlotte Savary qui apparaît sur quatre titres, et Mattic). Ils apportent tous une touche personnelle au hip-hop orchestral et mélancolique du français. In The Mood For Life propose des arangements méticuleux où la flûte traversière, le violoncelle, les scratchs, samples et bouts de dialogues cinématographiques jouent souvent les premiers rôles, comme c'était déjà le cas sur les précédents disques. Le résultat se révèle coloré, aérien, enthousiaste, et sans doute moins sombre qu'à l'accoutumée.

Il y a beaucoup à se mettre sous la dent sur ce troisième disque. Peut-être même trop (51 minutes, 19 titres et de nombreux intermèdes) : Wax Tailor gagnerait à être moins bavard, à distiller avec davantage de parcimonie ses interludes urbains et ses passages de films qui sont certes sa marque de fabrique, mais alourdissent l'écoute et donnent un côté fouillis à l'ensemble. On apprécie davantage ses titres rythmés et dansants que ses compositions down tempo ("Go Without Me", "Dragon Chasers", "Fireflies"). Le constat reste le même que sur ses deux précédents albums : bien que porté par quelques chansons de très haute volée ("B Boy On Wax", qui a de faux airs de "Positively Inclined", "No Pity", "Leave It", "Sit And Listen", "Say Yes",...), on reste un peu sur notre faim. Pourtant, même si In The Mood For Life ne comporte pas de titres du niveau de "How I Feel" ou "Que Sera", c'est peut-être le disque le plus cohérent de Wax Tailor. Mais on sait qu'il peut faire encore beaucoup mieux.

Lire également la critique de l'album sur Froggy's Delight.

The Asteroids Galaxy Tour "Fruit"

Ne surtout pas se fier à l'hideuse pochette SF du disque, comble du mauvais goût : ce duo venu du froid (Danemark) mérite le détour. On plonge avec délice dans leur Fruit, disque de pop haut en couleurs, à la fois funky, psychédélique, groovy et sucré. Deux singles énormes et sautillants ("Around The Bend", bande son d'une pub pour iPod et "Lady Jesus"), des rengaines accrocheuses à défaut de faire preuve d'originalité ("The Sun Ain't Shining No More", "Push The Envelope", "Satellite", "The Golden Age") : The Asteroids Galaxy Tour sont parfaitement dans l'air du temps et le succès les guette à coup sûr.

Outre le monde sonore foisonnant construit autour de leurs chansons, la principale qualité du duo, c'est le chant étonnant de la chanteuse, Mette Lindberg. Il évoque à la fois les intonations haut perchées de Olivia Bouyssou Merilahti, chanteuse franco-finlandaise de The Dø (c'est même flagrant sur l'insipide "Hero") et les feulements sensuels de Nina Person (chanteuse de The Cardigans et de A Camp, son projet solo). On songe aussi parfois à Shirley Manson (Garbage) pour son côté animal. C'est que la voix de Mette Lindberg dégage quelque chose de suave et sensuel : on l'imagine aisément dans la peau d'une redoutable tentatrice. On regrettera juste ses penchants pour la minauderie.

Les trois derniers titres sont purement anecdotiques et en-deça du niveau des autres morceaux. Mais le temps de sept chansons, The Asteroids Galaxy Tour (vraiment étrange ce nom de groupe) nous ont montré qu'ils avaient plus d'un tour pop dans leur manche. Ils pondent avec Fruit un premier album encourageant aux refrains accrocheurs quoique trop répétitifs. Reste à savoir si les danois sauront élever le niveau par la suite et produire des chansons aux strucutres plus étoffées et aux mélodies plus recherchées. Ce serait préférable, car le charme d'un premier album fait qu'on l'écoute souvent avec plus d'indulgence. Mais si leurs compositions sont certes encore un peu trop légères pour les prendre complètement au sérieux, c'est frais, agréable à écouter et prometteur. On ne peut pas en dire autant de nombre de groupes, donc c'est toujours bon à prendre.

Lire également la critique de l'album sur Froggy's Delight.

