Maceo Parker (Le Plan, Ris-Orangis, 3 Décembre 2009)

James Brown, George Clinton, Bootsy Collins, Prince : les noms prestigieux avec lesquels Maceo Parker a écumé les salles de concert au cours de sa carrière donnent des étincelles dans les yeux et placent un peu mieux le personnage.

Maceo Parker en impose. Par son parcours et sa virtuosité au saxophone. Cela saute aux yeux : nous avons affaire à un musicien à l'expérience immense et au bagage exceptionnel. Malgré les milliers de concert qu'il a déjà donnés, il poursuit sans relâche sa mission : donner et prendre du plaisir sur scène. Et ça marche : pendant près de 3 heures, il a délivré un set hautement funky maîtrisé de bout en bout.

L'ambiance, un peu retenue dans la salle au début, s'est progressivement réchauffée, le public se lâchant au fur et à mesure. Maceo nous a averti au début du concert : "le jazz, c'est pour lire le journal, nous, on fait du funk !". Une façon de replacer les débats : ce soir, c'est groove à tous les étages ! Servi par une section rythmique en béton armé, un guitariste et un bassiste à l'aisance déconcertante, un clavier imperturbable, un trompettiste et un trombone géniaux, Maceo joue sur du velours. Seuls les choristes (dont le fils de Maceo) sont un peu en retrait. Ce qui impressionne le plus, c'est la facilité apparente des musiciens. Tout est remarquablement en place, ils jouent juste, se trouvent les yeux fermés et sont rythmiquement imperturbables : l'unisson est parfait entre les cuivres, il n'y a pas une croche qui dépasse, pas un demi-soupir oublié. Ce soir, les fausses notes vont être rares...

Maceo sait également être un chanteur étonnant, tout en ruptures, avec un phrasé rythmé très inspiré d'un certain James Brown. Il fera d'ailleurs des clins d'oeil réguliers au Godfather ("Papa's Got A Brand New Bag" notamment) puis à Ray Charles ("What I'd Say"). Le concert atteint les deux heures sans que l'on s'en rende compte, jusqu'à ce que Mr.Parker joue les prolongations pour un rappel de presque une heure. L'envie de faire durer le plaisir est très compréhensible, mais là, trop c'est trop : après la 20ème présentation de son groupe et le 50ème "WE love YOU !" adressé au public, les musiciens se retirent.

Nous retiendrons donc de ce show ses très bonnes deux premières heures. Le rappel sentait un peu le réchauffé, mais qu'importe : Maceo Parker et sa troupe nous ont donné ce soir une leçon de funk en bonne et due forme.

Lire également la chronique du concert sur Froggy's Delight.

Ed Laurie "Small Boat Big Sea"

Clairement, l'écoute de Small Boat Big Sea partage : le premier album de l'anglais Ed Laurie se révèle tout à la fois réjouissant et agaçant.

Le chanteur y délivre une douzaine d'agréables folk songs, sympathiques à l'écoute mais inégales, aux influences racées mais trop évidentes, et qui bien souvent s'étirent en longueur. Dès les premiers accords entrelacés d'"Albert", on pense immédiatement à Ray La Montagne. Sur "Small Boat Big Sea", à Hugh Coltman. Et sur le reste de l'album, à Andrew Bird. On imagine également que certaines parties de guitare ne déplairaient pas non plus à Devendra Banhart. Les références ont beau être élogieuses, elles se voient comme le nez au milieu de la figure. Cela fait désordre et enlève du caractère à l'album.

Si l'on arrive à passer outre, on découvrira quelques très bons moments de mélancolie feutrée, à écouter au coin du feu. Les meilleurs titres du disque semblent avoir été composés en apesanteur ("Albert", "Small Boat Big Sea", "Andalucia"). Point de surenchère ici : à peine quelques arrangements de corde par-ci par-là, quelques touches de piano, un peu de batterie. Les titres sont centrés sur leur squelette, une guitare et une voix, ce qui leur donne un aspect brut très plaisant.

Il y a plein de bonnes idées ici, des arpèges de guitare accrocheurs, de très belles mélodies, une voix au grain profond qui charme immédiatement,... Mais bien souvent, l'enthousiasme initial retombe au fur et à mesure que la chanson avance. La faute à des titres trop linéaires et sans grande surprise.

Ainsi, malgré toutes ses indéniables qualités, Small Boat Big Sea reste un premier essai partiellement réussi. Prometteur, mais au songwriting encore perfectible et qui gagnerait à prendre de la distance avec ses sources d'inspiration. Car - et c'est là où le bât blesse - le sentiment qui prédomine ici est qu'on a déjà entendu la même chose, et en mieux. Il n'en reste pas moins qu'Ed Laurie signe là un album très honorable et largement supérieur à la moyenne de ce qui nous a est habituellement offert d'écouter.


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Julian Casablancas "Phrazes For The Young"

Avouons-le tout de suite : si l'on se réjouit de retrouver le beau gosse des Strokes derrière un micro, on doit concéder que ce Phrazes For The Young n'est pas exactement à la hauteur de nos attentes. S'il n'avait été signé Julian Casablancas, on aurait pu se contenter d'une étiquette "premier album prometteur". Mais quand on parle du chanteur des Strokes en personne (rock star en chef des années 2000), on ne peut qu'être plus exigent. Et donc rester sur sa faim.

Premier problème : les chansons, trop bavardes, sont presque toutes construites sur le même schéma. On reste également perplexe quant à l'omniprésence de synthés très eighties. On aurait aimé davantage de guitares (quasi absentes du disque, si ce n'est sur "River Of Brakelights", le titre le plus "Strokesien" du disque). L'homme cherche clairement à se démarquer du son des Strokes, mais on n'approuve pas vraiment.

Fort heureusement, le New-Yorkais démontre une fois encore un vraie science des refrains qui sauve certaines chansons, mais rien n'y fait : ça ne décolle pas. L'album n'est pas désagréable à écouter, il comporte même quelques titres assez efficaces ("Out Of The Blue", "Left & Right In The Dark", "11th Dimension", "River Of Brakelights") et la voix éraillée de Casablancas fait régulièrement mouche. Mais on va se presser de ranger le disque dans l'étagère et de passer à autre chose dès la dernière note retombée.

Ce Phrazes For The Young confirme l'éparpillement de Strokes pas franchement bien en point (depuis First Impressions Of Earth, quatre des cinq membres sont allés de leur escapade solo). Il nous fera distraitement patienter jusqu'à la livraison de leur nouvel opus, que l'on attend comme le messie et que l'on espère donc autrement plus réussi. Les 5 New-Yorkais ne nous ont jamais déçus à ce jour et nous croisons les doigts pour qu'ils continuent de nous épater. Au vu des dissensions qui minent le groupe et freinent l'avancée du nouvel album, c'est loin d'être gagné.

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Richard Hawley "Truelove's Gutter"

Chants d'oiseaux, ambiance crépusculaire, arpèges de guitare délicats : dès le premier titre - "As The Dawn Breaks", chef d'œuvre de beauté éthérée -, Richard Hawley pose le décor. Et puis là, à la 40ème seconde, une apparition miraculeuse : cette voix ténébreuse, intense et profonde, concentré de subtilité et d'émotion.

Rentrer dans cet univers mélancolique et fragile n'est pas chose aisée. Ne vous arrêtez surtout pas à la lenteur de l'ensemble, mais prêtez plutôt attention aux merveilles mélodiques que comporte cet album. Passez au-delà la longueur de certaines chansons (six minutes en moyenne, et presque onze minutes de rêve éveillé pour "Don't You Cry") et leur aspect répétitif de prime abord. Laissez-vous bercer, emporter par le courant, ne songez pas à résister.

Car Richard Hawley n'est pas un homme pressé. Il prend tout son temps pour installer des atmosphères sépulcrales où il laisse progressivement pénétrer la lumière. Le quarantenaire, ancien combattant de la britpop (il a notamment participé à l'aventure Pulp), semble avoir dédié sa carrière solo à la recherche de la beauté musicale la plus pure. Ses précédents essais (Truelove's Gutter est son sixième disque), bien que moins sombres, dégagent la même grace. Mais celui-ci a quelque chose de plus.

Richard Hawley parvient ici à une épure absolue et pousse la subtilité à l'extrême. Truelove's Gutter, ou la beauté du vide. De grands espaces, une immensité sans fin, et au milieu, ce chant caverneux - à peine souligné par quelques notes de guitare - qui hante le disque de la première à la dernière note. Le romantisme absolu de l'ensemble fait fondre les coeurs : passée la surprise initiale, impossible de rester insensible à la beauté magistrale de l'oeuvre. L'anglais y chante l'amour et ses déceptions avec passion. Concentré de douceur, Truelove's Gutter est la bande son idéale de vos nuits érotiques.

Huit titres, 53 minutes de musique : aucun déchet. C'est simple, on tutoie le sublime tout au long de l'album : la splendide "As The Dawn Breaks" inaugurale, les envolées de cordes de "Open Up Your Door", "For Your Lover Give Some Time" - monument de romantisme désabusé -, la divine berceuse "Don't Get Hung Up In Your Soul", le crescendo final de "Soldier On", les onze minutes de "Don't You Cry",... Richard Hawley se révèle parfait dans la peau d'un Leonard Cohen des temps modernes.

Arctic Monkeys + Eagles Of Death Metal (Zénith, 6 Novembre 2009)

Deux mois après la sortie de leur excellent troisième album (Humbug), les Arctic Monkeys poursuivent leur étourdissante ascension : ils investissant le Zénith pour deux dates complètes depuis belle lurette. Mis en bouche par le boogie rock couillu des Eagles Of Death Metal, le public parisien a eu droit pendant 1h40 à un récital magistral des jeunes anglais.

Cette double affiche (difficile de considérer les Eagles Of Death Metal comme un simple faire-valoir) pouvait sembler curieuse tant l'univers des deux formations est éloigné. C'est oublier que l'autre membre phare des "Pigeons Of Shit Metal" - comme les avait gracieusement nommé le non moins gracieux Axl Rose - n'est autre que Josh Homme, qui se trouve être également le co-producteur de Humbug. L'autre point commun entre les deux groupes est d'avoir signé deux des meilleurs albums d'une année 2009 pas franchement à la fête rock & rollement parlant.