Kasabian "West Rider Pauper Lunatic Asylum"

Et si après tout Kasabian, vilain petit canard du rock anglais qu'on raillait avec un malin plaisir, était un (très) bon groupe ? Une formation capable de rivaliser avec les ténors actuels du rock ? La question se pose désormais. Si on se veut de bonne foi, on dira qu'ils ont été occasionnellement bons par le passé, notamment sur leur premier album éponyme ("L.S.F.", "Club Foot", "Reason Is A Treason") avant de verser complètement dans l'indigeste avec un second album ampoulé (Empire). Pour ne rien arranger, leurs prestations live laissaient sérieusement à désirer et Kasabian traînait à raison une réputation de poseurs. Leur air de branleurs suffisants était en effet proprement insupportable (Oasis avaient les chansons qui allaient avec, à l'époque). Bref, la bande de Leicester était bien partie pour être notre tête de turc ad vita aeternam. Et ça nous convenait totalement tant ils avaient le profil parfait du groupe tête à claques. Oui, mais voilà : il viennent de sortir un album grandiose, ce West Rider Pauper Lunatic Asylum qui nous laisse pantois. Et ça change tout.

Ce troisième disque regorge de petites bombes, à commencer par "Where Did All The Love Go" et "Fire", dont les refrains nous collent à la peau comme des sangsues. On ne se rappelle pas avoir écouté chansons aussi excitantes depuis le dernier Eagles Of Death Metal. La première surprise, c'est que même s'ils ne sont toujours pas de grands compositeurs, les deux leaders (Tom Meighan au chant et Sergio Pizzorno à la guitare) arrivent enfin à écrire des chansons là où ils se contentaient auparavant d'aligner les riffs pompeux et répétitifs. Seconde agréable nouvelle : la voix du chanteur, aux tics honteusement pompés sur Liam Gallagher, ne fait plus grincer des dents. On avouera même (du bout des lèvres) qu'il chante ici très bien. Troisième scoop : les titres de Kasabian, plus pop que jamais, ont désormais des teintes psychédéliques. Rien ne laissait présager que ces bourrins seraient un jour capables de tant de subtilité. Par magie, l'âne bâté est devenu pur-sang. Et pour couronner le tout, West Rider Pauper Lunatic Asylum est splendidement produit.

C'est simple : les trois-quart des titres sont formidables. Ca commence sur un riff énorme, ce "Underdog" à décorner les boeufs. On enchaîne avec "Where Did All The Love Go", assurément LE tube de l'été et un des tous meilleurs titres écoutés cette année. Qui, en 2009, est encore capable de mélanger avec cette insolente réussite guitare acoustique, mélodie pop étourdissante, cordes arabisantes, basse lourde et beats electro ? Par les temps qui courent, les chansons pop de ce niveau et aussi efficaces - dès la première mesure, notre corps entier devient incontrôlable - se comptent sur les doigts de la main. "Fast Fuse" sonne comme une version speedée et mature de "Club Foot". Tout ça est impressionnant de maîtrise et il est difficile de se remettre de ce départ en trombe.

Mais la suite de l'album n'est pas en reste : "Take Aim" renverse les shémas habituels du groupe, qui n'a jamais sonné aussi organique (la guitare acoustique, les cuivres). "Thick As Thieves" montre que les anglais peuvent se muer en songwriter doués et que Tom Meighan a enfin appris à chanter. "West Rider Silver Bullet" ne ressemble à rien de ce qu'a pu faire Kasabian auparavant. Nappes de cordes fluctuantes, riff minimaliste et menaçant, mélodie recherchée, batterie lancinante, coeurs aériens : on se croirait chez Ennio Morricone. Après un léger coup de moins bien, les deux derniers titres viennent raviver le feu sacré : "Fire" donne envie de bondir partout comme Roger Rabbit sur son lit ("mille et un, mille et deux..."). Le motif de guitare sautillant et le refrain sont tout simplement irrésistibles. "Happiness" clôt ce petit chef d'oeuvre de pop psyéchédélique par un moment de douceur et de mélancolie encore une fois surprenant de réussite. On croirait même entendre du Blur.