Dans le public, plusieurs générations se télescopent : jeunes pousses rock ayant grandi au son des Monkeys et connaissant les paroles sur le bout des doigts, nouveaux venus séduis par la maturité démontrée sur Humbug, fans de la première heure rentrant en transe à chaque extrait de Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, vétérans du rock venus applaudir le combo le plus excitant de la génération actuelle, et fans des Eagles Of Death Metal postés le long des crash barrières dans l'espoir de pouvoir toucher un bout de moustache de Jesse Hughes.

Dans un Zénith qui finit de se remplir, les américains entament leur set par "Cherry Cola", joué en rangs serrés. Jesse Hughes se révèle moins en jambe (et en voix) qu'à son habitude. L'année 2009 passée sur les routes semble avoir laissé des traces. On sourit tout de même aux quelques facéties du chanteur, qui impliquent deux fois sur trois sa moustache. La setlist alterne entre titres du dernier disque ("Secret Plans", "Heart On", "Now I'm A Fool", "Cheap Thrills" et l'incontournable "Wannabe In L.A.", dont la version jouée ce soir sonne très punk) et extraits des précédents albums. Elle n'a pas bougé depuis une éternité et demanderait à être renouvelée.

A la batterie, Joey Castillo tient sauvagement la baraque dans un style que Dave Grohl ne renierait pas. Brian O'Connor, ogre barbu et bassiste aux mains de géant, le soutient avec force. Peu démonstratifs jusqu'ici, Jesse Hughes et Dave Catching (second guitariste) se réveillent en toute fin de set : après "I Want You Soo Hard (Boy's Bad News)", les américains finissent sur une joute guitaristique rondement menée.

Même si on a connu la bande de Jesse Hughes plus concernée, elle a fort bien rempli son rôle, délivrant une première partie de bonne facture. Certes sans grande surprise, parfois approximative et vraiment pas aidée par un son chaotique (ce qui nous fait craindre le pire pour la suite). Mais même légèrement en deçà de leurs possibilités, un concert des Eagles Of Death Metal reste un moment de rock & roll unique. Il est maintenant temps pour eux de prendre quelques semaines de vacances bien méritées.

Après une attente interminable, les spots s'éteignent, déclenchant une assourdissante vague de hurlements et de sifflets. Impassibles, les chevelus de Sheffield pénètrent tranquillement sur scène et démarrent le lancinant "Dance Little Liar". Agressivité retenue, montée en tension progressive, break ravageur, guitares furieuses : l'entrée en matière est plus que convaincante. Alex Turner secoue sa tignasse en s'excitant sur sa guitare (ou l'inverse) et, surtout, le son est d'une limpidité rarement entendue au Zénith. Sans transition, le groupe balance un "Brianstorm" tonitruant. Matt Helders mouline comme un damné sur sa batterie et met le Zénith en fusion. "This House Is A Circus" et "Still Take You Home", piqures de rappel musclées des deux premiers albums, enfoncent le clou : la fosse s'agite dans tous les sens sur ces riffs ravageurs.

Mais ce n'est rien comparé à l'euphorie qui s'empare de la foule lorsque retentissent les premiers accords de "I Bet You Look Good On The Dancefloor". Alex Turner n'a même pas besoin de chanter, le public crie à sa place. Après un "Sketchead" pas inoubliable, le groupe nous offre les trois premiers titres de Humbug, dans l'ordre s'il vous plaît : "My Propeller", "Crying Lightning" et "Dangerous Animals". Le contraste avec les titres joués précédemment est flagrant : la frustration et la rage adolescente ont laissé place à une plus grande assurance et à des chansons plus tortueuses.

"The View From The Afternoon" ravive la flamme des nostalgiques avant que "Cornerstone" ne vienne faire souffler un rafraîchissant air pop sur le Zénith. La fin du concert réserve deux autres grands moments : "The Jeweller's Hands", montagne russe aux accents psychédéliques et "Secret Door", sûrement ce que les anglais ont produit de mieux en trois albums. Pas un hasard si cette pièce montée pop clôt le concert par un ballet de toute beauté, seul moment d'esbroufe de la soirée : un coup de caisse claire claque dans la salle et déclenche une explosion de confettis argentés. Point de grandiloquence ici, l'effet de surprise est réussi et la vision d'ensemble superbe. Afin de faire durer le plaisir, le titre se prolonge par des choeurs très Beatlesiens qui s'éteignent subitement, laissant le public momentanément orphelin.

Les quatre Monkeys, accompagnés pour l'occasion d'un clavier-guitariste, reviennent pour un rappel de deux chansons : la magnifique et tubesque "Fluorescent Adolescent", où Alex Turner ralentit volontairement le tempo avant de repartir de plus belle, et "505", bizarrerie planante qui s'excite progressivement jusqu'à un final rageur. Après des saluts laconiques mais sincères, le gang de Sheffield se retire, laissant leurs guitares rugir toutes seules et les spectateurs applaudir à tout rompre.

D'aucuns reprocheront aux Arctic Monkeys d'avoir eu trop peu d’interactions avec le public, sans doute par timidité. L'exubérance, ce n'est pas leur truc. Les Arctic Monkeys ne sont pas et ne seront jamais les Hives, et c'est tant mieux : concentrés, tout acquis à leur musique, sobres et efficaces, leur attitude est d'une grande classe. Sans rien faire d'autre que de chanter (remarquablement bien) et jouer de la guitare, Alex Turner captive l'attention. Sa voix de crooner, au timbre et au phrasé si particuliers, transporte ailleurs.

Son presque impeccable, très beaux jeux de lumière, setlist quasi idéale (on aurait bien aimé également entendre "Teddy Picker" ou "Only One Who Knows") : il aura juste manqué un peu de folie pour que le concert soit parfait. Les Arctic Monkeys confirment qu'ils ont bel et bien leur place sur le podium des formations rock des années 2000. Ce soir, le Zénith était "the place to be".

Setlist Arctic Monkeys : Dance Little Liar / Brianstorm / This House Is A Circus / Still Take You Home / I Bet You Look Good On The Dancefloor / Sketchead / My Propeller /Crying Lightning / Dangerous Animals / The View From The Afternoon / Cornerstone / If You Were There, Beware / Pretty Visitors / The Jeweller's Hands / Do Me A Favour / When The Sun Goes Down / Secret Door / Rappel / Fluorescent Adolescent / 505

Lire également la chronique du concert sur Froggy's Delight.
Lire également la critique d'Humbug sur Froggy's Delight.

"This Is It" : le dernier Moonwalk de Michael Jackson

Oui, bien entendu : "This Is It" n'est que le début de la longue et lucrative exploitation de la mort de MJ.

Oui, ce film, construit à partir des enregistrements des répétitions à Los Angeles, ne remplacera jamais le concert en lui-même.

Non, il ne consolera pas les fans transis (puis refroidis) qui possédaient un billet pour les shows prévus l'été dernier à l'O2 Arena de Londres. Ni ceux qui espéraient un passage du chanteur dans leur pays.

Oui, on est allé voir le film faute de mieux, pour se donner une idée de ce qu'aurait pu être ce show. Par curiosité.

Oui, on pouvait craindre le pire : du sentimentalisme à l'Américaine, des témoignages de fans inconsolables, ou encore une mise en scène larmoyante des dernières images de Michael.

Rien de tout ça. "This Is It" est avant tout un superbe et émouvant hommage au King Of Pop, d'une élégante sobriété. Il nous montre le chanteur sans fard, dans son élément. Il le révèle tel qu'il est : passionné et passionnant. On découvre un Michael Jackson touchant, en grande forme, et régulièrement impressionnant. On a du mal à l'imaginer dans un cercueil peu de temps après.

En le voyant en action, c'est l'évidence même : à 50 ans, Michael maîtrisait totalement son sujet. Il était le dernier artiste total, un touche-à-tout génial qui savait exactement ce qu'il voulait et qui maîtrisait tous les aspects de son art sur le bout des doigts. Si ses pas de danse n'ont plus tout à fait l'agilité de ses 20 ans, on continue de les regarder bouche bée, avec des yeux d'enfants. Il en est de même de ses performances vocales - quoi qu'en dise Michael (qui répète à qui veut l'entendre qu'il retient sa voix pour l'économiser). Il faut aussi le voir donner ses consignes aux musiciens, diriger ses danseurs, donner son avis sur tout, guider et motiver sa troupe avec virtuosité et une énergie communicative. Le tout avec une douceur et une gentillesse incomparables.

L'admiration que lui voue sa troupe - dévouée corps et âmes - semble sans borne. A ce titre, la scène où Michael répète "Billie Jean" devant un parterre de danseurs en extase est révélatrice de son aura. On prend encore plus conscience de l'impact qu'a eu ce gamin génial coincé dans un corps d'adulte sur plusieurs générations d'ados. Non content d'avoir signé une poignée de singles irrésistibles et deux albums intemporels (Off The Wall et Thriller), il a au passage révolutionné le rapport de la musique à l'image, propulsé les shows musicaux dans une autre dimension, pratiqué avec succès et ingéniosité le mélange des genres musicaux, et prouvé à la terre entière qu'un artiste noir pouvait aussi devenir une pop star. Mieux : la pop star ultime.

Ce besoin viscéral de repousser les limites et de viser la perfection absolue, on le ressent profondément lors de ces répétitions : Michael ne lâche pas sa troupe d'une semelle, la recadre quand il faut, la pousse toujours plus haut. Voir le spectacle prendre forme sous nos yeux est une expérience marquante. Tout transpire ici l'envie de donner et de prendre le maximum de plaisir. Michael, qui nous sert du "God" et du "Love" à la pelle (seul aspect irritant du film), ne ménage pas sa peine en ce sens.

"This Is It" est une bizarrerie cinématographique qu'on regarde avec des étoiles dans les yeux, même si le tableau est noirci par des regrets éternels que plus rien ne pourra combler. Le concert que Michael Jackson et son équipe nous concoctaient s'annonçait grandiose. Le plaisir qu'il y prenait visiblement rend l'issue de l'histoire encore plus triste.