On est quand même embêté de dire autant du bien de West Rider Pauper Lunatic Asylum, car avec cet album, les Kasabian vont se croire encore un peu plus les rois du monde. On reconnaîtra que ça se justifie mieux à présent. Kasabian s'est sacrément creusé la tête sur ce disque et le résultat est à la hauteur de leurs efforts. Désormais, ils tiennent le haut du pavé et Arctic Monkeys trouve là un rival insoupçonné. Reste à savoir si ce disque permettra de relever le niveau de leurs pataudes prestations scéniques.

Arctic Monkeys "Humbug"

Les années passent et Alex Turner continue de pondre les albums à un rythme effréné (quatre en trois ans en comptant The Age Of The Understatement des Last Shadow Puppets) tout en mettant la barre un peu plus haut à chaque fois. Après la splendide réussite de son projet en compagnie de Miles Kane (chanteur du groupe anglais The Rascals) l'an dernier, l'attente concernant ce nouveau Arctic Monkeys était énorme. On n'est pas déçu. De l'eau a coulé sous les ponts depuis 2006 : les ados boutonneux et impertinents de Whatever People Say I Am, That's What I'm Not sont désormais de jeunes hommes. Ce qui se traduit par plus d'assurance et de maîtrise, plus de prises de risques, plus de puissance, plus de cheveux, plus... de tout, en fait.

Pendant l'année écoulée, les quatres singes grand-bretons ont musclé leur jeu, aidés en cela par un Josh Homme (Kyuss, Queens Of The Stone Age, Eagles Of Death Metal, Them Crooked Vultures) peu enclin d'habitude à endosser le rôle de producteur pour un autre groupe que le sien. L'habitué James Ford (déjà aux manettes sur Favourite Worst Nighmare et The Age Of The Understatement) complète la fine équipe. Cette virée dans le désert californien a semble-t-il débridé le groupe et donné un coup de fouet à sa créativité.

Certes, le son d'Arctic Monkeys reste immédiatement identifiable. Il n'y a pas de changement en profondeur, les quatre lads de Sheffield ne se sont pas découvert une vocation pour la musique traditionnelle tibétaine. Mais sous la houlette du King Of The Stone Age, ils ont opéré un ravalement de façade. On retrouve les mêmes ingrédients (la gouaille jubilatoire d'Alex Turner et son jeu de guitare si particulier, l'abattage impressionnant de la batterie, les riffs de guitare martelés) mais réassaisonnés à la sauce piquante ("Crying Lightning", "Dangerous Animals", "Potion Approaching").

La nouveauté, c'est donc ce son plus rugueux, plus agressif. Mais ce renouvellement est davantage une évolution naturelle : le groupe grandit et explore de nouvelles voies. L'autre confirmation, ce sont les aspirations pop de plus en plus affirmées de son leader. L'escapade des Last Shadow Puppets semble avoir libéré Alex Turner, qui s'affirme un peu plus à chaque album comme un songwriter accompli ("Secret Door", "Cornerstone", "Fire And The Thud").

Humbug n'accuse aucune faiblesse et reste passionnant de la première à la dernière note. "Secret Door" est à cette heure la meilleure chanson jamais écrite par le groupe, avec une mélodie à faire fondre les coeurs les plus insensibles et de superbes arrangements de cordes. Ils ont réussi à trouver ici la parfaite alchimie entre l'entrain, l'évidence et la superbe de "Fluorescent Adolescent" et la grâce, la légereté et la sensibilité d'"Only One Who Knows". "Cornerstone" est de la même veine et montre également les bienfaits de la parenthèse Last Shadow Puppets. Il y a fort à parier que les refrains de "Crying Lightning" et "Dangerous Animals" risquent de faire tourner plus d'une tête. "Potion Approaching", "Dance Little Liar" et "Fire And The Thud" nous donnent l'impression d'être projeté en plein western. L'air du désert semble leur avoir donné des (bonnes) idées. Le disque se finit par "Pretty Visitors", de facture plus classique et "The Jeweller's Hands", délicieuse curiosité qui prouve que les anglais ont bel et bien franchit une étape et jouent à présent dans la cour des grands.