Mettez de côté vos a priori, oubliez l'image de monstre excentrique à laquelle on a trop tendance à réduire Michael Jackson, et courrez voir ce film. "This Is It" permet de rappeler à ceux qui auraient la mémoire courte la sidérante maîtrise musicale de ce prodigieux danseur, qui frôle régulièrement ici le génie à l'état pur. "Qu'est-ce que j'aurais donné pour voir ça !" est la phrase qui nous assaille tout au long du film, à sa sortie, et qui continuera à nous hanter longtemps après encore.

Lire également la critique du film sur Froggy's Delight.

Concerts à venir... Décembre 2009

Pony Pony Run Run le 2 Décembre à la Maroquinerie et le 4 Décembre au Rack'am (Brétigny-sur-Orge - 91)

Magma du 3 au 6 Décembre à l'Alhambra
Maceo Parker le 3 Décembre au Plan (Ris-Orangis - 91)

Naomi Shelton & The Gospel Queens le 4 Décembre à l'EMB Sannois

Mando Diao le 5 Décembre au Bataclan
Hindi Zahra le 5 Décembre au Rack'am (Brétigny-sur-Orge - 91)
Devendra Banhart le 6 Décembre à La Cigale
Yann Tiersen le 7 Décembre à la Maroquinerie

-M- du 8 au 12 Décembre à la Cigale
Julian Casablancas le 8 Décembre au Bataclan
The Asteroids Galaxy Tour le 10 Décembre au Trabendo
Paul McCartney le 10 Décembre au Palais Omnisports de Paris Bercy

Sandra Nkaké le 11 Décembre au Canal 93 (Bobigny - 93)
Julian Plenti le 13 Décembre à l'Alhambra
Piers Faccini le 16 Décembre à la Cigale
Les Wriggles du 17 au 19 Décembre à la Cigale

Antony Joseph & The Spasm Band le 18 Décembre à la Ferme du Buisson (Marne-la-Vallée - )
Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra le 19 Décembre au Zénith
Soulwaxmas : 2Many DJ's (live), Soulwax & others le 23 Décembre 2009 à la Grande Halle de La Villette

Interview Pacovolume (extraits)

Retrouvez l'interview complète sur Froggy's Delight.

Quelque chose d'Edouard Baer, une bonne dose d'humour, beaucoup de simplicité et un vrai enthousiasme : de la cithare vietnamienne à Frank Sinatra, en passant par Pierre Bachelet et Abba, compte-rendu de la petite demi-heure passée en compagnie de Pacovolume.

Comment s'est réalisé l'enregistrement de Manhattan Baby ? Est-ce toi qui a tout joué de A à Z ou as-tu fait appel à d'autres musiciens ?

Alors... tous les musiques, c'est moi qui les ai composées et arrangées. Toutes les notes du disque sont mon travail. Ensuite, j'écris les paroles à deux mains avec Owen Stewart, qui est un très bon ami à moi. On écrit 50% des paroles chacun. Il y a eu également un apport très important de François Chevallier, qui a réalisé le disque. Il a mis beaucoup d'ordre dans les démos que j'avais faites chez moi sur mon home studio. C'était bien d'avoir un regard extérieur d'un professionnel qui est un roi du placement de micro, mais qui sait aussi me dire quand un passage est inutile, ou quand la structure ou le tempo doivent être modifiés. C'est vraiment un album qu'on a fait musicalement à deux avec François. Mais ensuite, il y a d'autres musiciens qui ont participé, notamment Vincent Taeger, qui est l'excellent batteur de Poni Hoax et de pas mal d'autre monde. Je joue beaucoup d'instruments sur le disque, mais si j'avais joué de la batterie, ç'aurait vraiment été une catastrophe parce que je joue comme une saucisse (rires)... Il y aussi une joueuse de cithare vietnamienne (dàn tranh) sur le dernier morceau de l'album.

C'est donc une cithare vietnamienne que l'on entend sur "Discontinued Things"... Je me demandais quel était cet instrument, c'est vrai que le rendu est superbe.
C'est super beau, et ça c'est une idée de François. Voilà l'exemple d'un titre où l'idée d'un réalisateur peut amener le morceau beaucoup plus loin.

C'est vrai que ça propulse complètement la chanson autre part. Mais c'est un sacré pari d'intégrer cet instrument dans une chanson pop...

Oui, ça sonnait même comme un gage. Je t'avoue d'ailleurs que j'y croyais moyennement avant d'avoir essayé. La cithare vietnamienne, c'est un instrument immense et qui n'est pas très connu. Il fait presque 3 mètres de long, il y a des cordes partout... Evidemment, comme à chaque fois que j'ai un instrument nouveau devant moi, j'ai essayé de voir comment ça fonctionne. Mais là je ne comprends pas, j'ai l'impression qu'il faut 1000 ans pour savoir jouer de ce truc. Ou surtout être vietnamien, je pense que c'est aussi une question de culture. Et c'est vrai que je trouve le rendu sur le titre assez magique. C'est d'ailleurs mon morceau préféré sur l'album.

Manhattan Baby laisse percer chez toi un côté perfectionniste et minutieux, soucieux du moindre détail. C'est notamment assez perceptible dans les arrangements.

Je suis en fait un peu tiraillé entre un naturel nonchalant et un besoin de précision. Je peux me satisfaire de certains trucs qui sonnent comme des démos. Par exemple, sur un morceau comme "Judas", qui est une chanson un peu débile avec du charango - la guitare sud-américaine -, il y a ces espèces de synthés chinois qui ne sont même pas dans le temps et qui font des trucs un peu cons, mais moi ça me plaît. D'un autre côté j'ai une vision assez précise de là où je veux aller et comment le morceau doit sonner. Du coup il y a des trucs sur lesquels je n'arrive pas à négocier car ça demande énormément de minutie. Donc il y a à la fois un perfectionnisme et un côté branleur qui me rattrape. Mais c'est vrai que c'est effectivement assez travaillé et précis au niveau des arrangements.

Tu sembles accorder une attention toute particulière à l'image et aux visuels qui t'entourent : les pochettes de l'EP Cookiemachine et de l'album Manhattan Baby sont superbes et très travaillées. Le clip de "Cookiemachine" dégage lui aussi un univers tout particulier.

C'est très important. Quand j'étais gamin, il n'y avait pas internet, donc la seule idée que j'avais de l'artiste c'était en regardant les disques. C'était un espèce de fantasme, essayer de rentrer dans un univers un peu particulier. Je trouve que mes pochettes donnent assez peu d'informations sur moi, alors que bizarrement je suis en photo un peu partout dans le disque. Il y a des choses assez contrastées, beaucoup de couleur, notamment dans le clip où il y a des oppositions entre un Paris très très gris limite chiant et des couleurs qui me suivent partout. Tout ça a été fait avec Romain Chassaing, c'est lui qui m'a pris par la main, et c'est lui qui s'occupe de tous les visuels sur cet album. Il y a eu de très longues conversations au café sur ce que l'on voulait faire, mais au final c'est lui qui a donné cette interprétation du disque. C'est très dur de trouver une image qui colle avec 12 morceaux qui n'ont pas forcément tant de rapports que ça entre eux, même s'il y a de la cohésion et de l'unité dans le disque.

Sur l'album, on sent un goût prononcé pour les sonorités acoustiques, notamment la guitare, qui occupe beaucoup de place. C'était un choix évident pour toi ?
C'est une volonté, oui, même si je pense que je ne le ferai pas à chaque disque. J'aime beaucoup la guitare, mais juste pour son rôle rythmique. Sur le disque, on n'a pas du tout recherché le meilleur son de guitare, ce sont des guitares acoutiques qui sonnent très "sec". On recherchait un truc assez énervant et qui fait tracer le morceau. Au final, tu entends un truc comme "tchikitchikitchi..." (il mime) qui peut être assez énervant, et moi la pop j'aime bien quand il y a un côté presque irritant. Il ne faut pas dépasser la limite, mais cette guitare qui fait "tchakatchakatcha" (il re-mime), ça a presque une fonction de maracas. Ce n'est plus vraiment un rôle de guitare, il n'y a pas de riff à proprement parler. J'aime beaucoup les guitares acoustiques pour l'énergie que ça déploie et le balancement que ça créé. Sur ce disque-là, ça relève davantage de la recette, j'ai mis volontairement beaucoup de guitares acoustiques qui vont très vite.

Sur le Cookiemachine EP, on sent pointer un univers musical plus diversifié que le laisse suggérer l'album, avec des harmonies vocales et quelques influences soul sur "Watching Las Vegas". Il y a également des touches électro et funk sur la version alternative de "Manhattan Baby" et sur "Dance The Night Away", où l'on sent que Prince, entre autres, t'a marqué. Est-ce une direction musicale que tu aimerais creuser dans le futur ou penses-tu rester fidèle à la pop acoustique de ce Manhattan Baby ?

C'est délicat. Le style musical, je le vois de façon assez pragmatique. Pour moi, c'est une façon d'habiller les chansons. N'importe quel morceau peut être jouer en reggae ou en club. A un moment "T", je l'entends comme ça. A la guitare acoustique, "Dance The Night Away" est un morceau qui ressemble beaucoup aux autres. J'aurais vraiment voulu l'intégrer au disque, mais pour des histoires de cohérence dans l'album, ça ne collait pas. Avec François on a fait un paquet de tracklist, elle ne rentrait pas. C'était une surprise de voir qu'elle ne finirait pas sur le disque final. Mais c'est vrai que ça m'a montré que j'étais capable de faire aussi un morceau dans ce style. Après, Prince, évidemment, je l'ai écouté toute ma vie. Mais les gens que j'ai vraiment écouté, ce ne sont pas eux qui ressortent dans ma musique. C'est assez particulier, mais ce n'est pas plus mal. Par contre, je me rends compte de plus en plus qu'il y a des influences hyper craignos qui interviennent dans mon travail (rires). Par exemple, Pierre Bachelet, cet espèce de truc qui remonte à la fin de chaque phrase (il chante). Bon, le texte ce n'est pas ça, mais par exemple dans "Ordinary Life", il y a un refrain qui fait "You're climbing up the wall about the telephone " (il chante en glissant vers le haut à la fin de "telephone"). Cette note qui ne veut rien dire et que tu ne peux même pas mettre sur partition, je suis sûr que c'est Pierre Bachelet (rires) ! J'ai dû entendre ça gosse, et voilà. Donc c'est marrant : il y a les influences choisies - j'aime beaucoup Prince par exemple, j'ai pratiquement tout et je me fais encore avoir chaque année, je rachète des disques et c'est nul (rires). Et je continue parce que je suis un peu maso -, et il y a ces influences subies, que je ne maîtrise absolument pas et qui sont prégnantes dans ma musique.