Arctic Monkeys tient là un petit bijou et prouve qu'il mérite sa place au sommet de la hiérarchie Rock des années 2000. A ce niveau-là, les groupes capables de suivre la cadence ne sont pas légion. La formation d'Alex Turner s'impose comme LE groupe le plus excitant actuellement, ne serait-ce parce que pour une fois, on se demande jusqu'où ils pourront aller.

Lire également la critique de l'album sur Froggy's Delight.

Julian Plenti "Julian Plenti Is... Skyscraper"

Si l'écoute de ce disque vous donne des airs de déjà vu, c'est que Julian Plenti n'est autre que le pseudonyme utilisé par Paul Banks - chanteur d'Interpol - pour son premier album solo. A l'image de Thom Yorke et de son Eraser, et comme 80% des Strokes (dernier en date, et pas des moindres : Julian Casablancas, dont l'album solo Phrazes For The Young sortira prochainement), Julian Plenti is... Skyscraper ressemble fort à une évasion solitaire à mission salutaire. Traduction : "prenons temporairement le large afin d'éviter l'implosion".

Il est fort à parier que la génèse de ce disque trouve sa source dans les soubresauts qui animent régulièrement la vie interne d'Interpol, groupe qu'on annonce régulièrement au bord de la rupture. Les albums solo sont l'occasion pour un chanteur, libéré des contraintes et des concessions de son groupe, de laisser libre cours à son inspiration et à ses obsessions. C'est humain, mais il est rare que cela donne de grands albums. Ils permettent souvent de vérifier l'adage selon lequel on est toujours plus fort à plusieurs que tout seul. Dans un groupe, chacun a son opinion, et les inévitables prises de bec sont la plupart du temps productives musicalement parlant. Pas nécessairement bénéfiques aux relations entre les musiciens, il est vrai. Mais ces divergences permettent avant tout d'éviter la crise de mégalomanie galopante qui menace tout leader de formation rock (Axl Rose, si tu m'entends...).

Ainsi, Julian Plenti is... Skyscraper ne déroge pas à la règle, mais offre davantage qu'une honnête compilation de Faces B d'Interpol. Certes, mis à part la fragile et émouvante "No Chance Survival", parcourue par des arpèges de guitare aériens, rien d'exceptionnel à se mettre sous la dent. Rien de comparable non plus à Antics (le chef d'oeuvre du groupe New-Yorkais), si ce n'est l'explosive "Games For Days", chanson qui se rapproche le plus de l'univers du groupe. Et pourtant, cet album mérite que l'on s'y attarde et qu'on tende l'oreille d'un peu plus près.

La nouveauté, c'est l'air frais qui souffle dans les compositions de Paul Banks. Elles respirent et laissent place à de nouvelles sonorités (arragements de cordes, guitares acoustiques, plans de synthé discrets, touches délicates de piano). Il se permet même une chanson gaie ("Unwind"). On rassure les fans : l'ensemble reste tout de même sombre et mélancolique, on ne se refait pas. Mais Paul Banks arrive enfin à se détacher de ses sempiternelles influences (Joy Division) et ouvre peut-être une nouvelle voie pour son groupe, plus délicate et diversifiée.

Il faut donc prendre Julian Plenti is... Skyscraper pour ce qu'il est : un disque très agréable à écouter, le témoignage sincère d'un songwriter crédible qui se sent à l'étroit dans les costumes noirs de son groupe. C'est en tout cas autrement plus intéressant que le premier album solo de Jason Lytle, qui semble avoir bien du mal à se remettre du split de ses Grandaddy. Si vous êtes convaincu par le disque, vous pourrez tenter l'aventure en live le 13 décembre prochain à l'Alhambra.

Lire également la critique de l'album sur Froggy's Delight.