Je décrirais Manhattan Baby comme un album à la mélancolie ensoleillée : ce côté un peu triste avec plein d'accords mineurs et des arrangements qui apportent plein de couleurs.

C'est pile poil ce que je voulais faire, donc je suis ravi de te l'entendre dire ! En plus, c'est bien parce que tu me donnes des phrases que je pourrai réutiliser dans les promos (rires). Oui, c'est ça. C'est ce que j'ai essayé de faire en tout cas et c'est souvent ça que j'aime dans la musique. Il y a un morceau de Cure qui dit "Tu danses avec les larmes dans tes yeux". Je ne suis pas du tout fan de disco, je dois avoir un best of de Chic quelque part, ce qui est déprimant d'ailleurs. Je n'ai rien en disco et je m'en fous un peu. Mais il n'empêche que la disco, c'était des accords mineurs et ça fait vraiment danser. Il y a une sorte de profondeur là-dedans, même dans les chansons d'Abba, tu te dis "tout va bien, je danse, mais en même temps je ne sais pas trop pourquoi je danse parce que ça ne va pas trop trop"... C'est un truc qui me fascine et je crois, sans vouloir faire mon musicologue à deux balles ni sortir de grandes théories, parce que c'est quand même une interview - si on était au bar je partirais dans de grands discours... Mais en gros, je pense qu'il faut de la mélancolie et de la tristesse pour faire un morceau qui te fait sentir bien. Par exemple "Chihuahua", ça ne me fait rien. Michael Jackson était très bon pour ça. Je ne suis pas super fan, mais il y a pas mal de ses morceaux où il y a une part d'ombre.

On remarque des ressemblances avec Pulp, surtout sur "Ordinary Life". Ce groupe et toute la pop anglaise des années 90 (Blur, Supergrass,...), c'est une influence importante pour toi ?

Pulp, je connais très peu. Mais oui, j'écoutais tous ces groupes anglais à bloc quand j'étais au lycée. Pulp, je connais surtout les textes. Il y a plein d'albums que je ne connais pas vraiment. Mais dans l'écriture, c'est magistral, ça fait partie des plus grands textes.

Y a-t-il un artiste ou un groupe essentiel dans ta vie qui t'a donné envie de devenir chanteur ?

Oui : Frank Sinatra. C'est lui qui m'a donné envie de devenir chanteur. La musique, j'en faisais depuis que j'étais tout petit. C'est assez marrant d'ailleurs, parce que je suis le petit dernier dans ma famille. Ma grande soeur a voulu faire du piano, mes parents ont trouvé un piano et l'ont inscrite à des cours. Tout allait bien sauf qu'elle était nulle et qu'elle se foutait du piano. Donc elle a arrêté et s'est mise au tennis. Ensuite, mon grand frère, qui a 4 ans de plus que moi, a voulu absolument faire du saxophone. On lui a trouvé un saxophone, il a pris des cours, et très vite il a arrêté et a joué au tennis. Et moi j'arrive le dernier, en disant "oui, attention, moi je veux vraiment faire de la musique", et on me passe un raquette (rires)... C'est véridique. Donc du coup je me suis quand même retrouvé dans une maison avec des instruments, et je suis venu assez rapidement à la musique. Le chant, je m'en foutais complètement jusqu'à l'âge de 15-16 ans, où j'ai vu Frank Sinatra à la télé. Je me suis dit "putain, ça a l'air pas mal sa vie, on a l'air de bien lui foutre la paix à Frank". Il avait un timbre de voix mortel, une espèce de facilité qui faisait rêver. C'était un de mes fantasme un peu débile d'ado : bien habillé, chanter ses trucs, tout a l'air de baigner, le rat pack, tous ces trucs,... J'imaginais les grandes bouffes, le verre de whisky sur le piano,... C'est idiot mais je me suis dit que je ferais bien ça. J'étais déjà content de faire de la musique, mais le fait de chanter, c'est Frank Sinatra. Alors maintenant, ma vie est très loin de la sienne, et je n'aurai pas le même truc que lui. Je n'aspire pas à être comme Dany Brillant. Mais c'était la première fois où je me suis dit "tiens, ça c'est une vraie proposition de vie". Merci Franky.

Interview réalisée pour Froggy's Delight.

Concerts à venir... Novembre 2009

Wax Taylor les 2 et 3 Novembre au Bataclan
Motörhead le 4 Novembre au Zénith
Gong le 4 Novembre au Bataclan
Pacovolume le 5 Novembre au Café de la Danse
Jerry Lee Lewis & Family le 5 Novembre au Grand Rex
Fredo Viola le 5 Novembre à La Cigale
Arctic Monkeys et Eagles Of Death Metal les 5 et 6 Novembre au Zénith
Ebony Bones le 6 Novembre à La Cigale
Diving With Andy les 6 et 7 Novembre à l'Européen
Montgomery (ciné concert "Mad Max") le 7 Novembre à La Maroquinerie
Amanda Blank le 7 Novembre à La Boule Noire
Massive Attack les 10 et 11 Novembre au Zénith
Pacovolume, Jil Is Lucky et You & You le 10 Novembre à La Clef (St Germain en Laye -78)

Kings Of Convenience le 11 Novembre au Bataclan
Rodrigo Y Gabriela le 12 Novembre au Casino de Paris
Calvin Harris le 12 Novembre à l'Elysée-Montmartre
Andrew Bird le 13 Novembre au Casino de Paris

General Elektriks le 13 Novembre à l'EMB Sannois (95)
Herman Düne & Friends le 15 Novembre à La Cigale
Gossip du 15 au 17 Novembre 2009 au Bataclan
Eiffel le 17 Novembre à La Cigale et le 18 Novembre au Bataclan
Patrick Watson & The Wooden Arms le 18 Novembre à La Cigale
Monsters Of Folk (M.Ward, Conor Oberst et Jim James) le 18 Novembre à l'Elysée-Montmartre Concert Annulé
Grizzly Bear le 21 Novembre à La Cigale
Chinese Man le 21 Novembre à l'Elysée-Montmartre
Rickie Lee Jones le 24 Novembre à Bambino
Franz Ferdinand le 26 Novembre au Zénith
Wild Beasts le 27 Novembre au Point Ephémère
Hindi Zahra le 27 Novembre au Rack'am (Brétigny-sur-Orge - 91)
Sammy Decoster et Revolver le 28 Novembre au Sax (Achères - 78)
Hugh Coltman le 28 Novembre à La Cigale
Yodelice les 30 Novembre et 1er Décembre à La Cigale
The Horrors le 30 Novembre au Trabendo

Pacovolume "Manhattan Baby"

Quelques mois après le EP CookieMachine, Pacovolume sort son premier album, Manhattan Baby. Lequel est à coup sûr l'un des tous meilleurs disques français de cette rentrée. C'est frais, c'est léger, c'est pop, et le tout dégage beaucoup de charme. Pacovolume, songwriter oenologue au parcours atypique, n'est pas pour ainsi dire un inconnu puisqu'il était déjà présent sur la compilation CQFD 2007 des Inrocks (pour la chanson "CookieMachine").

On découvre un univers bouillonnant aux influences anglo-saxonnes parfaitement assumées, avec beaucoup de guitare acoustique, un accent anglais sans tache, des ritournelles mélancoliques mais sans lourdeur et un vrai sens de la mélodie. Chaque titre impose un univers particulier, les arrangements sont recherchés et colorés (des cuivres, quelques claquements de doigt et un peu d'électro sur "4th Street Approximately", un ukulele, quelques touches de xylophone et des choeurs qu'Elliott Smith n'aurait pas reniés sur la magnifique "Judas", de splendides cordes indiennes sur l'ultime "Discontinued Things", ici et là des claps de main, des carillons, des claviers, des cordes,...). On sent percer le perfectionnisme de Pacovolume : rien n'est laissé au hasard sur ce disque. Même la très belle pochette attire l'oeil et éveille la curiosité.

Au petit jeu des influences, il apparaît que le multi-instrumentiste français a beaucoup de goût : il y a du David Bowie ("CookieMachine"), du Jarvis Cocker ("Ordinary Man") et du Win Butler ("Wolves") dans sa voix. On songe aussi à la B.O. de Once ("Tony Orlando and the Fantastic Five"). Son chant, gorgé de ferveur, développe un phrasé entraînant, ses refrains donnent des ailes : Pacovolume dispose indéniablement d'un vrai talent pour tisser des pièces pop.

A l'écoute de la très belle "Girl In The Choir" on manque de s'étrangler, mais non, on ne se méprend pas : il y a bien quelque chose en elle de Tennessee. Comme tout premier disque, Manhattan Baby charrie son lot de défauts : il manque notamment un ou deux singles évidents qui tireraient l'album vers le haut. On peut aussi déplorer quelques passages moins intéressants ("A Minor Peace", "Tony Orlando and the Fantastic Five") et un jeu de guitare parfois prévisible. Pacovolume flirte par moments avec la grandiloquence mais sans jamais franchir la limite. Il évite avec habileté bien des écueils et démontre une vraie maturité dès son premier essai.

Ainsi, ce premier album dégage plein de charme malgré ses légers défauts. Manhattan Baby, à la pop raffinée de bout en bout, est un disque rond et chaud, à la mélancolie ensoleillée. A l'image du clip chamarré de "Cookie Machine", la musique colorée de Pacovolume s'avère être le parfait remède à la grisaille et aux premiers froids de l'automne. Les bons albums pop français ne sont pas légion, réjouissons-nous d'avoir trouvé là un candidat sérieux et doué.

Lire également la critique de l'album sur Froggy's Delight.